発売日：2017年10月20日
ジャンル：オルタナティヴ・ロック、パンク・ロック、ヒップホップ、エレクトロニック・ロック、アート・ポップ、ニュー・ウェイヴ
概要
Ecca Vandalのセルフタイトル・アルバム『Ecca Vandal』は、2010年代後半のオルタナティヴ・ミュージックにおいて、パンク、ヒップホップ、エレクトロニック、ポップ、ポストハードコア、ニュー・ウェイヴを横断するハイブリッドな作品である。Ecca Vandalは南アフリカ生まれ、オーストラリアを拠点に活動するアーティストであり、彼女の音楽には、移民的な感覚、都市的な緊張、ジャンルを越境する感性、そして強い身体性が刻み込まれている。本作は彼女のデビュー・アルバムでありながら、単なる新人紹介作ではなく、既存のジャンル分類を意図的に攪乱する宣言のような作品である。
Ecca Vandalの音楽を一言で定義することは難しい。彼女のサウンドには、The Clash以降のミクスチャー・パンク、M.I.A.的なグローバル感覚、Santigoldのアート・ポップ性、Yeah Yeah Yeahsの鋭いロック・エネルギー、The ProdigyやAtari Teenage Riotに通じる電子的な攻撃性、さらにヒップホップ的なリズムと言葉の切れ味が混ざっている。しかし、それらは単なる影響源の寄せ集めではない。『Ecca Vandal』では、異なるジャンルの要素が衝突し、その摩擦そのものが音楽の推進力になっている。
2017年という時代背景も重要である。ロックはすでにメインストリームの中心から後退し、ヒップホップ、R&B、エレクトロニック・ミュージックがポップの主流を担っていた。一方で、インディーやオルタナティヴの領域では、ジャンルの境界を取り払うアーティストが増え、ロック・バンド的な編成、クラブ・ミュージックのビート、ラップ、ノイズ、ポップなフックが同時に存在する作品が生まれていた。Ecca Vandalはその流れの中で、ロックを過去の様式として保存するのではなく、ヒップホップや電子音楽と衝突させることで、現代的なパンクの形を作ろうとしている。
本作の最大の特徴は、エネルギーの過剰さと構成の巧みさが両立している点である。曲はしばしば短く、ビートは鋭く、ギターはノイズ的に鳴り、ヴォーカルは歌、叫び、ラップ、チャントを自由に行き来する。だが、その混沌は無秩序ではない。各曲には明確なフックがあり、ポップ・ソングとしての輪郭も保たれている。つまり『Ecca Vandal』は、実験的でありながら聴き手を突き放さない。むしろ、ジャンルを壊すことによって、ポップ・ミュージックの身体的な楽しさを再獲得している。
歌詞面では、自己表現、都市生活、貧困、消費社会、アイデンティティ、怒り、孤独、抵抗、祝祭といったテーマが扱われる。Ecca Vandalの言葉は、内省的な告白に閉じこもるのではなく、社会のノイズやストリートの感覚と結びついている。彼女は「私」を歌うが、その「私」は孤立した個人ではなく、複数の文化、階級、ジェンダー、音楽的記憶が交差する場として存在している。だからこそ、本作のパンク性は、単にギターが激しいという意味ではなく、決められた枠に収まらない姿勢そのものにある。
また、アルバムにはSampa the GreatやDennis Lyxzénなど、ジャンルや地域を越えたアーティストも参加している。特にRefusedのDennis Lyxzénとの接点は、Ecca Vandalの音楽がポストハードコア以降の政治的・身体的なロック表現とつながっていることを示す。一方でSampa the Greatの参加は、ヒップホップ、ディアスポラ的感覚、現代的なブラック・ミュージックの文脈を作品に導入している。こうしたコラボレーションは、本作がオーストラリアのローカルなオルタナティヴ作品であると同時に、グローバルなミクスチャー・ミュージックとして成立していることを示している。
『Ecca Vandal』は、パンクの歴史に対する現代的な応答でもある。1970年代のパンクは、ロックの権威化に対する反発として登場した。しかし2010年代における反抗は、単に3コードを鳴らすことでは成立しない。音楽産業、ジャンル、アイデンティティ、国境、文化的ステレオタイプが複雑に絡み合う時代において、Ecca Vandalはジャンルを切り刻み、再構成することによってパンクを更新している。本作はその意味で、ロックの復古ではなく、ロック以後のパンク・アルバムである。
