発売日：2006年9月12日
ジャンル：ブルースロック、ポップロック、ソウル、R&B、シンガーソングライター、アダルト・オルタナティヴ
概要
John Mayerの3作目のスタジオ・アルバム『Continuum』は、彼のキャリアにおいて決定的な転換点となった作品である。デビュー作『Room for Squares』（2001年）では、アコースティック・ギターを軸にした親しみやすいポップ・ソングライティングによって広く知られ、続く『Heavier Things』（2003年）では、より洗練されたポップロックの方向へ進んだ。しかし『Continuum』では、John Mayerは単なる爽やかなシンガーソングライターという初期イメージを大きく超え、ブルース、ソウル、R&B、ロックの伝統に深く根ざしたアーティストとして自らを再定義している。
本作の重要な背景には、John Mayer Trioとしての活動がある。ベーシストのPino Palladino、ドラマーのSteve Jordanとともに結成されたこのトリオは、2005年にライブ・アルバム『Try!』を発表し、Mayerのギタリストとしての力量、ブルースへの深い理解、そしてより肉体的でグルーヴ重視の音楽性を示した。『Continuum』は、そのJohn Mayer Trioで得た経験を、ポップ・アルバムとしての完成度へ結びつけた作品である。つまり本作は、ブルースの演奏力とメインストリーム・ポップのソングライティングが高い水準で融合したアルバムである。
タイトルの『Continuum』は、「連続体」「連続したもの」を意味する。これは、アルバム全体のテーマと深く関わっている。本作でMayerは、過去と現在、若さと成熟、恋愛と孤独、個人と社会、ブルースの伝統と現代ポップを、断絶したものではなく連続したものとして捉えている。彼はここで、音楽史の中のブルースやソウルを単に引用するのではなく、自分自身の世代の不安、恋愛観、社会意識へ接続している。だからこそ『Continuum』は、懐古的なブルース・ロック作品ではなく、2000年代のポップ・リスナーにも届く現代的なアルバムとして成立している。
音楽的には、Jimi Hendrix、Stevie Ray Vaughan、B.B. King、Eric Clapton、Curtis Mayfield、Marvin Gaye、Bill Withers、D’Angeloなどの影響が感じられる。特にギターのトーンには、ブルースロックの伝統とソウル的な滑らかさが同居している。Mayerのギターは、必要以上に弾きすぎるのではなく、歌の呼吸とグルーヴを重視して配置される。これは本作の大きな特徴である。彼はテクニカルなギタリストでありながら、アルバム全体では演奏の見せ場よりも、曲の空気、歌詞の感情、リズムの深さを優先している。
プロダクションは非常に洗練されているが、過剰に装飾的ではない。ドラムはタイトで、ベースは深く、ギターは温かく、ヴォーカルは近い。特にSteve Jordanのドラミングとプロデュース感覚は、本作のグルーヴを支える重要な要素である。派手な打ち込みや流行のポップ・サウンドではなく、生演奏の質感を中心にしながら、音の隙間を大切にした制作がなされている。そのため、アルバム全体に落ち着いた大人のロック／ソウルの空気がある。
歌詞の面では、恋愛の終わり、自己反省、孤独、成長への戸惑い、社会への不安が中心となる。初期のMayer作品にあった若者らしい観察や恋愛の軽やかさは残っているが、本作ではより深く、苦く、成熟した視点が加わる。特に「Waiting on the World to Change」では、個人の無力感と政治的な停滞感が歌われ、「Gravity」では自己破壊的な誘惑や人生の重力が象徴的に描かれる。恋愛曲であっても、単なるロマンティックな幸福ではなく、関係の脆さ、自己中心性、失われたものへの後悔が見える。
キャリア上の位置づけとして、『Continuum』はJohn Mayerの代表作である。商業的成功と批評的評価の両方を得た作品であり、彼がポップスターでありながら本格的なギタリスト／ブルースマンでもあることを広く認識させた。以後の『Battle Studies』（2009年）、『Born and Raised』（2012年）、『Paradise Valley』（2013年）などでは、カントリー、フォーク、ローレル・キャニオン的な方向へ広がっていくが、その基盤には『Continuum』で確立された「伝統を現代的なソングライティングへ変換する力」がある。
