発売日：1993年5月4日
ジャンル：オルタナティヴ・ロック、ノイズ・ロック、ポストパンク、ブルース・ロック、インディー・ロック
概要
PJ HarveyのRid of Meは、1993年に発表された2作目のスタジオ・アルバムであり、1990年代オルタナティヴ・ロックの中でも屈指の緊張感と暴力性を持つ作品である。デビュー作Dryで、PJ Harveyはすでに独自の存在感を示していた。ブルースを基盤にしながらも、ポストパンク的に削ぎ落とされたギター、女性の欲望や身体をむき出しにした歌詞、乾いたユーモアと攻撃性を備えたその作品は、当時の英国インディー・シーンにおいて非常に異質だった。しかしRid of Meでは、その要素がさらに過激化し、より鋭く、より生々しく、より危険な形へと変化している。
本作は、PJ HarveyがPolly Jean Harvey、Rob Ellis、Steve Vaughanによるトリオ編成として制作した最後のスタジオ・アルバムでもある。つまり、後年のPJ Harveyがソロ・アーティストとして多様な音楽性へ展開していく前の、バンドとしての最も激しい到達点といえる。演奏はきわめて切り詰められており、ギター、ベース、ドラム、声の関係がむき出しのままぶつかり合う。音数は多くないが、音の圧力は非常に強い。
本作のサウンドを決定づけているのは、プロデューサー／エンジニアとして参加したSteve Albiniの録音である。Albiniの録音は、当時の一般的なロック・プロダクションのように音を厚く整えたり、ヴォーカルを前に出して聴きやすくしたりするものではない。むしろ、部屋の中でバンドが鳴っている音を、極端なダイナミクスと空気感を保ったまま記録する。Rid of Meでは、囁きのように小さい部分と、突然爆発する轟音の差が非常に大きい。このダイナミクスこそが、本作の緊張の核心である。
音楽的には、ブルース、パンク、ノイズ・ロック、ポストパンク、ガレージ的な荒さが混ざっている。だが、本作を単純なロック・アルバムとして聴くと、その本質を見誤る。ここでのギターは、メロディを飾る楽器ではなく、身体を切り裂くような音、あるいは欲望と怒りの延長として鳴る。Rob Ellisのドラムは激しく、時に不規則で、曲の感情を煽る。Steve Vaughanのベースは低くうねり、曲に肉体的な重さを与える。PJ Harveyの声は、囁き、叫び、命令、嘲笑、祈り、誘惑の間を激しく移動する。
歌詞面では、性的支配、依存、復讐、自己破壊、母性、宗教的イメージ、身体の暴力、愛の執着が扱われる。PJ Harveyの語り手は、単なる被害者ではない。彼女は愛されたいと願い、相手を支配しようとし、自分自身を傷つけ、相手を傷つけ、時には怪物のように振る舞う。女性の痛みを歌うだけでなく、女性の攻撃性、欲望、醜さ、執着をも正面から引き受ける点が、本作の重要な革新性である。
1990年代初頭のオルタナティヴ・ロックでは、女性アーティストの怒りや身体性が以前よりも可視化されつつあった。Hole、Babes in Toyland、Bikini Kill、Liz Phairなど、さまざまなアーティストが女性の視点からロックの言語を変えていた。その中でRid of Meは、ライオット・ガール的な政治的スローガンとは異なる形で、女性の声を極端に不安定で暴力的なものとして提示した。ここには明快な解放の宣言はない。あるのは、愛と暴力、欲望と嫌悪、支配と服従が絡まり合った暗い演劇である。
アルバム・タイトルのRid of Meは、「私を取り除いて」「私から逃れて」という意味に取れる。しかし、この言葉は単純な別れの宣言ではない。タイトル曲で歌われるように、語り手は相手に対して「私を取り除けると思うな」と迫るようにも響く。つまり、「私から逃れたいなら逃れてみろ、でも私は消えない」という執着の言葉でもある。愛の終わりを受け入れるのではなく、相手の身体や記憶に残り続けようとする強烈な意志がある。この執着の激しさが、アルバム全体を貫いている。
