楽曲の概要
「Heaven Can Wait」は、Iron Maidenが1986年に発表した6作目のスタジオ・アルバム『Somewhere in Time』に収録された楽曲である。作詞・作曲はベーシストのSteve Harris。アルバムでは4曲目に置かれ、演奏時間は7分を超える。死の直前に肉体を離れた人物が、自分はまだ死ぬ準備ができていないと抵抗する物語を、疾走するベース、ツイン・ギター、Bruce Dickinsonの劇的な歌唱、そして中盤の大規模なコーラスによって描いた長尺曲である。
『Somewhere in Time』はIron Maidenが初めてギター・シンセサイザーやベース・シンセサイザーを本格的に取り入れたアルバムであり、「Heaven Can Wait」にも従来より未来的で広がりのある音像が感じられる。ただし曲の骨格は非常にIron Maidenらしい。Harrisの「ギャロップ」と呼ばれる跳ねるようなベース、Dave MurrayとAdrian Smithのギター、Nicko McBrainの細かく動くドラムを組み合わせ、複数のセクションを通過しながら最後に中心となるテーマへ戻る。80年代中期のIron Maidenが、それまでのヘヴィメタルの様式を保ちながら音響面を拡張していたことがよく分かる曲である。
歌詞の概要
歌詞は、死に直面した人物の意識から始まる。語り手は自分の身体を外側から眺めているような状態に置かれ、周囲では人々が彼の死を受け入れようとしている。しかし本人には、自分がなぜそこにいるのか理解できない。意識は肉体から離れ、光や別の世界を思わせるものへ引き寄せられていくが、語り手はそれを安らかな救済として歓迎しない。まだ現世に戻りたいという意志のほうが強いのである。
タイトルの「Heaven Can Wait」は、その拒絶を簡潔に表している。「天国は待てる」、つまり死後の世界へ行くのは今でなくていいという意味だ。一般的な宗教的楽曲なら天国への到達は救済として描かれやすいが、この曲では逆転している。語り手が求めるのは永遠の安らぎではなく、不完全で苦しみもある現在の人生である。死後の世界が存在するかどうかを論じる歌というより、死を目前にして初めて生への執着が明確になる物語として読むことができる。
後半では、生と死の境界を漂っていた語り手が再び現実へ引き戻されるような展開になる。そこで重要になるのが、体験が本当に起こったのか、それとも夢だったのかという曖昧さである。明確な答えは提示されない。死後の世界を証明することより、そこまで接近したことで語り手の生に対する認識が変わったことが曲の中心になっている。
制作背景・時代背景
『Somewhere in Time』は1986年9月29日に発表され、Martin Birchがプロデュースを担当した。録音はバハマのCompass Point StudiosとオランダのWisseloord Studiosで行われている。前作『Powerslave』と、それに続く大規模なWorld Slavery Tourを経たIron Maidenは、この時期までに世界最大級のヘヴィメタル・バンドへ成長していた。一方、長期間に及ぶツアーはメンバーに大きな疲労をもたらし、次のアルバムでは従来とは異なる音を模索することになった。
最も大きな変化はギター・シンセサイザーの導入である。Adrian Smithは後年、『Somewhere in Time』で新しい音を求め、ギター・シンセを使ったと振り返っている。Steve Harrisも、このアルバムではギター・シンセだけでなくベース・シンセをIron Maidenのサウンドへ組み込んだと説明している。シンセサイザーといっても、当時のIron Maidenがギターを捨ててキーボード中心になったわけではない。ギターやベースからシンセ的な音色を作り、従来の演奏へ新しい層を加える方法だった。
「Heaven Can Wait」はHarris単独作であり、長い物語、複数の展開、ギャロップするリズムといった彼の作曲上の特徴が強い。一方、アルバム全体ではSmithの作曲面での存在感も増し、「Wasted Years」「Sea of Madness」「Stranger in a Strange Land」を提供した。このため『Somewhere in Time』は、Harrisを中心としてきたIron Maidenの作曲スタイルが少し広がった作品でもある。「Heaven Can Wait」は、その新しい音響の中でもHarrisらしい長編的な作曲法を維持した曲として位置づけられる。
歌詞の抜粋と和訳
この曲では、肉体を外側から見る感覚、光へ向かって移動する感覚、死後の世界を思わせる存在、そして現世へ戻りたいという欲求が繰り返し描かれる。いわゆる臨死体験に結びつけられるイメージを使いながら、語り手の視点で生と死の境界を進んでいく構成である。
重要なのは、天国そのものが恐ろしい場所として描かれているわけではない点だ。語り手が拒否しているのは天国ではなく「今死ぬこと」である。タイトルもそのニュアンスを持ち、死後の救済より現在の人生を選ぶ意思表示になっている。そのため死を題材にした曲でありながら、最終的には生への執着を強く描く歌として聞こえる。
サウンドと歌詞の考察
「Heaven Can Wait」の核となるのは、Steve Harrisのベースが作る前進感である。Iron Maidenを特徴づけるギャロップ・リズムでは、音が均等に並ぶのではなく、馬が駆けるような長短の組み合わせが連続する。そのためテンポ以上に演奏が前へ転がっていくように感じられる。死に近づいた人物を扱う歌詞でありながら音楽が停滞しないのは重要で、語り手は死を静かに受け入れるのではなく、最後まで生の側へ走ろうとしている。その抵抗がリズムそのものに組み込まれている。
ヴァースではDickinsonの歌唱が物語を強く引っ張る。低い声で淡々と説明するのではなく、音域を大きく使いながら、驚き、不安、抵抗を次々に切り替える。特にタイトルを含む中心的なフレーズでは声が高く伸び、語り手の意志が明確になる。Iron Maidenの長尺曲では歴史や文学を外側から語る形式も多いが、「Heaven Can Wait」は一人称の体験として進むため、Dickinsonの演劇的な歌唱が主人公の心理そのものとして機能する。