全曲レビュー
1. Your Orbit feat. Sampa the Great
アルバム冒頭の「Your Orbit」は、本作の方向性を非常に明確に示す楽曲である。Ecca Vandalの鋭いヴォーカルと、Sampa the Greatのラップが交差し、ロック、ヒップホップ、エレクトロニックの境界を一気に崩していく。曲名の“Orbit”は軌道を意味し、誰かの周囲を回ること、自分の重力圏を持つこと、あるいは関係性の中で引き寄せられることを連想させる。
音楽的には、ビートが非常に重要である。ドラムはパンク的な直線性だけでなく、ヒップホップ的な跳ねとクラブ・ミュージック的な硬さを持つ。ギターやシンセは楽曲を厚く塗りつぶすのではなく、鋭い断片として配置され、曲全体に緊張感を与える。Ecca Vandalの歌はメロディックでありながら、常に攻撃的なエッジを保っている。
Sampa the Greatのラップは、曲に別の重心を与える。彼女のフロウはしなやかで、Ecca Vandalの爆発的な表現に対して、言葉のリズムによる知的な強度を加えている。この二人の共演によって、「Your Orbit」は単なるロックとラップの融合ではなく、異なる身体感覚と文化的背景が同じ空間でぶつかる曲になっている。
歌詞のテーマは、関係性、引力、自立、相互作用に関わるものとして聴こえる。誰かの軌道に入ることは魅力的である一方、自分の中心を失う危険もある。この曲は、アルバムの冒頭で、Ecca Vandalが他者、ジャンル、文化と関わりながらも、自分の重力を持つアーティストであることを宣言している。
2. Broke Days, Party Nights
「Broke Days, Party Nights」は、タイトルだけで本作の都市的・階級的な感覚を端的に表している。昼は金がなく、夜はパーティーに向かう。この対比には、若い都市生活者の不安定な経済状況、享楽への逃避、そして生活の矛盾が凝縮されている。2010年代のオルタナティヴ・ポップにおいて、貧困や不安はしばしば暗い内省として描かれるが、Ecca Vandalはそれを祝祭的なエネルギーへ変換する。
音楽的には、非常に跳ねるグルーヴを持つ。パンクの荒さとダンス・ミュージックの身体性が合体し、曲は短い時間で強い印象を残す。ギターはラフに鳴り、ビートは前のめりで、ヴォーカルは叫びに近い勢いを持つ。だが曲全体は混乱しておらず、フックが明確で、ポップ・ソングとしての強さもある。
歌詞では、経済的に余裕がない日常と、それでも夜に集まり、踊り、騒ぐことの意味が描かれる。これは単なるパーティー賛歌ではない。むしろ、厳しい現実の中で一時的に生を取り戻す行為としてのパーティーである。金がないことは惨めさであると同時に、既存の成功観から外れた自由を生む場合もある。この曲は、その矛盾を非常に現代的な形で表現している。
「Broke Days, Party Nights」は、Ecca Vandalのパンク性が社会的な現実と結びついていることを示す曲である。怒りをただ怒りとして鳴らすのではなく、身体を動かすリズムに変えることで、音楽が一時的な解放の場になる。アルバム序盤の強力な推進力を担う重要曲である。
3. Price of Living
「Price of Living」は、生活することそのものにかかる代償をテーマにした楽曲である。タイトルは「生活費」という現実的な意味を持ちながら、「生きることの代償」というより広い意味にも読める。Ecca Vandalの音楽では、社会的な問題と個人の身体感覚が切り離されない。この曲でも、経済的圧迫、精神的疲労、都市生活の緊張が、鋭いサウンドとして表現されている。
音楽的には、重いビートと攻撃的な音像が特徴である。ギターはパンク／ハードコア的に鋭く、電子音は冷たく、リズムは機械的な硬さを持つ。Ecca Vandalのヴォーカルは、怒りと皮肉を含みながら、曲を強く引っ張る。彼女の声は、メロディを歌うだけではなく、リズムを刻む楽器としても機能している。
歌詞では、現代社会で生きることのコストが描かれる。それは単に家賃や食費の問題ではなく、時間、精神、自由、自尊心を削られる感覚でもある。資本主義的な都市生活の中で、個人は常に何かを支払い続ける。Ecca Vandalはそれを抽象的な批評ではなく、身体的な苛立ちとして歌う。