Rid of Meは、PJ Harveyのキャリアの中でも最も生々しく、危険な作品である。後のTo Bring You My Loveでは、彼女はブルースとゴシックを演劇的に拡張し、Stories from the City, Stories from the Seaでは都市的なロックへ向かい、Let England Shakeでは歴史と戦争を扱う文学的な作品を作る。しかし本作では、まだ何も装飾されていない。感情はむき出しで、録音は荒く、声は切迫している。これは単なる若さの記録ではなく、ロックという形式が身体と精神の危険な場所へ入り込んだ瞬間の記録である。
全曲レビュー
1. Rid of Me
アルバム冒頭のタイトル曲「Rid of Me」は、本作の世界を最も強烈に提示する楽曲である。曲は非常に小さな音から始まり、PJ Harveyの声はほとんど囁きに近い。だが、その静けさの中にはすでに異様な緊張がある。聴き手は音量を上げたくなるが、その後に突然訪れる爆発によって、この曲のダイナミクスの暴力性を体験することになる。
音楽的には、Steve Albiniの録音手法が最大限に活かされている。静寂と轟音の差が極端であり、曲の構成自体が心理的な圧迫を生む。ギターは乾いて鋭く、ドラムは空間を叩きつけるように響く。バンドは一定のリフを繰り返しながら、感情の圧力をじわじわと高める。
歌詞のテーマは、執着と支配である。語り手は相手に対して、自分から逃れることはできないと告げる。ここでの愛は優しさではなく、取り憑く力である。「私を取り除く」ことを相手が望んでも、語り手は消えることを拒む。これは恋愛の歌であると同時に、記憶や身体に残る傷の歌でもある。
タイトル曲として「Rid of Me」は、本作全体の倫理を提示している。このアルバムでは、愛は安心ではなく、侵入であり、依存であり、暴力である。冒頭から聴き手は、その危険な空間に閉じ込められる。
2. Missed
「Missed」は、タイトルが示すように、失われたもの、届かなかったもの、見逃されたものをめぐる楽曲である。しかし、この曲の喪失感は単なる悲しみではなく、宗教的・神話的なイメージを含んでいる。PJ Harveyの歌詞には、しばしば聖書的な言葉や殉教者的な感覚が現れるが、この曲にもその要素が強く感じられる。
音楽的には、重く不穏なギターとドラムが曲を支える。テンポは速くないが、曲全体には強い圧力がある。Harveyの声は、嘆きと怒りの間を移動し、聴き手に安定した感情を与えない。曲は大きく展開するというより、暗い感情の中を掘り進んでいく。
歌詞では、誰かを待つこと、誰かが来ないこと、救済が与えられないことが描かれる。宗教的な期待と恋愛的な期待が重なり、失われた相手は恋人であると同時に、救い主のようにも響く。しかし、その相手は現れない。あるいは、すでに見逃されてしまった。
「Missed」は、Rid of Meの中で、愛と宗教的救済の失敗を結びつける曲である。ここでは恋愛の喪失が、ほとんど信仰の崩壊のように響く。PJ Harveyの初期作品におけるゴシックな想像力が、強く表れた一曲である。
3. Legs
「Legs」は、身体の一部をタイトルにした楽曲であり、本作の中でも特に身体性と暴力性が強い曲である。脚は移動、欲望、性的な視線、逃走、支配の象徴になりうる。PJ Harveyはここで、身体を美しく理想化するのではなく、欲望と力関係が刻まれる場所として描く。
音楽的には、荒々しいギターと叩きつけるようなリズムが特徴である。曲は短く鋭く、余計な装飾がない。バンドはほとんど肉体的な衝動だけで突き進むように響く。Harveyの声は挑発的で、相手を誘うようでありながら、同時に威嚇している。
