アルバムレビュー：Constant Hitmaker by Kurt Vile

発売日：2008年3月4日

ジャンル：ローファイ、インディー・ロック、フォーク・ロック、サイケデリック・フォーク、ガレージ・ロック、アメリカーナ

概要

Kurt Vileが2008年に発表した初期ソロ・アルバム『Constant Hitmaker』は、後に2010年代アメリカン・インディーを代表するシンガーソングライターの一人となる彼の音楽的原型が、粗く、親密で、実験的な形で記録された作品である。フィラデルフィア出身のKurt Vileは、The War on Drugsの初期メンバーとしても知られるが、ソロではより個人的で、ローファイな録音感覚、反復するギター、ぼそぼそとした歌声、都市的な孤独、皮肉を含んだ自己観察を前面に出してきた。『Constant Hitmaker』は、その出発点として非常に重要なアルバムである。

本作は、後年の『Smoke Ring for My Halo』（2011年）や『Wakin on a Pretty Daze』（2013年）のような洗練された音像とは異なり、ホーム・レコーディング的なざらつき、カセット的な圧縮感、音のにじみ、未整理な構成が強く残っている。曲によってはフォーク的であり、別の曲ではガレージ・ロック的であり、また別の曲ではサイケデリックな断片のようにも響く。完成されたシンガーソングライター・アルバムというより、都市の部屋や地下室で録りためられた音のスケッチ集に近い。

アルバム・タイトルの「Constant Hitmaker」は、直訳すれば「絶えずヒットを作る人」という意味になる。しかし、この言葉は明らかにKurt Vileらしい皮肉を含んでいる。ここに収められている音楽は、商業的な意味でのヒット曲を量産するような明快なポップではない。むしろ、ぼんやりしたメロディ、歪んだ録音、脱力したヴォーカル、反復するギターによって構成された、非常に内向的なローファイ作品である。そのためタイトルは、自己誇示であると同時に冗談であり、音楽産業における「ヒット」という概念への斜めからの視線でもある。

Kurt Vileの音楽性を理解するうえで重要なのは、彼がアメリカン・ロックの伝統を強く引き受けながら、それを過剰な熱さや英雄性ではなく、脱力、反復、ぼやけた日常感覚へと変換している点である。Neil Young、Bruce Springsteen、Tom Petty、John Fahey、The Velvet Underground、Pavement、Dinosaur Jr.、Spacemen 3などの影響が、彼の音楽には複雑に混ざり合っている。しかし『Constant Hitmaker』では、それらの影響がまだ洗練された形に整理されておらず、むしろローファイな音の中で混濁している。そこが本作の魅力である。

本作には、後年のKurt Vileを特徴づける要素がすでに多く含まれている。第一に、ギターの反復である。彼の楽曲は、大きなドラマや明確なサビへ向かうよりも、同じフレーズを繰り返しながら、思考や気分をゆっくり漂わせる。第二に、歌声の距離感である。Kurt Vileのヴォーカルは、強く訴えるというより、半分独り言のように置かれる。第三に、歌詞の曖昧なユーモアである。彼は深刻な孤独や疎外感を扱いながらも、それを大げさな悲劇としては歌わない。むしろ、自分自身を少しからかうような言葉遣いによって、現代的な内省を軽く提示する。

2000年代後半のインディー・シーンにおいて、本作はローファイ再評価の流れとも関係している。インターネットを通じてホーム・レコーディングや自主制作音源が広がり、完璧に磨かれたスタジオ録音ではなく、個人的で未完成な録音そのものが価値を持つようになっていた。Kurt Vileは、その流れの中で、アメリカン・フォーク／ロックの伝統をローファイな録音感覚へ接続したアーティストである。『Constant Hitmaker』は、その意味で、後のBedroom Popやローファイ・インディーの感覚にも通じる作品である。

日本のリスナーにとって本作は、『Smoke Ring for My Halo』以降の穏やかで聴きやすいKurt Vileから入った場合、かなり粗く、断片的に聴こえるかもしれない。しかし、ここには後年の作品ではやや整理される前の、より生々しいKurt Vileの音楽的衝動が残されている。ローファイな質感、ギターのざらつき、曲の未完成感、ぼんやりとした歌詞の中に、彼の核心が見える。『Constant Hitmaker』は、完成された到達点ではなく、出発点としての魅力を持つアルバムである。

