Never Coming Back by A Place to Bury Strangers（2018）楽曲解説

2025.03.21
※本記事は生成AIを活用して作成されています。

1. 楽曲の概要

「Never Coming Back」は、ニューヨークを拠点とするノイズロック・バンド、A Place to Bury Strangersが2018年に発表した楽曲である。5作目のスタジオアルバム『Pinned』のオープニングに収録され、同作に先駆けるシングルとして公開された。

録音時のメンバーは、ボーカルとギターを担当するOliver Ackermann、ベースのDion Lunadon、新加入したドラムのLia Simone Braswellである。Braswellはバックボーカルにも参加し、従来の男性声だけでは得られなかった音域と距離感を加えている。

演奏時間は約5分14秒。低く反復するベース、機械的なドラム、二声のボーカル、次第に広がるギターノイズによって構成される。バンドが得意としてきたシューゲイズ、ポストパンク、ノイズロック、インダストリアルの要素を、比較的抑制された形でまとめた作品である。

題名は「もう戻らない」という決定を意味する。Oliver Ackermannは本曲について、人生で下す決断と、それが終わりになる可能性を考える大きな構想を持つ曲だと説明している。ここでの「戻らない」は、単なる移動ではなく、関係、生活、精神状態から不可逆的に離れることを示している。

公式ミュージックビデオはAckermann自身が監督した。暗い映像、身体の変形を思わせる編集、暴力的な光と色彩を使い、現在の人格や環境から脱出することが、同時に自己の一部を破壊する行為でもあると示している。

2. 歌詞の概要

歌詞の語り手は、自分が非常に低い状態へ沈み、別の瞬間には極端に高揚する感覚を語る。感情は安定した場所へ落ち着かず、低下と上昇の間を繰り返している。

その不安定さの中で、語り手は「戻らない」という結論へ向かう。しかし、何から離れるのかは明確に説明されない。恋人との関係、依存的な生活、故郷、仕事、あるいは以前の自分自身など、複数の対象を想定できる。

重要なのは、出発が希望に満ちた再出発としてだけ描かれていない点である。戻らないと決めることには解放がある一方、それまでの関係や場所を永久に失う恐怖も伴う。語り手は新しい未来へ進むというより、現在地を維持できないために境界を越えようとしている。

歌詞には、詳しい事情や登場人物を説明する文章がほとんどない。短いフレーズが反復され、感情の高度だけが示される。背景が省略されているため、聴き手は出来事よりも身体的な圧力を先に受け取る。

タイトルの断定性に対し、歌唱には迷いが残る。言葉は「戻らない」と宣言しているが、二人の声が重なることで、決意を何度も確認しているようにも聞こえる。完全に確信している人物なら、同じ言葉をこれほど反復する必要はない。

したがって「Never Coming Back」は、過去を振り切った人物の勝利宣言ではない。後戻りできない選択をする直前、恐怖と高揚が同時に強まる状態を描いた曲である。

3. 制作背景・時代背景

A Place to Bury Strangersは2000年代前半にニューヨークで活動を始めた。The Jesus and Mary Chain、Suicide、The Cure、My Bloody Valentine、Sonic Youthなどの影響を受けながら、大音量のギターと簡潔なポストパンクのリズムを組み合わせてきた。

中心人物のOliver Ackermannは、エフェクターブランドDeath By Audioの創設者でもある。彼にとってギターエフェクトは演奏を装飾する機材ではなく、楽器の構造を解体し、予測不能な音を発生させるための道具である。

2015年の前作『Transfixiation』では、ライブに近い荒々しさと激しいフィードバックが重視された。それに対して『Pinned』では、ノイズの量を一部で抑え、電子的なリズム、ボーカルハーモニー、音の隙間を以前より明確に扱っている。

この変化へ大きく貢献したのがLia Simone Braswellである。彼女は前任ドラマーRobi Gonzalezの後を受けて加入し、『Pinned』で初めてアルバム制作へ参加した。打楽器だけでなく声も担当したことで、Ackermannの低く硬い歌唱に異なる表情が加わった。

