発売日：1998年10月27日
ジャンル：ジャム・バンド、ファンク・ロック、サイケデリック・ロック、プログレッシヴ・ロック、オルタナティヴ・ロック
概要
The Story of the Ghost は、アメリカのジャム・バンド、Phishが1998年に発表したスタジオ・アルバムである。通算では7作目のスタジオ作品にあたり、1990年代後半のPhishが到達したグルーヴ志向、ファンク色、スタジオ編集感覚を強く反映したアルバムとして位置づけられる。前作 Billy Breathes が、よりメロディアスで歌もの志向の強い作品だったのに対し、本作はライヴで培ったリズム感覚、即興の断片、反復するグルーヴをスタジオ作品として再構成した性格が濃い。
Phishは1980年代にヴァーモント州バーリントンで結成され、1990年代に入ると、Grateful Dead以後のジャム・バンド文化を代表する存在として急速に支持を拡大した。彼らの音楽は、ロック、ジャズ、ファンク、ブルーグラス、プログレッシヴ・ロック、サイケデリック・ミュージックを横断し、ライヴごとに楽曲の長さや展開を大きく変化させる点に特徴がある。特に1997年前後のPhishは、いわゆる「cow funk」と呼ばれる粘りのあるファンク・グルーヴをライヴで深めていた時期であり、The Story of the Ghost はその流れをスタジオ・アルバムとして刻み込んだ作品である。
本作の特徴は、従来のPhish作品に見られた複雑な構成や奇妙なユーモアを残しながらも、よりリズムと音の質感を中心に据えている点にある。Junta や Rift ではプログレッシヴ・ロック的な構成美や物語性が強く、Billy Breathes では歌と叙情性が前面に出ていた。それに対して The Story of the Ghost では、曲が物語を直線的に語るというより、音の反復、間合い、ベースライン、ドラムの揺れ、ギターのカッティング、キーボードの色彩によって、身体的な感覚を作っている。これはPhishのディスコグラフィの中でも重要な転換である。
タイトルに含まれる「Ghost」は、幽霊、残像、見えない存在を意味する。本作における幽霊とは、単なる怪談的な存在ではなく、記憶の中に残るもの、ライヴの即興がスタジオに残した痕跡、楽曲の背後に漂う過去の影のようにも解釈できる。Phishの音楽では、曲は固定された完成品ではなく、演奏されるたびに変化する存在である。そのため、スタジオ録音はライヴの代替物ではなく、ある時点での一つの姿、あるいは消えゆく即興の残像として機能する。本作のタイトルは、そのようなPhish特有の時間感覚とも深く結びついている。
制作面でも、本作はライヴ・バンドとしてのPhishがスタジオでどのように音を構築するかを示している。長いジャムやセッションの素材をもとに、楽曲として編集し、構成し直す姿勢があり、単純にライヴの熱気をそのまま録音した作品ではない。むしろ、即興の有機的な揺れを素材として、スタジオならではの密度と配置へ変換している。これにより、アルバム全体にはライヴ的な流動性と、スタジオ作品としての凝縮感が同時に存在している。
1998年という時代背景を考えると、本作はアメリカのロック・シーンにおいても独自の位置にある。グランジ以後のオルタナティヴ・ロックがメインストリーム化し、ヒップホップや電子音楽の影響も広がる中で、Phishはメディア主導の流行とは異なる回路で巨大なファン・コミュニティを築いていた。彼らはシングル・ヒットやテレビ露出よりも、ツアー、録音の共有、ファン同士の情報交換によって支持を広げたバンドである。The Story of the Ghost は、そうしたライヴ文化の中心にいるバンドが、スタジオという場で自分たちの現在地を記録した作品と言える。