歌詞のテーマは、身体への欲望と支配である。脚という身体の一部が、相手から見られ、欲望され、所有される対象になる。しかし語り手は、その視線にただ従うわけではない。彼女は自分の身体を武器として使い、欲望する側とされる側の関係を不安定にする。
「Legs」は、PJ Harveyの初期作品におけるフェミニンな攻撃性を象徴する曲である。女性の身体はここで、受動的な対象ではなく、相手を混乱させる危険な力として現れる。
4. Rub ’Til It Bleeds
「Rub ’Til It Bleeds」は、タイトルからして身体的で痛々しい楽曲である。「血が出るまでこする」という表現は、快楽と痛み、欲望と傷、反復と自己破壊を結びつける。PJ Harveyの歌詞世界では、性的なイメージと暴力的なイメージがしばしば分離されずに現れるが、この曲はその典型である。
音楽的には、曲は不穏な静けさと突然の激しさを行き来する。ギターの音は乾き、ベースは低くうねり、ドラムは緊張感を保つ。曲全体に、抑え込まれた欲望が少しずつ暴力へ変わっていくような感覚がある。
歌詞では、身体に対する過剰な行為が描かれる。それは性的な快楽の追求であると同時に、自傷的な行為でもある。欲望は満足をもたらすのではなく、さらに強い刺激を求め、最終的に身体を傷つける。PJ Harveyはこの関係を、比喩としてではなく、非常に具体的な身体の感覚として描く。
「Rub ’Til It Bleeds」は、本作の過激さを象徴する曲である。ここでは、愛や性が美しいロマンスとしてではなく、皮膚を破るほどの摩擦として提示される。聴き手はその不快さから逃れられない。
5. Hook
「Hook」は、引っかけるもの、釣り針、誘惑、罠を意味するタイトルを持つ楽曲である。PJ Harveyの歌詞では、愛や欲望はしばしば罠として描かれる。相手を捕らえることと、自分が捕らえられることは同時に起こる。この曲にも、その緊張がある。
音楽的には、鋭いギターとタイトなリズムが中心で、短く引き締まっている。曲は大きく膨らむのではなく、緊張したまま進む。Harveyの声は低く、挑発的で、相手を誘い込みながら、すでに相手を傷つける準備があるように響く。
歌詞のテーマは、誘惑と捕獲である。Hookは、魅力的なフレーズやメロディを意味する言葉でもあるが、ここではより暴力的な意味が強い。誰かの心や身体に針を引っかけること。愛とは、相手を自由にすることではなく、引っかけて離さないことかもしれない。
「Hook」は、PJ Harveyのソングライティングにおけるブルース的な反復と、ノイズ・ロック的な鋭さが結びついた曲である。短いながらも、本作の危険な恋愛観を明確に示している。
6. Man-Size Sextet
「Man-Size Sextet」は、後に登場する「Man-Size」と対になる楽曲であり、弦楽を用いた異色のアレンジが特徴である。タイトルにある「Man-Size」は、男性サイズ、あるいは男性の大きさを意味し、ジェンダー、身体、力、自己変形のテーマを強く含んでいる。
音楽的には、ロック・バンドの荒々しさから一時的に離れ、弦楽の不穏な響きが中心となる。だが、クラシック的な優雅さではなく、むしろ緊張と不気味さを生むために弦が使われている。PJ Harveyの声は、演劇的で、ほとんど呪文のように響く。
歌詞では、女性が男性サイズになる、あるいは男性的な力をまとおうとするイメージが現れる。これは単純に男性になりたいという意味ではない。むしろ、男性中心的な権力や身体感覚を奪い取り、それを歪んだ形で演じる行為として読める。PJ Harveyはここで、ジェンダーの境界を揺さぶっている。
「Man-Size Sextet」は、本作の中で非常に重要な実験曲である。ロックの暴力性を弦楽に置き換え、身体とジェンダーの変形を不気味に表現している。後半の「Man-Size」と合わせて聴くことで、そのテーマはさらに明確になる。