「Never Coming Back」では、AckermannとBraswellの声が同じ旋律をなぞりながら、完全には一体化しない。男性声と女性声を恋人同士の会話として明確に分けるのではなく、一人の意識が二つに分裂したような効果を作っている。

Dion Lunadonのベースも重要である。従来の作品ではAckermannのギターノイズが中心に聞こえる場面が多かったが、『Pinned』ではベースが明確な旋律と運動を担う。特に本曲では、ほぼ一定の低音反復が長い演奏を支配している。

2010年代後半には、ポストパンクやインダストリアルの再評価が進み、電子的なビートとギターノイズを組み合わせる若いバンドも増えていた。A Place to Bury Strangersはその潮流より前から同様の要素を扱っていたが、『Pinned』では自らの方法をより整理された音像へ更新した。

4. 歌詞の抜粋と和訳

I drift so low

和訳：

僕はひどく低いところまで沈んでいく

「drift」は、自分の意思で明確な方向へ進むより、流れに任せて漂うことを意味する。語り手は計画的に下降しているのではなく、気づかないうちに低い状態へ運ばれている。

この「低さ」は、物理的な位置より、抑うつ、疲労、孤立、自己評価の低下などを示すと考えられる。歌詞は原因を説明せず、下降している感覚だけを提示する。

I get so high

和訳：

僕はひどく高揚する

直前の下降と反対の状態である。ただし、落ち着いた幸福ではなく、制御しにくい極端な上昇として歌われる。

「high」には精神的な高揚だけでなく、酩酊や薬物による変化も連想される。しかし曲中では意味が限定されず、感情が振り切れる状態全般を表している。

低下と上昇を並べることで、語り手には安定した中間地点がないことが分かる。「戻らない」という決意も、冷静な判断ではなく、極端な心理の揺れから生まれた可能性が残されている。

歌詞の引用は批評に必要な最小限に留めた。原詞の権利は作詞者および権利管理者に帰属する。

5. サウンドと歌詞の考察

「Never Coming Back」は、低く反復するベースと、抑制されたドラムによって始まる。イントロから巨大なギターノイズを提示せず、まず一定の運動を作ることで、聴き手を閉じた循環へ入れていく。

Dion Lunadonのベースラインは、細かな技巧を見せるものではない。限られた音型を執拗に繰り返し、曲のほぼ全体へ重心を与える。変化が少ないからこそ、逃げ出そうとしても同じ場所へ戻される感覚が強い。

Lia Simone Braswellのドラムは、ロックの生演奏とドラムマシンの中間に聞こえる。キックとスネアを硬く配置し、フィルインを抑えることで、一定の速度を維持する。感情の揺れを歌う曲に対し、リズムは冷静で機械的である。

この機械性は、語り手の身体が本人の意思とは無関係に動き続ける印象を作る。戻らないと決めた後、交通機関や工場のベルトのような仕組みに運ばれ、後方へ引き返せなくなる。

Oliver Ackermannのギターは、序盤では音像の中心を独占しない。短い持続音、金属的なノイズ、遠くで揺れるフィードバックを少しずつ加え、曲の周囲へ不安定な空間を形成する。

一般的なシューゲイズでは、複数のコードや旋律を残響で包む場合が多い。本曲のギターは和声を豊かにするというより、リズム隊の上へ傷、摩擦、警報のような音を刻む。音楽的な背景と外部ノイズの境界が曖昧である。

曲が進むにつれてギターの密度は増すが、中心のベースとドラムは崩れない。上層では音が破裂し、下層では同じ反復が続く。この二重構造が、内面では混乱しながら、身体だけは決められた方向へ進む状態を表している。

Ackermannのボーカルは、低く疲れた音色を持つ。強く叫ぶより、歯を食いしばったまま言葉を押し出すように歌うため、怒りと消耗が同時に伝わる。

Braswellの声はそれより軽く、空気を多く含む。二つの声が重なると、単純に厚いコーラスになるのではなく、近い場所と遠い場所から同じ言葉が聞こえるような立体感が生まれる。

この声の配置は、現在の自分と、すでに去ろうとしている自分の対話としても聞ける。一方が決断を宣言し、もう一方がその言葉を繰り返して確かめている。歌詞の少なさを、多重化された声が補っているのである。