2000年代のメインストリーム・ロック／ポップの中で、『Continuum』は特異な作品である。同時代の多くのポップロック作品がラジオ向けの明快なフックやデジタルなプロダクションへ向かう中で、本作はブルース、ソウル、R&Bの質感を軸に、静かで深いグルーヴを重視した。派手な時代性よりも、長く聴ける普遍性を選んだアルバムであり、そのことが現在でも本作が高く評価される理由である。
全曲レビュー
1. Waiting on the World to Change
オープニング曲「Waiting on the World to Change」は、『Continuum』を象徴する楽曲であり、John Mayerの社会的視点を最も分かりやすく示した曲である。タイトルは「世界が変わるのを待っている」という意味で、2000年代の若い世代が抱えていた政治的無力感、社会への不信、そして行動したいが何をすればよいのか分からない感覚を表している。
音楽的には、穏やかなソウル／R&B調のグルーヴが中心である。ギターは控えめで、リズムは柔らかく、メロディは非常に親しみやすい。曲調は明るく聴きやすいが、歌詞には諦めと苛立ちが含まれている。この対比が重要である。Mayerは怒りを激しいロックとして爆発させるのではなく、ゆったりとしたグルーヴの中に社会的な停滞感を置いている。
歌詞では、若い世代が世界を変える力を持っていないと感じていることが描かれる。彼らは無関心なのではなく、自分たちの声が届かないと感じている。政治やメディア、権力構造への不信があり、その中で「待つ」ことしかできないように思える。この曲は、抗議のアンセムであると同時に、無力感の歌でもある。
ただし、「Waiting on the World to Change」は単なる諦めの曲ではない。世界が変わるのを待っているという言葉には、まだ変化を信じている感覚もある。完全に希望を失っていれば、変化を待つことさえしない。この曲は、行動と諦めの間にいる世代の気分を、非常に分かりやすい形で捉えている。
アルバムの冒頭にこの曲が置かれることで、『Continuum』は個人的な恋愛アルバムとしてだけではなく、社会や時代への意識を持った作品として始まる。John Mayerの成熟を示す重要なオープニングである。
2. I Don’t Trust Myself（With Loving You）
「I Don’t Trust Myself（With Loving You）」は、本作の中でも特にブルージーで官能的なグルーヴを持つ楽曲である。タイトルは「君を愛する自分自身を信用できない」という意味で、恋愛における自己不信を率直に示している。ここでMayerは、相手を疑うのではなく、自分自身の感情や行動を疑っている。この視点が、本作の成熟した恋愛観を象徴している。
音楽的には、ゆったりとしたテンポ、粘りのあるベース、控えめだが印象的なギター、柔らかなヴォーカルが中心である。曲全体には、ネオソウルやブルースの影響が強く感じられる。ギターのトーンは甘く、空間を多く残しており、過剰なフレーズよりも音の余韻が重視されている。Pino Palladino的な深いベース感覚も、曲の官能性を支えている。
歌詞では、愛したい気持ちと、その愛が相手を傷つけるかもしれないという恐れが描かれる。自分は本当に誠実でいられるのか。欲望や弱さに流されないのか。相手を愛する資格があるのか。このような問いが、曲の中心にある。恋愛を理想化せず、自分の未熟さや危うさを認識している点が重要である。
「I Don’t Trust Myself（With Loving You）」は、John Mayerのブルース的な表現力が非常によく出た曲である。ブルースとは単にギターの音色やコード進行ではなく、自分自身の弱さを見つめる音楽でもある。この曲では、その精神が現代的な恋愛ソングとして表現されている。
3. Belief
「Belief」は、『Continuum』の中でも特に重いテーマを持つ楽曲である。タイトルの「信念」は、宗教、政治、個人の価値観、そしてそれが人間同士を分断する力を示している。Mayerはここで、信じることの美しさだけでなく、信念が衝突や争いを生む危険性を歌っている。
音楽的には、力強いドラムとギター・リフが特徴で、アルバム序盤に明確な緊張感をもたらす。リズムは重く、曲全体にはブルースロック的な骨格がある。ギターは鋭く、しかし過剰には弾きすぎない。曲の主役はリフとグルーヴであり、歌詞のメッセージを支えるために演奏が配置されている。