この曲は、アルバムの社会批評的な側面を強める。Ecca Vandalの音楽は、明るく爆発的に聴こえる瞬間が多いが、その根底には不平等や搾取への鋭い感覚がある。「Price of Living」は、その怒りを最も直接的に表す楽曲の一つである。
4. Future Heroine
「Future Heroine」は、本作の中でも特に自己像と未来への意志が強く表れた楽曲である。タイトルの“Heroine”は、女性の英雄、物語の主人公を意味する。ここでは、従来のロックやポップにおける受動的な女性像を拒否し、自ら物語の中心に立つ存在としての女性像が提示されている。
音楽的には、ニュー・ウェイヴ的な鋭さとパンク的な衝動が共存している。曲は前のめりに進み、ヴォーカルは挑発的で、サウンドには鮮やかな色彩がある。Ecca Vandalは、怒りを暗く閉じ込めるのではなく、未来へ向かうエネルギーとして放つ。曲全体に、自己宣言としての強さがある。
歌詞では、未来のヒロインになること、あるいは自分自身の物語を書き換えることがテーマになっていると考えられる。これは単なる成功願望ではない。既存の音楽産業や社会が用意した役割に収まらず、新しい人物像を作ることへの意志である。Ecca Vandalの音楽には、ジャンル越境だけでなく、ジェンダーや文化的アイデンティティに関する越境の感覚もある。
「Future Heroine」は、アルバム全体の中で前向きな闘争心を担う楽曲である。怒り、混乱、生活の苦さを抱えながら、それでも自分が未来の中心になるという宣言がある。Ecca Vandalのデビュー作における自己紹介としても重要な曲である。
5. End of Time
「End of Time」は、タイトルから終末的なイメージを持つ楽曲である。時間の終わり、関係の終わり、時代の終わり、あるいは世界の限界が連想される。Ecca Vandalの音楽では、こうした大きな言葉も抽象的な幻想に留まらず、都市生活や個人の不安と結びついている。
サウンドはドラマティックでありながら、重くなりすぎない。ビートは硬く、ギターやシンセは不穏な空気を作る。Ecca Vandalのヴォーカルは、切迫感を持ちながらも、ポップなフックを保っている。終末的なテーマを扱いつつ、曲は身体を動かす力を失わない。
歌詞では、時間が尽きていく感覚、何かが終わりに向かっているという感覚が描かれているように聴こえる。それは恋愛や個人的な関係の終わりとしても、現代社会全体への不安としても解釈できる。2010年代後半は、政治的分断、気候危機、経済的不安が強く意識された時代でもあり、この曲の終末感はその空気と響き合う。
「End of Time」は、アルバムにスケールの大きな緊張を与える曲である。Ecca Vandalは、終わりを嘆くだけではなく、終わりの中でも踊り、叫び、自己を保とうとする。そこに本作のパンク的な生命力がある。
6. Closing Ceremony
「Closing Ceremony」は、タイトルから終幕、儀式、区切りを連想させる楽曲である。だがアルバム中盤に置かれることで、単なる終わりではなく、一つの状態を閉じ、次の段階へ進むための儀式として機能している。Ecca Vandalの作品では、祝祭と破壊がしばしば隣り合う。この曲にも、その二重性が感じられる。
音楽的には、リズムと音響の配置が印象的である。曲はパンク的な勢いだけではなく、エレクトロニックな処理や空間的な広がりを持つ。ヴォーカルは時に鋭く、時に呪文のように響き、曲全体が儀式的なムードを帯びる。タイトル通り、何かを締めくくるための音楽のようでありながら、同時に新しい始まりの前触れでもある。
歌詞では、終わりを受け入れること、あるいは終わらせることの力がテーマになっていると考えられる。何かを閉じることは、失うことでもあるが、同時に自分を取り戻す行為でもある。Ecca Vandalの歌には、被害者的な受動性よりも、自ら区切りを作る主体性がある。
「Closing Ceremony」は、アルバム全体の流れの中で、混沌を一度整理する役割を果たす。騒がしい外部世界と内面の葛藤を、儀式という形で処理しようとする曲であり、本作のアート・ポップ的な側面を強く示している。
7. Cassettes, Lies & Videotapes