7. Highway ’61 Revisited
「Highway ’61 Revisited」は、Bob Dylanの楽曲のカバーである。原曲はDylanの1965年の代表作に収録され、アメリカ音楽史、聖書的イメージ、ブルース、道路、暴力、資本主義的な取引が混ざり合った曲である。PJ Harveyはこの曲を、原曲のフォーク・ロック的な軽妙さとは異なる、荒々しく切迫した音へ変えている。
音楽的には、バンドは曲を非常に攻撃的に演奏する。ギターはざらつき、ドラムは激しく、Harveyのヴォーカルは原曲の語り口を女性の身体と怒りを通じて再解釈する。Dylanの曲にある寓話性は残しながら、より肉体的で危険なものになっている。
歌詞のテーマは、アメリカ神話、犠牲、取引、移動、暴力である。Highway 61は、ブルースの歴史とも深く関わる道であり、アメリカの音楽的・神話的な場所である。PJ Harveyがこの曲を取り上げることは、自身のブルースへの関心を示すと同時に、男性中心的なロック／フォークの伝統を自分の声で奪い返す行為でもある。
このカバーは、アルバムの中で異物でありながら、本作のテーマとよく合っている。聖書的暴力、道路、取引、欲望、身体。それらはPJ Harvey自身の楽曲にも深く流れている。
8. 50ft Queenie
「50ft Queenie」は、本作の中でも最も直接的で、攻撃的で、ユーモラスな楽曲の一つである。タイトルは「50フィートの女王」を意味し、巨大化した女性像を提示する。これは、男性的なロックの誇示や性的な自己主張を、女性の側から過剰に演じ返す曲である。
音楽的には、短く、速く、荒々しい。ギターは鋭く、ドラムは前のめりで、Harveyの声は叫びに近い。曲はほとんどパンク的な勢いで駆け抜ける。だが、その勢いの中に、非常に鋭いジェンダー的な皮肉がある。
歌詞では、語り手が自分の巨大さ、力、性的な存在感を誇示する。ロックにおいて、男性が自分の力や性的魅力を誇ることは長く一般的だった。しかしPJ Harveyはその言語を借り、女性の声で極端に拡大する。結果として、曲は痛快であると同時に、ロックの男性中心的な誇示そのものを滑稽に見せる。
「50ft Queenie」は、PJ Harveyの初期キャリアにおける象徴的な曲である。ここには怒りだけでなく、演劇性、ユーモア、挑発がある。女性が巨大化し、女王としてロックの舞台を支配する。そのイメージは強烈である。
9. Yuri-G
「Yuri-G」は、比較的短く、奇妙な雰囲気を持つ楽曲である。タイトルは一見すると意味が不明瞭で、人物名のようでもあり、符号のようでもある。PJ Harveyの作品には、このように明確な物語を拒む曲も多く、本作の不安定な空気を支えている。
音楽的には、ギターとリズムが緊張感を保ちながら進む。曲は爆発的ではないが、どこか切迫している。Harveyのヴォーカルは、言葉の意味よりも響きや身体感覚を重視しているように聴こえる。
歌詞のテーマは、直接的には捉えにくいが、異国的な名前、欲望、距離、断片的なイメージが絡んでいる。PJ Harveyの歌詞では、意味が曖昧なまま残る部分も重要である。すべてが説明されると、曲の不穏さは弱まってしまう。この曲では、言葉が断片として投げ出され、聴き手に不安な余白を残す。
「Yuri-G」は、アルバムの中では大きな代表曲ではないが、Rid of Meの荒れた断片性を強める役割を持つ。明確なメッセージではなく、感情の破片として機能する楽曲である。
10. Man-Size
「Man-Size」は、本作後半の重要曲であり、「Man-Size Sextet」で提示されたジェンダーと身体のテーマを、よりロック的な形で展開する。タイトルは男性サイズ、男性的な大きさを意味するが、PJ Harveyはそれをそのまま受け入れるのではなく、過剰に演じ、歪め、奪い取る。