全曲レビュー

1. Freeway

オープニング曲「Freeway」は、Kurt Vileの初期を代表する楽曲であり、本作のローファイな魅力を最も分かりやすく示している。タイトルは高速道路を意味し、移動、自由、郊外、アメリカ的な空間感覚を連想させる。Kurt Vileの音楽には、都市の部屋の内向性と、アメリカの道路を移動するような開放感が同時に存在するが、この曲はその二つを軽やかに結びつけている。

音楽的には、シンプルなギター・リフと淡々としたリズムが中心で、録音はざらついている。しかし、その粗さが曲の魅力になっている。ヴォーカルは力強く歌い上げるのではなく、少し鼻にかかった脱力した声で、言葉を転がすように歌われる。メロディは親しみやすく、ローファイな録音の中でもポップな芯がある。

歌詞では、移動すること、自由であるように見えること、しかしどこか目的地が曖昧であることが感じられる。高速道路はアメリカ音楽において自由の象徴である一方、延々と続く単調な空間でもある。Kurt Vileはその両方を理解している。彼にとって自由は、力強い宣言ではなく、ぼんやりした逃避や気分転換に近い。「Freeway」は、後年のKurt Vileが発展させるアメリカン・ロック的な漂流感の原点といえる楽曲である。

2. Breathin Out

「Breathin Out」は、タイトル通り、息を吐き出すような脱力感を持つ楽曲である。Kurt Vileの音楽では、呼吸や歩行に近い自然なリズムが重要であり、この曲も大きな構成の変化より、一定のテンポと気分の持続が中心になっている。タイトルの表記もくだけており、彼の音楽にある非公式で親密な感覚をよく表している。

音楽的には、ギターの反復とローファイな音像が曲を支える。音は完璧に整えられておらず、少し曇っているが、その曇りが部屋の空気や録音時の距離感をそのまま伝える。ヴォーカルも前に出すぎず、楽器の中に溶け込むように響く。

歌詞のテーマとしては、緊張からの解放、疲れた日常の中で息をつく瞬間が読み取れる。Kurt Vileの楽曲は、大きなドラマではなく、こうした小さな身体感覚を大切にする。息を吐くことは、何かを始める前の準備でもあり、終えた後の脱力でもある。「Breathin Out」は、生活の隙間にある一瞬の感覚を、ローファイなギター・ソングとして記録した曲である。

3. Space Forklift

「Space Forklift」は、タイトルからしてKurt Vileらしい奇妙なユーモアを持つ楽曲である。宇宙とフォークリフトという組み合わせは、壮大なSFイメージと日常的な労働機械を衝突させる。高い宇宙的な想像力と、地上の倉庫作業のような実用性が同居するこのタイトルは、Kurt Vileの世界観をよく示している。彼は大げさなサイケデリアや宇宙感覚を、常に少し間の抜けた日常へ引き戻す。

音楽的には、ややサイケデリックで、音の質感もぼやけている。ギターや音の断片が浮遊し、曲全体がはっきりした輪郭を持たずに進む。後年の作品に比べると整理されていないが、その分、アイデアが未加工のまま残されている印象がある。

歌詞のテーマは明確な物語というより、イメージと気分の連鎖として響く。宇宙的な広がりと、労働や日常の鈍さが同時に存在する。Kurt Vileの音楽では、現実逃避と現実感が常に混ざり合う。「Space Forklift」は、その奇妙な混合を、初期ローファイの荒い質感で提示する楽曲である。

4. Slow Talkers

「Slow Talkers」は、ゆっくり話す人々を意味するタイトルを持つ。Kurt Vile自身の歌い方にも通じるように、本曲は速度を落としたコミュニケーション、言葉の間、反応の遅さを感じさせる楽曲である。現代社会では、速さや効率が重視されるが、Kurt Vileの音楽はその反対側にある。言葉もギターも、急がず、少し遅れて届く。

音楽的には、穏やかなギターとゆるいリズムが中心で、曲全体に気だるい空気が漂う。ローファイな録音によって、音は部屋の中で鳴っているように近く、同時に少し遠い。Kurt Vileの声は、言葉を明確に前へ押し出すというより、フレーズの中に沈ませている。