Dave MurrayとAdrian Smithのギターは、単に同じコードを左右から鳴らして厚みを出すだけではない。Iron Maidenらしく、二本のギターが同じ旋律をハーモニーで弾いたり、それぞれ異なるフレーズを担当したりすることで、曲の場面を切り替えていく。そこへ『Somewhere in Time』特有のシンセ的な音色が重なるため、従来の作品より背景が広く感じられる。死と現実の境界を漂う歌詞に対して、硬いギター・リフだけでなく、輪郭のぼやけた音を配置したことが曲の非現実感につながっている。
中盤になると、曲は大きく性格を変える。疾走する物語から離れ、ギターがより開放的なフレーズを作る中で、言葉というより集団の掛け声に近い「Whoa-oh-oh」のコーラスが長く続く。この部分はIron Maidenのライブでも観客参加型の場面として知られるようになった。興味深いのは、死の瀬戸際という個人的な体験を描いていた曲が、ここで突然、大勢の声による共同体的な音へ変わることである。一人で生死の境界にいた主人公の周囲に巨大な声の集団が現れたようにも聞こえ、曲のスケールが急激に拡大する。
このコーラスは、複雑な歌詞を持たないからこそ効果的である。それまでDickinsonが大量の言葉を使って状況を説明していたのに対し、中盤では意味のある文章が消え、声そのものが音楽になる。生と死の境界という、言葉では説明しきれない領域へ曲が到達したと考えることもできる。同時に、ライブでは観客が参加できる非常に直接的な仕掛けでもあり、抽象的な物語とヘヴィメタルの身体的な楽しさを一つのセクションで両立させている。
Nicko McBrainのドラムも、7分を超える曲を一本調子にしないために重要である。基本のビートを維持するだけでなく、セクションが変わるたびにタムやシンバルを使って次の展開を強調する。Iron Maidenの長尺曲では、単純にヴァースとサビを繰り返すのではなく、異なるテンポ感やリフを持つ場面を接続して一つの物語にすることが多い。「Heaven Can Wait」でも、ドラムがその接合部を明確にすることで、長さの割に場面の変化を追いやすくしている。
ギター・ソロの配置も同様で、技巧を見せるためだけの中断にはなっていない。歌による物語から離れて楽器だけの時間を作り、その後に再び主要なテーマへ戻ることで、主人公が別の領域を通過して現実へ帰還するような感覚を生む。Iron Maidenが得意とする「長いインストゥルメンタル部分を物語の一部として扱う」方法である。言葉がない時間も、曲のストーリーは止まっていない。
そして終盤で中心となる歌と疾走感が戻ってくることで、曲は単なる死の幻想ではなく「帰還」の物語になる。もし全編が暗く遅い音で統一されていれば、死への恐怖を描く曲として聞こえただろう。しかし実際には、ベースもドラムもギターも繰り返し前進する力を作り、Dickinsonもタイトルを強い意志で歌う。天国という最終目的地を目の前にしてなお、音楽はそこへ静かに着地することを拒む。この「死について歌いながら、音は徹底して生の方向へ走る」という逆向きの力が、「Heaven Can Wait」の最も特徴的な部分である。
この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
「Caught Somewhere in Time」 by Iron Maiden
同じアルバムの冒頭曲で、ギター・シンセの未来的な響きとHarrisらしい疾走するベースをより直接的に味わえる。「Heaven Can Wait」と同様、時間や現実感が揺らぐ題材を長い曲構成へ落とし込んでいる。
「The Loneliness of the Long Distance Runner」 by Iron Maiden
同じ『Somewhere in Time』に収録されたHarris作の長尺曲。走ることを題材にしており、ギャロップするリズムそのものが主人公の身体運動に聞こえる。「Heaven Can Wait」と音楽と物語の動きを比較しやすい。
「Hallowed Be Thy Name」 by Iron Maiden
死を目前にした人物の一人称という点で「Heaven Can Wait」と強くつながる。ただしこちらでは処刑を待つ人物の恐怖と死生観が中心であり、「まだ死にたくない」という抵抗を疾走感へ変える「Heaven Can Wait」とは異なる結末を持つ。
「Wasted Years」 by Iron Maiden
Adrian Smith作による同じアルバムの代表曲。「Heaven Can Wait」より短くポップだが、『Somewhere in Time』の広がりあるギター・サウンドを共有する。未来や死ではなく、現在を生きることへ目を向ける歌詞にも接点がある。
「Seventh Son of a Seventh Son」 by Iron Maiden
次作の長尺タイトル曲。複数のセクションを組み合わせるHarrisの作曲法と、シンセサイザーをさらに本格的に取り入れた音響が聞ける。「Somewhere in Time」で始まった実験がどこへ向かったかを確認できる曲である。
まとめ
「Heaven Can Wait」は、臨死体験を思わせる物語を使いながら、死後の世界よりも現在の生を選ぼうとする人物を描いた曲である。そのため音楽も死へ沈むのではなく、Steve Harrisのギャロップするベース、Nicko McBrainの躍動するドラム、ツイン・ギターによって絶えず前進する。中盤では個人的な物語が大規模な「Whoa-oh-oh」のコーラスへ変わり、ライブで観客全体を巻き込める場面へ拡大する。ギター・シンセを導入した『Somewhere in Time』の新しい音響と、長編的な構成や疾走感という従来のIron Maidenらしさが共存しており、80年代中期のバンドが変化しながら自らの基本形を保っていたことがよく分かる一曲である。
参照元
- Iron Maiden公式サイト
- AllMusic
- Louder / Classic Rock
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