音楽的には、ギター・リフが力強く、ドラムも重い。曲は堂々としており、語り手が自らの身体を巨大化させ、男性的な力をまとって歩くような感覚がある。Harveyの声は自信に満ちているが、その自信は単純な肯定ではなく、挑発的な演技でもある。
歌詞では、語り手が男性サイズになることを宣言する。これは、男性になりたいという意味ではなく、男性だけに許されてきた大きさ、力、権威、攻撃性を女性の声で奪い返す行為として読める。PJ Harveyはここで、女性らしさの規範を拒み、むしろ不自然なほど巨大な身体を作り出す。
「Man-Size」は、Rid of Meのジェンダー批評的な核の一つである。女性の声が、男性的なロックの言語を乗っ取り、変形し、異様なものにする。その過程が、曲そのものの荒々しいサウンドとして表れている。
11. Dry
「Dry」は、デビュー作と同じタイトルを持つ楽曲であり、PJ Harveyの初期作品における重要な主題を再び呼び出す。乾きとは、欲望の欠如、身体の拒否、感情の枯渇、性的な不満、あるいは涙すら出ない状態を意味する。水分や潤いがないという身体的な表現が、精神的・性的な意味へ広がっている。
音楽的には、静けさと緊張が同居している。曲は爆発的ではないが、抑えられた感情が強く感じられる。ギターはざらつき、リズムは重く、Harveyの声は乾いた痛みを含む。ここでは、激しい叫びよりも、乾きそのものが恐ろしい。
歌詞では、満たされない身体と感情が描かれる。欲望があるのに満たされない、あるいは欲望そのものが枯れている。PJ Harveyは、女性の身体を単なる官能の対象としてではなく、渇き、拒絶、不快感を抱える存在として描く。この視点は、当時のロックにおいて非常に重要だった。
「Dry」は、Rid of Meの中で初期PJ Harveyのテーマを再確認する曲である。身体はここでも中心にあるが、それは美しく整った身体ではなく、乾き、痛み、不満を抱えた身体である。
12. Me-Jane
「Me-Jane」は、ターザンとジェーンの神話を思わせるタイトルを持つ楽曲である。英語としては「Me Tarzan, you Jane」という古典的で単純化されたフレーズを連想させるが、PJ Harveyはそれを自分の側へ引き寄せ、「Me-Jane」とする。ここには、女性キャラクターとしてのJaneを自分自身の声で語り直す意図が感じられる。
音楽的には、荒々しいギターと強いリズムが特徴で、曲には原始的なエネルギーがある。だが、この原始性は単なる野生のロマンではなく、ジェンダー化された物語への皮肉を含む。Harveyの声は、従順なJaneではなく、自らの存在を主張するJaneとして響く。
歌詞では、男性によって定義される女性像への抵抗が感じられる。Janeはターザンの相手役として知られるが、この曲では、その物語の中で黙らされてきた女性の身体と声が前に出る。PJ Harveyは、既存の神話や大衆文化の中の女性像を、自分の声で歪める。
「Me-Jane」は、本作のフェミニンな反抗を支える曲である。女性は物語の付属物ではなく、自分の名前を持ち、自分の声で叫ぶ存在である。
13. Snake
「Snake」は、短く鋭い楽曲であり、タイトルが示す通り、蛇のイメージを中心にしている。蛇は聖書における誘惑、罪、知恵、性的な象徴、脱皮と変身の象徴である。PJ Harveyの宗教的・身体的な歌詞世界において、蛇は非常に自然なモチーフである。
音楽的には、速く、攻撃的で、ほとんど噛みつくような曲である。ギターは鋭く、ドラムは突き進み、Harveyのヴォーカルは短い言葉を毒のように吐き出す。曲は長く説明しない。蛇の一撃のように短く、危険である。