曲の構造は大きなコード展開より、音量と密度の変化によって進む。最初の反復へ音が加わり、ボーカルが重なり、ギターが空間を侵食する。新しい主題へ移るのではなく、同じ主題が耐えられないほど大きくなる構成だ。

後半ではギターノイズが広がり、演奏は崩壊へ近づく。しかし完全な無秩序にはならず、低音の反復が最後まで残る。語り手が精神的には破綻しかけても、選択そのものは取り消せないことを示すように聞こえる。

『Pinned』の次曲「There’s Only One of Us」も、Braswellの声と電子的なリズムを生かしている。ただし、そちらが集団と個人の対立を比較的明確なフックで描くのに対し、「Never Coming Back」は長いクレッシェンドへ重点を置く。

前作の「Straight」が鋭いギターと短い構成で直接的な攻撃性を示したのに対し、本曲は反復によって不安を蓄積する。音量の瞬間的な衝撃より、逃げ場のない持続を選んだ作品である。

公式映像でも、この反復と崩壊が強調される。身体、顔、暗い室内、光の明滅が断片的に編集され、物語を順序立てて説明しない。人物はどこかへ移動するというより、現在の形を維持できなくなっていく。

6. この曲が好きな人におすすめの曲 5曲

同じ『Pinned』に収録された楽曲である。機械的なリズム、Braswellのボーカル、鋭いギターノイズが使われ、本曲で示された新編成の特徴をより短い構成で確認できる。

  • Keep Slipping Away by A Place to Bury Strangers

反復するベースとドラムの上へ、フィードバックと沈んだボーカルを重ねた初期の代表曲である。「Never Coming Back」と同様、離れていく関係を運動とノイズによって表現している。

長い時間をかけてギターノイズが拡大する楽曲である。本曲より攻撃的だが、執着、喪失、自己破壊を巨大なクレッシェンドへ変える方法が共通する。

反復する低音、推進力のあるドラム、多層的なギターによって長い上昇を作るシューゲイズの代表曲である。「Never Coming Back」より明るいが、同じ音型を拡張して規模を作る構成が近い。

  • A Forest by The Cure

簡潔なベースラインと一定のドラムを反復し、出口のない探索を描くポストパンクである。音の密度は低いが、移動しながら同じ場所へ戻る心理と低音中心の構造に共通点がある。

7. まとめ

「Never Coming Back」は、後戻りできない決断を下す瞬間の恐怖と高揚を、反復するベース、機械的なドラム、二重化された声、拡大するギターノイズによって描いた楽曲である。

歌詞は、語り手がどこから去るのかを明確にしない。関係、場所、生活、過去の自己など、対象を限定しないことで、戻れない選択全般へ意味が開かれている。

低い状態と高揚した状態を行き来する言葉からは、決断が安定した心理から生まれていないことも分かる。戻らないという宣言には、自信よりも、自分自身を説得し続ける切迫感がある。

サウンドの基礎となるのは、Dion Lunadonの執拗なベースとLia Simone Braswellの硬いドラムである。二人が一定の運動を保つ一方、Oliver Ackermannのギターは周囲で形を崩し、フィードバックと金属的なノイズを増殖させる。

AckermannとBraswellのボーカルも、『Pinned』期の重要な変化を示している。異なる音域の声が同じフレーズを歌うことで、一人の人物の内部にある決意と迷いが分離して聞こえる。

『Pinned』は、A Place to Bury Strangersの代名詞だった大音量を捨てた作品ではない。ノイズを常時鳴らすのではなく、低音、声、沈黙の上へ段階的に加えることで、その効果を高めている。「Never Coming Back」は、その新しい設計をアルバム冒頭で提示する曲である。

戻らないことは自由の獲得であると同時に、過去との接続を断つ行為でもある。本曲はその選択を英雄的な旅立ちへ美化せず、身体と意識が崩れかける不可逆的な瞬間として記録した。A Place to Bury Strangersのノイズと旋律が、特に緊密に結びついた代表作の一つである。

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