歌詞では、他者との会話や、伝わりにくさ、言葉が遅れていく感覚が読み取れる。ゆっくり話すことは、思考が遅いという意味だけではない。むしろ、速い言葉では伝えられない曖昧な感情を保つ方法でもある。「Slow Talkers」は、Kurt Vileが持つ反速度的な美学を示す曲であり、本作全体のゆるやかな時間感覚と深く結びついている。

5. Trumpets in Summer

「Trumpets in Summer」は、夏とトランペットという明るいイメージを持つタイトルの楽曲である。しかし、Kurt Vileの音楽における夏は、単純な陽気さではなく、少しぼやけた記憶や、熱気の中で時間が伸びていく感覚として現れることが多い。この曲も、タイトルの明るさに対して、音楽はどこか夢の中のように霞んでいる。

音楽的には、ローファイな音像の中に、淡いメロディと揺れるギターが配置されている。トランペットという言葉が示すような華やかなファンファーレではなく、遠くから聞こえる夏の音のような雰囲気がある。音は明確に立ち上がる前に少し滲み、記憶の中の風景のように響く。

歌詞のテーマとしては、季節感、記憶、遠くの音、夏の気だるさが感じられる。夏は若さや自由の象徴である一方、過ぎ去る時間への寂しさも含む。「Trumpets in Summer」は、そうした季節の空気を、派手な高揚ではなく、薄く霞んだローファイ・フォークとして描いている。

6. Don’t Get Cute

「Don’t Get Cute」は、タイトルに軽い警告や皮肉が含まれている楽曲である。「気取るな」「かわいこぶるな」「調子に乗るな」といったニュアンスがあり、Kurt Vileらしい斜めからの言葉遣いが表れている。彼の歌詞には、他者や自分自身に対して、少し冷めた冗談のような口調がしばしば見られる。

音楽的には、ローファイなガレージ感があり、ギターの質感はややざらついている。曲は大きく展開するというより、短いアイデアをそのまま走らせるように進む。後年の洗練された作品と比べると荒削りだが、その荒さが初期Kurt Vileの魅力である。

歌詞では、自己演出への違和感や、過剰に魅力的に見せようとする態度への皮肉が感じられる。Kurt Vileは、ロック・スター的な大げさな自己表現から距離を取るアーティストである。「Don’t Get Cute」は、その距離感を軽く示す曲であり、かっこつけないこと自体を一つのスタイルにしている。

7. He’s Alright

「He’s Alright」は、比較的親しみやすいメロディを持つ楽曲であり、Kurt Vileの内省的で優しい側面が表れている。タイトルは「彼は大丈夫だ」と訳せるが、この言葉には、安心させるような響きと、どこか曖昧な距離感がある。本当に大丈夫なのか、それとも大丈夫だと言い聞かせているだけなのか。その曖昧さがKurt Vileらしい。

音楽的には、アコースティック・ギターの響きが中心で、曲は穏やかに進む。ヴォーカルは柔らかく、ローファイな録音によって親密な空気が生まれている。後年の『Smoke Ring for My Halo』に通じる、静かなフォーク・ロックの原型がここに見える。

歌詞では、人物へのまなざし、自己確認、安心と不安の間にある感情が読み取れる。「大丈夫だ」という言葉は、客観的な事実というより、関係性の中で発せられる慰めに近い。Kurt Vileの歌には、はっきりした感情の結論が少ない。本曲もまた、安心と疑いを同時に含む、小さな内省の歌である。

8. Classic Rock in Spring

「Classic Rock in Spring」は、タイトルからして音楽へのメタ的な視線と季節感が組み合わされた楽曲である。クラシック・ロックという言葉は、過去のロックの正典、ラジオで流れる定番曲、父親世代の音楽を思わせる。一方、春は再生や新しさの季節である。この二つを組み合わせることで、過去の音楽を現在の感覚で聴き直すようなテーマが浮かび上がる。

音楽的には、Kurt Vileが受け継ぐアメリカン・ロックの伝統がローファイな形で表れている。ギターの響きにはNeil YoungやTom Petty、The Velvet Underground以降のインディー感覚が混ざっているが、録音はあくまで個人的で、巨大なロックの正典を部屋の中へ引き寄せたような印象を与える。

歌詞では、過去のロックへの愛着と、その距離感が感じられる。Kurt Vileはクラシック・ロックを単純に崇拝するのではなく、それを自分の生活や季節の感覚の中へゆるく取り込む。大きなロックの神話を、春の午後のような個人的な時間へ変換する。「Classic Rock in Spring」は、Kurt Vileの音楽が過去のロックと現代インディーの間にあることを象徴する楽曲である。