「Cassettes, Lies & Videotapes」は、タイトルからして非常に文化的な参照を含む楽曲である。カセット、嘘、ビデオテープという言葉は、アナログ時代の記録媒体、記憶、メディア、そして真実の操作を連想させる。映画『Sex, Lies, and Videotape』を思わせる語感もあり、メディアを通じた欲望や虚構への視線が感じられる。
音楽的には、ニュー・ウェイヴやポストパンクの影響が強く出ている。リズムは鋭く、ギターや電子音は断片的で、曲には都会的な冷たさがある。一方で、Ecca Vandalのヴォーカルは熱量が高く、冷たい音像の中に強い感情を差し込む。この温度差が曲の魅力である。
歌詞では、記録されたものと真実の関係、メディアに残る記憶、嘘が反復される構造がテーマになっているように聴こえる。カセットやビデオテープは、過去を保存する媒体であると同時に、編集や歪曲が可能な媒体でもある。現代ではデジタル化によって情報はさらに流動的になっているが、この曲は古いメディアのイメージを使いながら、記憶と虚構の問題を描いている。
「Cassettes, Lies & Videotapes」は、Ecca Vandalの知的でアート寄りの側面を示す曲である。単に騒がしいパンク・ソングではなく、メディア文化、記憶、アイデンティティの編集可能性に触れることで、アルバムに批評的な奥行きを与えている。
8. Cold of the World
「Cold of the World」は、世界の冷たさ、社会の無関心、人間関係の断絶をテーマにした楽曲として聴ける。タイトルには、外部世界に触れたときの寒さ、孤独、疎外感が含まれている。Ecca Vandalの音楽はしばしば熱量が高いが、その熱は世界の冷たさに対する反応でもある。
音楽的には、やや重く、緊張感のあるサウンドが中心である。ビートは硬質で、ギターや電子音は暗い色合いを持つ。ヴォーカルは怒りと傷つきやすさの両方を含んでおり、曲全体に切迫した感情がある。ここでは、パーティー的な祝祭感よりも、世界と向き合う孤独が前面に出る。
歌詞では、社会の冷淡さや、人が人を見捨てる感覚が描かれているように響く。現代都市では、多くの人が密集していながら孤独であり、情報はあふれていても共感は不足している。この曲は、そのような環境に対する反発として鳴っている。Ecca Vandalは冷たさに飲み込まれるのではなく、声を荒げることで自分の温度を保とうとする。
「Cold of the World」は、本作の感情的な重みを担う楽曲である。アルバムの前半にある祝祭的なエネルギーと対照的に、ここでは外部世界への不信と孤独が強く表れる。その冷たさに対抗する声こそが、Ecca Vandalの音楽の核心である。
9. Father Hu$$la
「Father Hula」は、タイトルの表記からして挑発的な楽曲である。“Hula」は、タイトルの表記からして挑発的な楽曲である。“Hula」は、タイトルの表記からして挑発的な楽曲である。“Hula”という綴りは、金銭、ストリート文化、サバイバル、資本主義的な成功のイメージを含む。“Father”と結びつくことで、父性、権威、金銭的支配、あるいは生き延びるための教訓といった複数の意味が立ち上がる。
音楽的には、ヒップホップ的な要素が強く、ビートの硬さとヴォーカルのリズム感が際立つ。Ecca Vandalはここで、ロック・シンガーというより、ラップやチャントに近い身体感覚で言葉を扱う。ギターや電子音は曲に攻撃性を加え、全体として非常にストリート感のあるサウンドになっている。
歌詞では、金、権力、家族、サバイバルの問題が示唆される。父という存在は、保護者であると同時に、規範や支配の象徴にもなる。そこに“hustler”の要素が加わることで、正規の道だけでは生き延びられない社会の現実が浮かび上がる。Ecca Vandalは、そうした現実を単純に美化するのではなく、矛盾を含んだエネルギーとして音楽化している。
「Father Hu$$la」は、アルバムの中で最もミクスチャー感が強い曲の一つである。パンク、ヒップホップ、エレクトロニックがぶつかり合い、社会的なテーマが鋭いビートに乗せられる。Ecca Vandalが既存のロック文脈に収まらないアーティストであることを示す重要曲である。
10. Truth to Trade
「Truth to Trade」は、真実と取引、誠実さと利益の関係を扱うようなタイトルを持つ楽曲である。現代社会において、真実はしばしば商品化され、情報やイメージとして流通する。この曲は、そのような状況への批評として聴くことができる。