歌詞では、人間が自分の信じるものを絶対化し、そのために争うことが描かれる。信念は人に力を与えるが、同時に他者を排除する理由にもなる。この曲は、単純な反戦ソングや政治的批判ではなく、信じることそのものの複雑さを扱っている。何かを信じなければ人は生きにくい。しかし、信念が強すぎると、人は他者を理解できなくなる。
「Belief」は、『Continuum』の中で社会的・思想的な深みを持つ重要曲である。「Waiting on the World to Change」が若い世代の無力感を歌った曲だとすれば、「Belief」はその背景にある世界の分断を見つめている。John Mayerはここで、ポップ・ソングの枠の中で非常に大きなテーマを扱っている。
4. Gravity
「Gravity」は、『Continuum』を代表する楽曲であり、John Mayerのキャリア全体でも最重要曲のひとつである。タイトルの「重力」は、人生において人を下へ引き戻す力、自己破壊的な誘惑、過去の癖、名声や欲望の危うさを象徴している。シンプルな言葉と構成でありながら、非常に深い意味を持つブルース・バラードである。
音楽的には、非常に抑制されたブルース／ソウルの形式を持つ。テンポは遅く、ギターは少ない音数で深く響く。Mayerのギター・ソロは派手な速弾きではなく、音の間、ヴィブラート、トーンの深さによって感情を伝える。これは彼がブルースを単なる技術としてではなく、表現の言語として理解していることを示している。
歌詞では、重力が自分を引きずり下ろそうとしていると歌われる。これは外部の敵ではなく、自分自身の中にある弱さや危うさである。成功、欲望、自己破壊、孤独。そうしたものが、人を本来の場所から引き離し、下へ落とそうとする。Mayerはそれに抵抗しようとしながら、自分が完全には自由ではないことも知っている。
「Gravity」の強さは、その普遍性にある。誰にとっても、人生には自分を下へ引っ張る力がある。過去の習慣、失敗、誘惑、不安、自己否定。この曲は、それらを「重力」という一語に集約している。だからこそ、非常に個人的でありながら、多くの人に届く。
『Continuum』の中で「Gravity」は精神的な中心である。アルバム全体が成長と自己認識をめぐる作品であるなら、この曲はその最も深い地点にある。Mayerはここで、自分自身の弱さを受け入れながら、それに飲み込まれまいとする姿を歌っている。
5. The Heart of Life
「The Heart of Life」は、本作の中でも最も穏やかで、温かいメッセージを持つ楽曲である。タイトルは「人生の核心」という意味であり、苦しみや悲しみの中にも人生には善意や優しさが残っているという視点が歌われる。『Continuum』の中で、この曲は重要な光の役割を持っている。
音楽的には、アコースティック・ギターを中心にしたシンプルなフォーク／ポップ・ソングである。派手なリズムやブルース・ギターの見せ場はなく、Mayerの声とギターが温かく響く。曲の構造は非常に簡潔で、メロディも素直である。その素直さが、歌詞のメッセージを強く支えている。
歌詞では、人生には悪いこともあるが、その核心は善いものだというメッセージが示される。これは単純な楽観主義ではない。Mayerは苦しみを否定していない。むしろ、苦しみがあることを認めたうえで、それでも人生には信じるに値するものがあると歌っている。このバランスが重要である。
「The Heart of Life」は、アルバム全体の中で聴き手を少し救うような曲である。「Gravity」や「Belief」が重いテーマを扱う中で、この曲は人生への静かな肯定を置く。John Mayerのソングライターとしての優しさが最も分かりやすく表れた楽曲である。
6. Vultures
「Vultures」は、本作の中でも特にグルーヴが強く、社会的・個人的な圧力を感じさせる楽曲である。タイトルの「ハゲタカ」は、弱っている者を狙う存在、成功者や有名人に群がる者、あるいは人生の隙を狙う不安や誘惑を象徴している。
音楽的には、John Mayer Trioの影響が非常に強く感じられる。ベースとドラムのグルーヴはタイトで、ギターはリズムと絡みながら鋭く鳴る。曲全体にはファンク／ブルース／ソウルの要素があり、アルバムの中でも特に演奏の身体性が際立つ。Pino PalladinoとSteve Jordanの存在感が強いタイプの楽曲である。
歌詞では、自分の周囲にいる搾取的な存在や、外部からの圧力が描かれる。ハゲタカは、弱さを見つけると近づいてくる。これは名声を得たMayer自身の状況とも重なる。成功すればするほど、自分を利用しようとする存在や、失敗を待つ視線が増える。その中で自分を保つことの難しさが、この曲のテーマである。