9. Crazy T-Shirt

「Crazy T-Shirt」は、非常に日常的で、少し間の抜けたタイトルを持つ楽曲である。派手な哲学や大きな物語ではなく、Tシャツという身近な物を題材にすることで、Kurt Vileの生活感覚が表れている。彼の歌詞には、こうした小さな物や身近な言葉がしばしば登場し、それが内面の気分や自己像と結びつく。

音楽的には、短く、ローファイで、軽いスケッチのような性格を持つ。ギターやヴォーカルは整えられすぎておらず、録音された瞬間の気分がそのまま残っている。アルバム全体の中では小品的だが、こうした曲が本作の親密さを作っている。

歌詞のテーマとしては、自己演出、服装、日常の滑稽さが読み取れる。Tシャツは自分を表現するものでありながら、同時に何気なく着る日用品でもある。Kurt Vileは、ロック・スター的な衣装やイメージではなく、こうした日常的な物の中に自分の姿を見つける。「Crazy T-Shirt」は、彼の反英雄的なロック観を小さく示す曲である。

10. Black Hands

「Black Hands」は、アルバムの中でもやや暗い響きを持つタイトルの楽曲である。黒い手という言葉は、汚れ、労働、罪悪感、影、身体の不穏さを連想させる。Kurt Vileの音楽には、穏やかなギターの裏に、しばしば少し暗い自己認識が潜んでいる。本曲はその側面が表れた楽曲といえる。

音楽的には、やや沈んだ雰囲気があり、ギターの響きも陰りを帯びている。ローファイな録音によって音は少しざらつき、曲全体に曇った空気が漂う。ヴォーカルは感情を直接的に爆発させず、淡々とした調子を保つ。そのため、曲の暗さは過剰なドラマではなく、日常に染み込んだ影として響く。

歌詞では、自己の汚れ、労働や行為の痕跡、手に残る感覚がテーマとして浮かぶ。手は何かを作る部位であり、同時に何かを傷つける部位でもある。黒い手というイメージは、生活の中で避けられない汚れを象徴しているようにも読める。「Black Hands」は、Kurt Vileのローファイな内省が暗い方向へ向かった楽曲である。

11. Neverywhere

「Neverywhere」は、「Never」と「Everywhere」を組み合わせたような造語的なタイトルである。どこにもない、しかしどこにでもあるという矛盾した感覚が含まれている。Kurt Vileの音楽には、具体的な場所に根ざしながらも、同時にどこにも属していないような漂流感がある。このタイトルは、その感覚をよく表している。

音楽的には、サイケデリックな浮遊感と、ローファイなぼやけが強い。曲は明確なポップ・ソングというより、音の中を漂うように進む。ギターやヴォーカルは輪郭が柔らかく、聴き手は場所の感覚を失う。タイトルの「Neverywhere」が示すように、ここでは具体的な場所よりも、場所の不確かさが重要である。

歌詞では、存在の曖昧さ、場所の喪失、どこにも行けないのにどこかへ漂っているような感覚が読み取れる。これはKurt Vileの音楽全体に通じるテーマである。彼はアメリカ的な移動や道路のイメージを持ちながら、最終的にはどこかへ到達するより、漂うことそのものを歌う。「Neverywhere」は、本作の中でも特に抽象的で、初期の実験性を感じさせる曲である。

12. Editor

「Editor」は、編集者を意味するタイトルを持つ楽曲である。編集とは、素材を選び、切り取り、順序を決め、意味を作る行為である。ローファイな録音や断片的な楽曲が並ぶ本作において、このタイトルは自己言及的にも響く。Kurt Vileは、自分の生活や思考の断片を歌にしているが、それらは編集されることでアルバムになる。

音楽的には、ギターの反復と曖昧なヴォーカルが中心で、曲は控えめに進む。派手なクライマックスはなく、淡々とした流れの中で言葉と音が置かれる。初期Kurt Vileらしい、未完成感と魅力が同時に存在する楽曲である。

歌詞のテーマとしては、自己をどう編集するか、現実をどう切り取るかという問題が浮かぶ。人は自分の人生をそのまま語るのではなく、常に何かを省き、何かを強調しながら物語にする。「Editor」は、Kurt Vileの歌詞が持つ自己観察の感覚とよく合っている。彼は自分の経験を大げさな告白にせず、少し距離を置いて編集する。その姿勢が、後年の作品にも続いていく。