音楽的には、緊張感のあるビートと鋭いヴォーカルが中心である。曲はコンパクトながら密度が高く、ロックの攻撃性とエレクトロニックな硬質感が共存している。Ecca Vandalの声は、真実を要求するように響き、曲全体に切実な圧力を与える。
歌詞では、自分の真実を売り渡すこと、あるいは取引の中で誠実さが失われることへの不信が感じられる。音楽産業、社会的成功、人間関係、政治的言説など、さまざまな場面で「真実」は交渉の材料になり得る。Ecca Vandalは、その状況に対して、妥協しない声を上げている。
「Truth to Trade」は、アルバム終盤において、Ecca Vandalの倫理的な姿勢を示す曲である。本作は多様なジャンルを取り込む作品だが、その根底には、借り物のスタイルではなく、自分の声をどう保つかという問題がある。この曲は、その問いを直接的に浮かび上がらせている。
11. Dead Wait
「Dead Wait」は、タイトルに死や停滞のイメージを含む楽曲である。“wait”は待つことを意味するが、“dead”が加わることで、何かを待ち続けることの無力さ、時間の停止、あるいは希望の腐敗が連想される。アルバム終盤に置かれることで、これまでの怒りや祝祭の裏側にある疲労感が強く表れる。
音楽的には、暗く重い質感がありつつ、リズムは前へ進む。Ecca Vandalの曲は、停滞をテーマにしても完全に動きを止めない。むしろ、動けない状態への苛立ちがビートとなって表れる。ギターや電子音は不穏で、ヴォーカルには切迫した感情がある。
歌詞では、何かを待ち続けること、変化を期待しながら動けないこと、あるいは社会が変わるのを待つことへの怒りが示されているように聴こえる。待つことは忍耐である一方、権力に従わされる状態にもなり得る。Ecca Vandalは、その「待たされる」感覚を拒否するように歌う。
「Dead Wait」は、アルバムの中で暗い感情を担いながらも、完全な絶望には向かわない。停滞への怒りが曲のエネルギーになっており、聴き手に行動への衝動を残す。Ecca Vandalのパンク性は、ここでも音の激しさ以上に、待つことを拒む姿勢に表れている。
12. Mercy
アルバムを締めくくる「Mercy」は、これまでの攻撃性や社会批評を受け止めるような楽曲である。タイトルの「慈悲」は、怒り、抵抗、サバイバルの先にある感情を示している。Ecca Vandalの音楽は非常に強いエネルギーを持つが、その根底には傷つきやすさや救いへの欲求もある。この曲は、その側面を終盤で浮かび上がらせる。
音楽的には、アルバムの中でも比較的ドラマティックな広がりを持つ。ビートやギターの鋭さは残りながら、ヴォーカルには祈りに近い響きがある。パンク的な叫びとゴスペル的な救済感が遠くで結びつくような印象を与える。Ecca Vandalの声は、ここで単なる攻撃の手段ではなく、傷を抱えた存在の声として響く。
歌詞では、許し、救い、限界、他者への呼びかけがテーマになっていると考えられる。慈悲を求めることは、弱さを認めることでもある。しかし、それは敗北ではない。むしろ、自分が傷つく存在であることを認めたうえで、なお声を上げる強さがある。この曲は、アルバム全体の激しさに人間的な余韻を与えている。
「Mercy」は、アルバムを単なる怒りの記録として終わらせない。Ecca Vandalは、社会への不信や自己主張を経て、最後に救済への問いを残す。破壊と慈悲、反抗と脆さが同じ場所に存在することで、本作はより深いアルバムとして完結する。
総評
『Ecca Vandal』は、2010年代のジャンル横断的なオルタナティヴ・ミュージックを象徴するアルバムである。パンク、ヒップホップ、エレクトロニック、ニュー・ウェイヴ、アート・ポップ、ポストハードコアの要素が衝突しながら、Ecca Vandalというアーティストの明確な声へと収束している。デビュー・アルバムでありながら、完成度は高く、単なるスタイルの実験ではなく、彼女自身のアイデンティティと社会的感覚が強く刻まれている。
本作の魅力は、ジャンルの多様性そのものではなく、それらが必然性を持って鳴っている点にある。ヒップホップ的なリズムは都市生活の速度を表し、パンク的なギターは怒りと拒否を表し、エレクトロニックな音響は現代社会の冷たさや人工性を表す。ポップなフックは、混沌の中でも聴き手を引き込む力として機能している。つまり本作では、ジャンルが装飾ではなく、テーマを表現するための言語になっている。
