発売日：2020年11月27日
ジャンル：Pop Rock / Glam Rock / Synth Rock / Alternative Pop
概要
Plastic Heartsは、Miley Cyrusが2020年に発表した7作目のスタジオ・アルバムであり、彼女のキャリアの中でも特に明確にロックへ軸足を移した作品である。前作Younger Nowではカントリーやルーツ・ポップへ接近していたが、本作では80年代のロック、グラム・ロック、ニューウェイヴ、ハードロックを現代的なポップ・プロダクションと接続し、ハスキーで低いCyrusの声を中心に据えた。長年ポップ・スターとしてジャンルを横断してきた彼女が、自身の声質と最も相性のよい音楽的語彙を見つけた作品とも位置づけられる。
制作にはAndrew Watt、Louis Bell、Mark Ronsonらが関わり、ゲストにはDua Lipa、Billy Idol、Joan Jettが参加する。特にIdolとJettの存在は単なる豪華共演ではなく、本作が参照する80年代ロックの系譜を直接的に示す役割を持つ。一方、サウンドはヴィンテージ再現に終わらず、電子的な低音、現代的なドラム処理、圧縮されたヴォーカルなどによって2020年代のポップとして成立している。
歌詞では、恋愛の破綻、性的欲望、自己破壊、名声への不信、他人から期待される人物像への抵抗が繰り返される。Cyrusは相手を責めるだけでなく、自分自身が関係を壊し得る人物であることも認めるため、アルバム全体に自己告白と自己演出の緊張がある。タイトルの「Plastic Hearts」は、人工的で作られた感情、あるいは有名人として消費される人格を示すようにも読める。ロックへの転向というより、彼女の過去のポップ、カントリー、ヒップホップ的経験を、ロックの身体性によって再編成したアルバムである。
全曲レビュー
1. WTF Do I Know
アルバムは、他人から自分についてあれこれ語られることへの苛立ちを、そのまま攻撃的なタイトルへ変えた曲から始まる。Cyrusは自分自身を完全に理解しているふりをせず、むしろ「自分に何が分かるのか」と開き直ることで、長年のパブリック・イメージから距離を取る。
ギターは硬く、ドラムも直線的で、冒頭からポップよりロックの圧力を優先する。ヴォーカルは低音域でざらつき、サビでは一気に張り上げる。自己弁護ではなく、常に意味づけされ続けるセレブリティ自身が解釈を拒否する曲として機能している。
2. Plastic Hearts
タイトル曲では、華やかな都市生活とその内側にある感情的な空洞が描かれる。社交、欲望、夜遊びが続いても、本当に信頼できる関係が築けないという感覚が「プラスチックの心臓」という人工的なイメージに集約される。
サウンドはグラム・ロックとニューウェイヴの中間にあり、ベースとギターが鋭く、ヴォーカルには艶と疲れが同居する。ロックスター的な生活を賛美しながら同時に嫌悪する二重性があり、本作全体のテーマを最も端的に表す。
3. Angels Like You
アルバム前半のバラードで、Cyrusが「自分は相手にとって良い存在ではない」と認めながら関係を終わらせようとする。相手を悪者にする失恋歌ではなく、自分自身の不安定さや破壊性を引き受ける点が印象的である。
アレンジはギターとストリングスを中心に徐々に広がり、サビで声のざらつきが強くなる。感情的だが過剰に泣き崩れず、「愛しているから離れる」という自己犠牲と自己正当化の境界を曖昧に残す。Cyrusのヴォーカル表現が最も素直に生きた曲の一つである。
4. Prisoner
Dua Lipaを迎えたデュエットで、終わったはずの関係から心理的に逃れられない状態を「囚人」にたとえる。二人の声質は異なるが、Cyrusの低く荒い声とLipaの滑らかな低音が互いを補完する。
ビートはダンス・ポップ寄りでありながら、ベースやシンセには80年代的なロック／ニューウェイヴの質感がある。歌詞の執着性を軽快なグルーヴに乗せることで、苦しさをそのまま沈鬱にせず、身体的なポップへ変換している。
5. Gimme What I Want
欲望を非常に直接的な言葉で扱う曲。恋愛の約束や精神的な一体感ではなく、今この瞬間に欲しいものを求めるという態度が前面に出る。