歌詞のテーマは、誘惑と嫌悪、性と罪である。蛇は相手かもしれないし、語り手自身の中にある欲望かもしれない。PJ Harveyはここで、宗教的な罪のイメージを女性の身体と声を通じて再配置している。罪を恐れるだけでなく、その罪の力を自分のものとして扱う。
「Snake」は、アルバム終盤に毒のようなエネルギーを加える曲である。短いながらも、本作における宗教的・性的な不穏さを凝縮している。
14. Ecstasy
アルバム最後を飾る「Ecstasy」は、タイトル通り恍惚、陶酔、宗教的・性的な忘我を意味する楽曲である。アルバム全体が欲望、暴力、身体、支配、痛みを通過してきた後、最後に到達するのが「Ecstasy」であることは非常に重要である。しかし、ここでの陶酔は穏やかな幸福ではない。むしろ、痛みと快楽が分離できなくなった極限状態である。
音楽的には、重く、ゆっくりとしたブルースの感覚がある。曲は派手に爆発するのではなく、深く沈みながら、陶酔の中へ入っていく。Harveyの声は祈りのようでもあり、呪いのようでもある。終曲として、アルバムを安らぎではなく、暗い恍惚の中に閉じる。
歌詞では、身体と精神が限界を超える感覚が描かれる。Ecstasyは、宗教的な神との合一にも、性的な快楽にも、薬物的な状態にも、死に近い忘我にも聞こえる。PJ Harveyはその多義性を利用し、愛と痛みの最終的な地点として陶酔を置く。
「Ecstasy」は、Rid of Meの締めくくりとして非常にふさわしい曲である。このアルバムにおいて、解放は平和ではない。解放は、身体が壊れ、声が震え、自己が溶ける危険な陶酔として現れる。
総評
Rid of Meは、PJ Harveyのキャリアの中でも最も暴力的で、最も生々しく、最も緊張感に満ちたアルバムである。デビュー作Dryで示された身体性、欲望、怒り、ブルース的な反復は、本作でさらに過激化し、Steve Albiniの録音によって極端なダイナミクスと空気感を獲得した。静かな囁きと突然の爆発、乾いたギター、叩きつけるドラム、むき出しの声。そのすべてが、聴き手に安全な距離を与えない。
本作の最大の特徴は、女性の欲望と攻撃性を、まったく美化せずに提示している点である。PJ Harveyはここで、傷ついた女性、愛されない女性、怒る女性を歌うだけではない。彼女は相手を支配しようとし、取り憑き、巨大化し、男性的な力を奪い、身体を傷つけ、陶酔へ向かう。語り手は被害者であると同時に加害者であり、欲望する主体であり、怪物でもある。この複雑さが、本作を単純なフェミニズム的ロック・アルバム以上のものにしている。
音楽的には、トリオ編成の緊張が非常に重要である。ギター、ベース、ドラム、声だけで作られる空間は、非常に狭く、逃げ場がない。Steve Albiniの録音は、その狭さを拡張するのではなく、むしろ部屋の中の生々しさとして残す。音が小さい部分では聴き手が身を乗り出し、爆発する部分では突き飛ばされる。この身体的な聴取体験こそが、Rid of Meの本質である。
歌詞面では、愛と暴力が分離できない。タイトル曲では相手に取り憑くような愛が歌われ、「Rub ’Til It Bleeds」では快楽が傷へ変わり、「Man-Size」ではジェンダーの身体が巨大化し、「Snake」では誘惑と罪が重なり、「Ecstasy」では陶酔が救済と破壊の両方になる。PJ Harveyは、愛や性をきれいなものとして扱わない。むしろ、それらがいかに醜く、危険で、不可避な力であるかを描く。
本作の革新性は、ロックの男性的な言語を女性が単に模倣するのではなく、歪めて使っている点にもある。「50ft Queenie」や「Man-Size」は、ロックにおける誇示、巨大さ、性的な自己主張を女性の声で過剰に演じ返すことで、その構造自体を不安定にする。PJ Harveyは「強い女性」を単純に提示しているのではない。強さそのものが演技であり、暴力であり、滑稽さを含むことを示している。