歌詞面では、貧困、生活の不安、メディア、真実、アイデンティティ、終末感、自己宣言、慈悲といったテーマが扱われる。Ecca Vandalは、自分の内面だけを歌うのではなく、その内面が社会によってどう形作られるのかを捉えている。特に「Broke Days, Party Nights」や「Price of Living」には、現代都市で生きることの経済的・精神的な圧力が鮮明に表れている。一方で、「Future Heroine」や「Mercy」では、自己の再構築や救済への意志が示される。
音楽史的には、本作はパンクの更新形として重要である。1970年代的なパンクの形式をそのまま再現するのではなく、ヒップホップ以後、クラブ・ミュージック以後、インターネット以後の感覚を通じて、反抗の音楽を再定義している。The Clashがレゲエやダブを取り込み、Beastie Boysがロックとラップを横断し、M.I.A.やSantigoldがグローバルなビートとポップを結びつけた流れの先に、Ecca Vandalの音楽はある。ただし彼女の場合、その混交はより鋭く、よりロック的な爆発力を持っている。
日本のリスナーにとって本作は、ロック、ヒップホップ、エレクトロニックを別々のジャンルとして聴く感覚を揺さぶるアルバムである。ギター・ロックのファンには、その攻撃性とライブ感が響くだろうし、ヒップホップやクラブ・ミュージックに親しむリスナーには、ビートの強度とリズムの鋭さが魅力になる。さらに、M.I.A.、Santigold、Yeah Yeah Yeahs、Refused、The Prodigy、Death Grips周辺のジャンル横断的な音楽に関心があるなら、本作の立ち位置は理解しやすい。
『Ecca Vandal』は、ジャンルの壁を壊すことを目的にしただけのアルバムではない。むしろ、壁がすでに壊れた時代に、そこからどのような新しい身体性とメッセージを作れるかを示した作品である。怒り、祝祭、貧困、欲望、虚構、真実、慈悲。これらの要素が一枚のアルバムの中で激しくぶつかり合い、Ecca Vandalというアーティストの輪郭を作っている。デビュー作としては非常に野心的であり、2010年代後半のオルタナティヴ・ミュージックにおける重要なハイブリッド作品と評価できる。
おすすめアルバム
1. Santigold『Santogold』
ロック、ニュー・ウェイヴ、ダブ、ヒップホップ、エレクトロニックを横断した2008年の重要作。ポップなフックとジャンルの混交を両立しており、Ecca Vandalの音楽に通じる都市的でカラフルな感覚がある。女性アーティストによる越境的なオルタナティヴ・ポップとして関連性が高い。
2. M.I.A.『Kala』
グローバルなビート、ヒップホップ、エレクトロニック、政治的な感覚を融合させた作品。Ecca Vandalの音楽にある移動感、文化の混交、攻撃的なリズム感を理解するうえで重要な参照点となる。ジャンルを越えたポップの可能性を大きく広げたアルバムである。
3. Yeah Yeah Yeahs『Fever to Tell』
ニューヨークのガレージ・ロック・リバイバルを代表する作品。Karen Oの鋭いヴォーカル、パンク的な衝動、アート感覚は、Ecca Vandalのロック面と強く響き合う。女性ヴォーカルがロックの身体性と演劇性を更新した例として重要である。
4. Refused『The Shape of Punk to Come』
ポストハードコア、ジャズ、エレクトロニック、政治的メッセージを融合させた革新的な作品。Ecca Vandalの楽曲に参加するDennis Lyxzénの文脈を理解するうえでも重要であり、パンクを固定された形式ではなく、拡張される思想として捉える点で本作と深くつながる。
5. The Prodigy『The Fat of the Land』
ビッグ・ビート、パンク的な攻撃性、電子音楽の身体性を結びつけた1990年代の代表作。Ecca Vandalのサウンドにある、クラブ・ミュージックとロックの衝突、攻撃的なビート、暴発するエネルギーを理解するうえで有効な一枚である。
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