「Vultures」は、Mayerのポップな側面だけでなく、グルーヴ・ミュージックへの理解を示す重要曲である。歌詞の不安と、演奏のしなやかさが結びつき、アルバムに大人の緊張感を与えている。
7. Stop This Train
「Stop This Train」は、『Continuum』の中でも最も感情的に深い楽曲のひとつである。タイトルの「この列車を止めて」は、時間の流れ、人生の進行、老い、親との関係、成長への恐怖を象徴している。列車は止まらず進み続ける。人はその中で年齢を重ね、家族も変化し、子ども時代には戻れない。この不可逆性が、曲の核心にある。
音楽的には、アコースティック・ギターの細やかなフィンガーピッキングが印象的である。Mayerのギターは、派手ではないが非常に繊細で、列車の揺れや時間の流れを思わせるリズムを作る。歌声は抑制されており、感情を大きく爆発させるのではなく、静かに語るように進む。
歌詞では、大人になることへの恐れが率直に描かれる。親が年老いていくこと、自分がもう子どもではないこと、人生が止まらず進んでいくことへの不安が中心にある。これは多くのリスナーにとって非常に普遍的なテーマである。誰もが、ある時点で時間の速さに気づき、止めたいと思う瞬間がある。
「Stop This Train」の美しさは、結論が完全な安心ではない点にある。列車は止まらない。しかし、それを受け入れるしかない。曲はその受容の難しさを静かに描く。『Continuum』の成熟した側面を最もよく示す名曲である。
8. Slow Dancing in a Burning Room
「Slow Dancing in a Burning Room」は、John Mayerのラブソングの中でも特に高く評価される楽曲である。タイトルは非常に印象的で、「燃えている部屋でゆっくり踊る」という比喩によって、すでに壊れつつある関係の中に留まり続ける恋人たちの姿を描いている。美しさと破滅が同時に存在するタイトルである。
音楽的には、ブルース・バラードとソウルの要素が結びついた楽曲である。ギターのイントロは非常に印象的で、少ない音数ながら深い感情を伝える。曲全体は抑制されているが、内部には強い緊張がある。ドラムとベースはゆったりと支え、ギターは言葉にならない感情を補うように鳴る。
歌詞では、関係が終わりに向かっていることをお互いに分かっていながら、それでもその場から離れられない状態が描かれる。部屋は燃えている。つまり状況は明らかに危険で、破壊に向かっている。しかし二人は踊り続ける。これは恋愛の中でしばしば起こる、終わりを知りながらも手放せない心理を見事に表している。
「Slow Dancing in a Burning Room」の強さは、相手を一方的に責めない点にある。関係の崩壊は、どちらか一方の悪意だけではなく、二人の間に積み重なった小さな亀裂によって起こる。曲はその悲しみを、非常に大人のラブソングとして表現している。
9. Bold as Love
「Bold as Love」は、Jimi Hendrix Experienceの楽曲のカバーであり、アルバムの中でJohn Mayerのルーツを明確に示す一曲である。HendrixはMayerにとってギタリストとして非常に大きな存在であり、この曲を取り上げることは、単なる敬意以上の意味を持つ。彼はここで、ブルースロックの伝統を自分のアルバムの中へ直接取り込んでいる。
音楽的には、オリジナルのサイケデリックな色彩を保ちつつ、Mayerらしい滑らかなギター・トーンと現代的なプロダクションで再構成されている。Hendrixの原曲が持つ大胆なコード感、色彩的な歌詞、ギターの自由さは、本作のテーマであるブルースとポップの連続性とも響き合う。
歌詞では、感情が色にたとえられ、愛が大胆なものとして描かれる。Hendrixの詩的でサイケデリックな言葉は、Mayer自身の歌詞世界とは少し異なるが、本作の中に置かれることで、彼の音楽的な系譜を明確にする役割を持つ。Mayerはこの曲を通じて、自分がどの伝統の上に立っているのかを示している。
「Bold as Love」は、アルバム全体の中で異質でありながら、重要な意味を持つ。John Mayerが単なるポップ・シンガーではなく、Hendrix以降のブルースロックの語法を継承しようとするギタリストであることを明確に示している。
10. Dreaming with a Broken Heart