サウンドは暗く、インダストリアル寄りの電子ビートと重い低音が特徴的。ヴォーカルも官能的というより支配的で、要求の強さがリズムそのものになる。アルバムのロック性が必ずしもギターだけに依存していないことを示す一曲である。
6. Night Crawling
Billy Idolをフィーチャーした、80年代ロックへの最も露骨なオマージュの一つ。夜の都市、快楽、危険、自己破壊がひとまとまりになり、二人の声が退廃的なムードを作る。
シンセとギターの組み合わせはIdolの黄金期を強く想起させるが、音圧は現代的で、懐古趣味だけにはならない。CyrusはIdolと同じ文脈に自分の声を置くことで、「ポップ・スターがロックを借りる」のではなく、自身がその系譜へ入り込むことを試みている。
7. Midnight Sky
本作の中心的なシングルであり、Cyrusの自己解放を最も明快に表現した曲。長く誰かの所有物だったわけではない、自分の人生は自分のものだという姿勢を、夜空と一人で歩くイメージへ変換している。
シンセ、ベース、ギターが80年代的なダンス・ロックのグルーヴを作り、サビではCyrusの低い声が強烈なフックになる。失恋を悲嘆ではなく自立へ変える構造があり、本作の中でも特にポップとしての完成度が高い。
8. High
カントリーやフォークの要素が戻ってくるバラード。過去の相手を忘れたつもりでも、何かのきっかけで感情が再び浮かび上がるという、失恋後の揺り戻しを描く。
アコースティック・ギター主体の演奏は、前半のシンセ／ロック路線と対照的で、Cyrusのルーツを思い出させる。歌詞は決別を宣言しながらも、完全には感情を整理できていない。その曖昧さによって、強気な人物像だけではない脆さが現れる。
9. Hate Me
タイトルは攻撃的だが、内容には死や他人の反応への意識が含まれ、単なる対立の歌ではない。もし自分がいなくなったら、今自分を嫌っている人々はどう感じるのかという視点があり、名声と否定的評価の関係を考えさせる。
ギター・ロックとしては比較的メロディックで、サビに哀感がある。Cyrusは世間からの批判を強がって無視するのではなく、それが自分に影響を与えていることを認める。パブリック・イメージと私人としての感情が衝突する曲である。
10. Bad Karma
Joan Jettとの共演曲で、悪い行動を繰り返しながらも、それを完全に反省する気はないという不敵な態度を取る。倫理的な正しさより、ロックンロール的な快楽と自己認識を優先する。
ブルージーなギター、手拍子風のリズム、二人のざらついたヴォーカルが曲を支える。Jettの参加によって、女性ロック・ヴォーカルの系譜が直接つながるのも特徴的である。アルバムの中でも特に遊び心が強く、重い自己分析から一時的に離れる。
11. Never Be Me
自分は相手が求める安定した人物にはなれない、と正面から認める曲。「Angels Like You」と似た自己認識を持つが、こちらではより冷静で、理想的な恋人像そのものを拒否する態度が強い。
シンセを中心とした抑制的なアレンジに対し、ヴォーカルは徐々に感情を強める。相手に合わせて変わることを約束するのではなく、自分の不完全さを最初から提示するため、悲しさと自己決定が同居する。終盤の重要な内省曲である。
12. Golden G String
標準盤を締めくくるのは、名声、女性として見られること、業界の期待、自己演出を内省する楽曲。タイトルは露悪的に見えるが、歌詞では「どれだけ見せれば価値があると認められるのか」という問いが含まれ、女性ポップ・スターとしての長年の経験を背景に持つ。
アレンジは比較的静かで、派手なロック・フィナーレを避ける。Cyrusは自分が利用してきた挑発的なイメージを否定せず、それがどの程度自分自身の選択で、どの程度業界の構造と結びついていたのかを考える。アルバム全体で続いた「本当の自分と作られた自分」の問題を、最も直接的に締めくくる曲である。
総評
Plastic Heartsは、Miley Cyrusが「ロック・アルバムを作った」というだけでは説明しきれない。確かにギター、80年代シンセ、グラム・ロック、Billy IdolやJoan Jettとの共演が目立つが、本作の核心は、Cyrusの声と人物像にロックという形式が極めて自然に適合したことにある。低く掠れた声、強い子音、サビで一気に押し出す発声は、繊細なポップよりも、荒いギターや太いベースと組み合わせたときに独特の迫力を持つ。