13. Slow Talkers 2

「Slow Talkers 2」は、前半に登場した「Slow Talkers」の続編的な楽曲である。同じテーマを再び取り上げることで、アルバム全体に緩やかな反復構造が生まれる。Kurt Vileの音楽では、同じようなフレーズや気分が少し形を変えて戻ってくることが多い。この曲も、その反復の美学を示している。

音楽的には、前の「Slow Talkers」と同様に、ゆったりしたテンポとローファイな質感が中心である。ただし、同じ題材が再び現れることで、曲は単なる別テイクではなく、記憶の反響のように聴こえる。会話、言葉、遅れ、距離といったテーマが、アルバムの後半で再確認される。

歌詞では、遅い話し方や、伝達の不完全さが改めて浮かび上がる。Kurt Vileにとって、言葉は必ずしも明確に意味を伝えるものではない。むしろ、言葉の間や遅れにこそ感情が宿る。「Slow Talkers 2」は、彼のゆっくりした時間感覚をアルバム全体に浸透させる役割を持つ。

14. Springtime

「Springtime」は、春をテーマにした楽曲であり、アルバム終盤に明るさと再生のイメージをもたらす。Kurt Vileの音楽における季節感は、単なる風景描写ではなく、気分や時間の流れと深く結びついている。春は新しさや始まりを象徴するが、本曲ではそれが大げさな希望ではなく、ゆるやかな空気の変化として表れる。

音楽的には、穏やかなギターと柔らかなメロディが中心で、曲全体に軽い浮遊感がある。ローファイな録音の中にも、温かい光のような感覚がある。Kurt Vileの声は相変わらず脱力しているが、その脱力が春の気だるさとよく合っている。

歌詞では、季節の移り変わり、気分の変化、過去の重さから少し抜け出す感覚が読み取れる。春は完全な救済ではないが、冬の後に訪れるわずかな変化である。Kurt Vileは、その小さな変化を静かに捉える。「Springtime」は、アルバム終盤に置かれることで、本作のざらついた内省に柔らかな余韻を与えている。

15. Mikey’s Hook Up

ラスト曲「Mikey’s Hook Up」は、タイトルに人物名とカジュアルな関係性のニュアンスを持つ楽曲である。Hook upという言葉は、接続、出会い、紹介、軽い関係、音楽的なつながりなど複数の意味を持つ。初期Kurt Vileの音楽が、友人関係やローカルな音楽シーンの中から生まれていたことを考えると、このタイトルは本作の親密な制作環境を感じさせる。

音楽的には、アルバムの終わりにふさわしく、スケッチ的で、少しゆるい雰囲気を持つ。大きな締めくくりというより、録音された断片がそのまま残されたような終わり方である。これは『Constant Hitmaker』というアルバムの性格に合っている。本作は完成された大きな物語ではなく、さまざまな音の断片が集められた作品だからである。

歌詞や音の雰囲気からは、友人、ローカルなつながり、音楽を通じたゆるい共同体が感じられる。Kurt Vileの音楽は非常に個人的でありながら、完全に孤立しているわけではない。そこにはフィラデルフィアのインディー・シーンや、友人たちとのつながりが背景として存在する。「Mikey’s Hook Up」は、そのローカルで親密な空気を残してアルバムを閉じる楽曲である。

総評

『Constant Hitmaker』は、Kurt Vileの出発点として非常に重要なアルバムである。後年の『Smoke Ring for My Halo』や『Wakin on a Pretty Daze』に見られる洗練されたギター・フォーク／インディー・ロックの完成度はまだない。しかし、そこへ向かうための核心的な要素はすでに揃っている。反復するギター、脱力した歌声、ローファイな録音、曖昧なユーモア、都市的な孤独、アメリカン・ロックへの斜めからの愛着。本作は、それらが未整理なまま詰め込まれた初期作品である。

本作の最大の魅力は、未完成感にある。一般的な意味での完成度を求めると、曲ごとの録音状態や構成にはばらつきがあり、アルバム全体も整然としているとは言い難い。しかし、そのばらつきが、Kurt Vileというアーティストの初期衝動を生々しく伝えている。ホーム・レコーディング的な質感によって、曲はリスナーの前に大きなステージ作品としてではなく、部屋の中から直接届いた音のように響く。