一方で、Rid of Meは聴きやすいアルバムではない。音量差は極端で、録音は粗く、歌詞は不快で、曲によっては意図的に聴き手を突き放す。美しいメロディや整ったプロダクションを求めるリスナーには、非常に厳しい作品に感じられるだろう。しかし、その厳しさこそが本作の価値である。これは聴き手を慰めるアルバムではなく、聴き手を危険な感情の場に立たせるアルバムである。
PJ Harveyのキャリア全体で見ると、本作は初期の頂点であり、その後の変化の出発点でもある。To Bring You My Loveでは、ここにあったブルース、宗教、欲望のテーマがより演劇的に拡張される。Is This Desire?では、女性の物語と暗い電子音響へ向かう。White ChalkやI Inside the Old Year Dyingでは、声と土地と亡霊の世界へ進む。しかし、どれほど変化しても、PJ Harveyの作品にある身体の不穏さと声の危険性は、このRid of Meに最もむき出しの形で刻まれている。
日本のリスナーにとって本作は、PJ Harveyの入り口としてはかなり強烈である。しかし、彼女の本質を理解するうえでは避けて通れない。オルタナティヴ・ロック、ノイズ・ロック、ポストパンク、ブルース、女性シンガーソングライターの表現史に関心があるなら、本作は非常に重要な一枚である。美しいアルバムではない。だが、強いアルバムである。優しいアルバムではない。だが、真実に近い場所まで踏み込んだアルバムである。
総合的に見て、Rid of Meは1990年代ロックの中でも特に危険な名盤である。愛は支配になり、欲望は傷になり、身体は戦場になり、声は武器になる。PJ Harveyは本作で、ロックの言語を自分のものにしながら、その内側から破壊した。聴き終えた後に残るのは、解決や癒やしではない。消えない声、消えない傷、そして「私を取り除けると思うな」という強烈な存在の圧力である。
おすすめアルバム
1. PJ Harvey – Dry（1992年）
PJ Harveyのデビュー作であり、Rid of Meの前提となる作品である。荒削りなギター、ブルース的な反復、女性の身体と欲望をめぐる鋭い歌詞がすでに表れている。Rid of Meほど極端ではないが、初期PJ Harveyの核心を理解するために重要である。
2. PJ Harvey – To Bring You My Love（1995年）
Rid of Meの後に発表された作品であり、ブルース、ゴシック、宗教的イメージ、演劇性が大きく拡張された代表作である。本作の生々しい暴力性が、より神話的で濃密なサウンドへ変化していく過程を確認できる。
3. PJ Harvey – 4-Track Demos（1993年）
Rid of Me期の楽曲を中心にしたデモ音源集であり、PJ Harveyのソングライティングの骨格をより直接的に聴くことができる。スタジオ録音とは異なる粗さと親密さがあり、本作の曲がどのように形成されたかを知るうえで重要である。
4. The Jesus Lizard – Goat（1991年）
Steve Albiniの録音美学、緊張感のあるリズム、ノイズ・ロックの身体性を理解するうえで重要な作品である。PJ Harveyとは表現の方向は異なるが、乾いた音像と暴力的なダイナミクスという点でRid of Meと比較して聴く価値がある。
5. Hole – Live Through This（1994年）
1990年代女性オルタナティヴ・ロックの重要作であり、怒り、身体、ジェンダー、メディアに消費される女性像への反発が強く表れている。PJ HarveyのRid of Meとは異なる方法で、女性の声とロックの暴力性を結びつけた作品として関連性が高い。
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