それまでのCyrusは、Disney出身のティーン・スター、ダンス・ポップ歌手、挑発的なポップ・アイコン、カントリー・ルーツを持つシンガーと、時期ごとに異なる自己像を見せてきた。本作はその履歴を否定するのではなく、むしろ全部を引き受けている。「High」ではカントリー的な感覚が戻り、「Prisoner」では現代ポップのダンス性を保ち、「Night Crawling」「Bad Karma」では明確にロック史へ接続する。ジャンル変更というより、過去の断片をロック中心に再配置した作品と見る方が実態に近い。
歌詞に共通するのは、自分自身を安定した人物として演じることへの拒否である。「Angels Like You」や「Never Be Me」では、相手が望む恋人になれないことを認め、「Midnight Sky」では他人の所有物になることを拒む。「Plastic Hearts」「Golden G String」では、セレブリティとして作られた人格そのものに疑いを向ける。恋愛の不安定さと芸能人としての自己演出が、同じ「他人から期待される自分」という問題へつながっている。
プロダクションはかなり洗練されており、70〜80年代のロックをそのまま再現したものではない。ギターは大きいが、低域の処理やヴォーカル・コンプレッションは明らかに現代ポップのものだ。そのためロック・リバイバルとして聴くと人工的に感じる部分もあるが、むしろその人工性がアルバム・タイトルと相性がよい。「プラスチック」であることを完全に捨てて本物のロックへ向かうのではなく、作られたポップ・スター性とロックの粗さを共存させている。
弱点としては、参照する時代や様式が明快なぶん、一部の曲では過去のロック・アイコンへのオマージュが強く、Cyrus独自の語法より先に影響源が聞こえる瞬間がある。また、前半のシングル群が非常に強いため、後半はやや勢いが落ちたようにも感じられる。
それでも、Plastic HeartsはCyrusのキャリアにおける大きな転換点である。若さや挑発性だけで注目を集める段階を越え、自分の声質、過去のイメージ、音楽的ルーツをどう組み合わせるかという問題に明確な答えを出した。2020年代に続くロック回帰の流れの中でも、単なる懐古ではなく、現代ポップの人工性を残したままロックへ接近した点が特徴的である。Cyrusにとってロックは変身の衣装ではなく、これまでの矛盾した自己像を同時に鳴らすための器として機能している。
おすすめアルバム
Bangerz by Miley Cyrus
2013年発表。ヒップホップ、R&B、EDMを取り込み、Disney期のイメージを決定的に壊した作品。Plastic Heartsとは音楽性が大きく異なるが、Cyrusが自己像を大胆に作り替える方法を理解するうえで重要な前史となる。
Bella Donna by Stevie Nicks
1981年発表。ロック、フォーク、ポップを、低く個性的な女性ヴォーカルと強い自己像によって統合した作品。Cyrusのハスキーな歌唱や、ロックスターとしての女性的自立を考える際に自然な比較対象となる。
Rebel Yell by Billy Idol
1983年発表。パンク由来の反抗性をシンセ、ハードロック・ギター、巨大なポップ・フックと結びつけた一枚。Plastic Heartsの80年代的なロック／ニューウェイヴ感覚、とりわけ「Night Crawling」の背景を理解しやすい。
I Love Rock ’n Roll by Joan Jett & the Blackhearts
1981年発表。簡潔なギター・リフ、強烈な反復、ざらついた女性ヴォーカルによってロックの直接性を極限まで磨いた作品。Plastic Heartsの「Bad Karma」でJoan Jettを迎えた意味を、音楽史的にたどれる一枚である。
Future Nostalgia by Dua Lipa
2020年発表。同年の作品で、80年代のディスコ／ポップを現代的な音圧と制作技術で更新した。Plastic Heartsがロック側から行ったことを、Dua Lipaはダンス・ポップ側から実践しており、過去の様式を懐古にせず2020年代のポップへ変換するという点で強く響き合う。
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