歌詞面では、後年に比べてもさらに断片的で、明確な物語よりも気分や言葉遊びが中心になっている。「Freeway」「Slow Talkers」「Classic Rock in Spring」「Neverywhere」といった曲名からも分かるように、本作には移動、速度の遅さ、過去のロックへの距離感、場所の曖昧さが散りばめられている。Kurt Vileは、自分の感情を大きな告白として提示するのではなく、日常の言葉や奇妙なタイトルの中へ分散させる。その方法は、この時点ですでに確立されつつある。

音楽史的には、『Constant Hitmaker』は2000年代後半のローファイ・インディーと、アメリカン・フォーク／ロックの伝統が交わる地点にある。The Velvet Underground的な反復、Pavement的な脱力、Neil Young的なギターの哀愁、Spacemen 3的なサイケデリックな漂流感が、粗い録音の中で混ざり合っている。Kurt Vileは、それらの影響をそのまま模倣するのではなく、自分の生活感覚やフィラデルフィアのローカルな空気の中で再構成している。

本作はまた、Kurt Vileの反ロック・スター的な姿勢を示している。タイトルこそ『Constant Hitmaker』だが、その音楽は商業的なヒットを狙うものではない。むしろ、ヒットメーカーという言葉をゆるくからかいながら、自分のペースで曲を作り続ける姿勢が表れている。この自己皮肉と脱力感は、後年のKurt Vileの重要な個性となる。

日本のリスナーにとって本作は、最初に聴くKurt Vile作品としてはやや粗いかもしれない。彼の魅力を分かりやすく知るなら『Smoke Ring for My Halo』や『Wakin on a Pretty Daze』の方が適している。しかし、Kurt Vileの音楽がどのようなローファイな土台から生まれたのかを理解するには、本作は欠かせない。完成された名盤というより、後の名曲群の種子が散らばった作品として聴くべきアルバムである。

『Constant Hitmaker』は、常にヒットを作る男という冗談めいたタイトルを持ちながら、実際にはヒットの外側で、自分の速度と声を探しているアルバムである。そこには、若いソングライターの過剰な野心よりも、部屋でギターを弾きながら、世界との距離を測っているような感覚がある。Kurt Vileは本作で、アメリカン・ロックの伝統をローファイな独り言へと変換し、後のキャリアへ続く独自の時間感覚を提示した。

おすすめアルバム

1. Kurt Vile – Smoke Ring for My Halo（2011年）

Kurt Vileのソングライティングが大きく洗練された代表作。『Constant Hitmaker』のローファイな反復ギターと内省的な歌詞が、より美しく整理された形で提示されている。初期の粗さから、成熟したインディー・フォーク／ロックへ移行する過程を理解するうえで重要な作品である。

2. Kurt Vile – Childish Prodigy（2009年）

『Constant Hitmaker』の次に位置する作品で、よりロック色とガレージ的な勢いが強い。ローファイな質感を保ちながら、エレクトリック・ギターの存在感が増し、Kurt Vileのサイケデリックでざらついた側面が前面に出ている。初期Kurt Vileの発展を追ううえで欠かせない。

3. Kurt Vile – Wakin on a Pretty Daze（2013年）

Kurt Vileの代表作の一つであり、反復するギターと長尺の楽曲によって、開放的でゆるやかなサウンドスケープを作り上げた作品。『Constant Hitmaker』にあった漂流感が、より大きなスケールで展開されている。Kurt Vileの成熟した作風を知るために重要である。

4. The War on Drugs – Wagonwheel Blues（2008年）

Kurt Vileが初期に関わったThe War on Drugsのデビュー作。アメリカン・ロック、アンビエント的な音像、ローファイな録音感覚が混ざり、フィラデルフィア周辺の音楽的背景を理解するのに適している。Kurt Vileのソロと比較することで、彼の個人的な作風がより明確に見える。

5. Pavement – Slanted and Enchanted（1992年）

ローファイ・インディー・ロックを代表する重要作。ざらついた録音、脱力した歌、断片的な歌詞、ゆるいユーモアは、Kurt Vileの初期作品にも通じる。『Constant Hitmaker』の粗さや反ロック・スター的な姿勢を理解するうえで有効な参照点となる。