「Dreaming with a Broken Heart」は、失恋後の朝を描いた、非常に繊細なバラードである。タイトルは「壊れた心で夢を見る」という意味であり、夢の中ではまだ愛が残っているのに、目覚めた瞬間に現実を思い出す痛みを表している。
音楽的には、ピアノを中心にした静かな導入から始まり、徐々にバンドが加わる構成である。Mayerの声は非常に抑制されており、悲しみを大きく叫ぶのではなく、現実を受け止めきれない朝の静けさを表現している。曲の後半ではギターも感情を補うように加わるが、全体としては余白が多い。
歌詞では、目覚めた瞬間に相手がいないことを思い出す痛みが描かれる。夢の中ではまだ関係が続いているかもしれない。しかし現実に戻ると、その不在が突きつけられる。この感覚は、失恋を経験した多くの人にとって非常に具体的である。Mayerはその瞬間を、過度な装飾なしに描いている。
「Dreaming with a Broken Heart」は、『Continuum』の中で最も美しい失恋曲のひとつである。恋愛の終わりを大きなドラマとしてではなく、朝の数秒間の痛みとして描く点が非常に優れている。
11. In Repair
「In Repair」は、アルバム終盤に置かれた重要な楽曲であり、タイトルの通り「修復中」であることを主題にしている。これは完全に治ったという宣言ではない。まだ壊れているが、直りつつある。その途中の状態が、この曲の核心である。
音楽的には、穏やかなグルーヴと温かいギター、ゆったりしたヴォーカルが特徴である。曲は急がず、修復の過程そのもののように進む。Mayerのギターは、感情を過剰に押し出すのではなく、少しずつ空間を満たす。演奏全体に、焦らず自分を立て直していく感覚がある。
歌詞では、自分がまだ完全ではないこと、自分自身を修復している途中であることが歌われる。これは『Continuum』全体のテーマと深くつながっている。Mayerは本作で、社会への無力感、恋愛の失敗、自己不信、時間への恐れ、重力のような誘惑を歌ってきた。終盤の「In Repair」は、それらを通過した後の状態を示す。答えは出ていないが、修復は始まっている。
この曲の重要性は、自己改善を勝利としてではなく、過程として描く点にある。人はある日突然完全に癒やされるわけではない。少しずつ、壊れた部分を直していく。その現実的な希望が、この曲にはある。
12. I’m Gonna Find Another You
ラスト曲「I’m Gonna Find Another You」は、アルバムの最後に置かれたブルース色の強い楽曲である。タイトルは「別の君を見つけるつもりだ」という意味で、失恋後の強がり、前進、そしてまだ残る未練を含んでいる。アルバムの終わりにこの曲が置かれることで、『Continuum』は重い内省だけでなく、ブルース的な軽やかさとユーモアを取り戻して終わる。
音楽的には、クラシックなブルース／ソウルの感触が強い。ゆったりしたリズム、温かいギター、コーラス的な響きがあり、Mayerはここでブルースマンとしての表情を見せる。深刻な失恋を歌いながら、曲にはどこか軽さがある。この軽さは非常に重要である。ブルースは悲しみを歌う音楽だが、その悲しみを歌にすることで生き延びる音楽でもある。
歌詞では、去っていった相手の代わりを見つけるという宣言がなされる。しかし、それは完全な自信ではなく、どこか自分に言い聞かせているようにも聞こえる。別の誰かを見つけると言いながら、まだ相手の存在が強く残っている。この強がりと未練の混合が、ブルースらしい感情を生む。
「I’m Gonna Find Another You」は、『Continuum』を暗いまま終わらせない。人生には失恋があり、痛みがあり、修復の途中の自分がいる。それでも人はまた誰かを探し、歌い、歩き出す。この曲は、その人間的な回復力をブルースの形式で示している。
総評
『Continuum』は、John Mayerのキャリアにおける最重要作であり、2000年代のポップ／ロックにおいても非常に完成度の高いアルバムである。初期のアコースティック・ポップのイメージから一歩進み、ブルース、ソウル、R&B、ロックを深く吸収したうえで、現代的なソングライティングへ結びつけている。演奏力、歌詞、プロダクション、アルバム全体の流れが高い水準でまとまっている。
本作の中心にあるのは、成熟への過程である。Mayerはここで、自分の弱さを隠さない。社会を変えられない無力感、自分の愛を信用できない不安、信念が世界を分断する現実、重力のように自分を引きずり下ろす誘惑、時間の流れを止められない恐れ、壊れた心で目覚める朝。これらのテーマは、若いポップスターの軽い恋愛ソングの範囲を明らかに超えている。
音楽的には、非常に抑制が効いている。John Mayerは優れたギタリストでありながら、本作では技術を誇示しすぎない。ギター・ソロは必要な場所でだけ鳴り、歌とグルーヴを支える。これはブルースやソウルへの深い理解を示している。演奏の余白、音色の温かさ、リズムのしなやかさが、アルバム全体を大人の作品にしている。
『Continuum』の優れている点は、ポップ・アルバムとしての聴きやすさと、ブルース／ソウル作品としての深みを両立しているところにある。「Waiting on the World to Change」や「The Heart of Life」は広いリスナーに届く明快さを持ち、「Gravity」「Slow Dancing in a Burning Room」「Vultures」では演奏と感情の深さが際立つ。「Stop This Train」や「Dreaming with a Broken Heart」では、非常に個人的な不安や喪失が丁寧に描かれる。この幅広さが、本作を単なるギター・アルバムではなく、総合的なソングライター作品にしている。
歌詞の面でも、本作はJohn Mayerの成熟を示している。彼は恋愛を美化しすぎず、自分自身の未熟さや不誠実さの可能性まで見つめている。また、社会や時間、信念といった大きなテーマにも向き合っている。ただし、それらを説教的に語るのではなく、ポップ・ソングとして自然に表現している点が重要である。
日本のリスナーにとって、『Continuum』はJohn Mayerを理解するうえで最も入りやすく、同時に最も深く聴ける作品である。ギター・ロックが好きなリスナーには演奏の質が響き、R&Bやソウルが好きなリスナーにはグルーヴの滑らかさが響き、シンガーソングライター作品を好むリスナーには歌詞の内省性が響く。幅広い入口を持ちながら、聴き込むほどに細部の完成度が見えてくるアルバムである。
評価として、『Continuum』はJohn Mayerの代表作であり、2000年代以降のブルース／ソウル志向のポップロック作品の中でも重要な一枚である。伝統的な音楽語法を現代的な感情へ接続し、商業性と音楽的深みを両立させた作品として、非常に高い完成度を誇る。若さのポップスターから、成熟したギタリスト／ソングライターへ。John Mayerがその転換を最も鮮やかに成し遂げたアルバムが『Continuum』である。
おすすめアルバム
1. John Mayer Trio – Try!（2005）
『Continuum』の直接的な前段階にあたるライブ・アルバム。John Mayer、Pino Palladino、Steve Jordanによるトリオ編成で、ブルースロック、ソウル、ファンクのグルーヴが生々しく記録されている。『Continuum』の演奏面の背景を理解するうえで欠かせない作品である。
2. John Mayer – Room for Squares（2001）
John Mayerのデビュー作。アコースティック・ポップを中心に、若者の観察、恋愛、自己意識が軽やかに歌われている。『Continuum』と比較することで、彼がどのようにポップ・シンガーソングライターからブルース／ソウル志向の成熟したアーティストへ変化したかが分かる。
3. Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – Texas Flood（1983）
John Mayerのギタープレイに大きな影響を与えたブルースロックの重要作。力強いギター・トーン、ブルースへの深い敬意、ロックとしてのエネルギーが特徴である。『Continuum』のギター表現の背景を知るために重要な一枚である。
4. D’Angelo – Voodoo（2000）
ネオソウルの代表作。深いグルーヴ、余白を生かした演奏、官能的で有機的な音像は、『Continuum』のR&B／ソウル的な側面と通じる。特にリズムの後ろに沈むような感覚や、生演奏の質感に共通点がある。
5. Eric Clapton – Slowhand（1977）
ブルースを基盤にしながら、ポップなソングライティングと穏やかなロック・サウンドを結びつけた作品。John Mayerが目指した、ギタリストとしての表現とポップ・ソングの両立を理解するうえで重要な参照点となる。
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