日本のリスナーにとって本作は、Phishの「曲の面白さ」よりも「グルーヴの面白さ」に耳を向ける入口となるアルバムである。複雑な構成を追うよりも、ベースとドラムが作る揺れ、ギターの細かな刻み、キーボードが生む空間、ヴォーカルの入り方、そして曲がじわじわと変化していく感覚を聴くことで、本作の魅力はより明確になる。The Story of the Ghost は、Phishのスタジオ作品の中でも、身体性、反復、余白、編集感覚が特に重要なアルバムである。
全曲レビュー
1. Ghost
オープニングを飾る「Ghost」は、本作のタイトルにも含まれる中心的な楽曲であり、1990年代後半のPhishを象徴するファンク・グルーヴを持つ代表曲である。タイトルの「Ghost」は幽霊を意味するが、この曲における幽霊は、恐怖の対象というより、見えないまま付きまとう存在、記憶や欲望の残像として響く。歌詞には、不可解で断片的なイメージが並び、はっきりとした物語よりも、気配や空気そのものを描く感覚が強い。
音楽的には、Mike GordonのベースとJon Fishmanのドラムが生み出す粘りのあるグルーヴが核になっている。ギターは重いリフで押すのではなく、細かなカッティングやフレーズでリズムの隙間を作り、Page McConnellのキーボードはその上に色彩を加える。スタジオ版はライヴ版に比べてコンパクトだが、曲の内部には明らかに拡張の余地がある。反復するリズムの中で少しずつ景色が変わる構造は、Phishのジャム美学を凝縮している。
この曲は、The Story of the Ghost の方向性を明確に示している。複雑な構成よりも、グルーヴの持続と変化が重視される。歌詞の意味を完全に説明しようとするより、幽霊のように漂う雰囲気を受け取ることが重要である。アルバムの冒頭として、聴き手を理屈ではなく身体的な揺れの中へ引き込む役割を果たしている。
2. Birds of a Feather
「Birds of a Feather」は、アルバム序盤でテンションを一気に高める楽曲である。タイトルは英語のことわざ「Birds of a feather flock together」に由来する表現で、似た者同士が集まるという意味を持つ。Phishのライヴ文化を考えると、この言葉はバンドとファンの共同体性にも結びつく。多様でありながら同じ感覚を共有する人々が、音楽の場に集まるというイメージが読み取れる。
サウンドは「Ghost」よりも直線的で、ロック的な推進力が強い。ギターは鋭く、リズムもタイトで、サビのフックが明確である。Phishの楽曲としては比較的分かりやすいロック・ソングの形を持ちながら、演奏には細かな変化が組み込まれている。特にドラムの刻みとベースの動きが曲に立体感を与え、単なるストレートなロックには収まらない。
歌詞のテーマは、仲間、類似性、集団性、そして同調の危うさを含んでいる。似た者同士が集まることは安心をもたらす一方、閉じた輪を作る可能性もある。Phishの音楽は共同体的だが、同時に常に変化と予測不能性を求める。本曲は、その共同体性をエネルギッシュなロック・グルーヴとして表現している。
3. Meat
「Meat」は、タイトルからして非常に身体的な楽曲である。「肉」という語は、精神や抽象性ではなく、身体、欲望、生命の物質性を強く感じさせる。Phishの歌詞にはしばしばナンセンスや奇妙なユーモアが登場するが、この曲ではそのユーモアがファンク的な身体性と強く結びついている。
音楽的には、ベースラインが大きな役割を果たす。Mike Gordonの粘るような低音は、曲全体を地面に引きつけ、聴き手の身体を揺らす。ギターとキーボードはその周囲で軽く絡み合い、空間を作る。ドラムは過度に叩き込むのではなく、間を活かしたグルーヴを形成している。この「余白のあるファンク感」は、本作全体を理解するうえで非常に重要である。
歌詞は、深刻なメッセージを語るというより、言葉の質感や反復によって不思議な世界を作る。肉という生々しい語が、Phishの脱力したユーモアによって奇妙に軽く扱われるため、聴き手は意味と無意味の間に置かれる。これはPhishの魅力の一つであり、技巧的でありながら過度に知的になりすぎない、遊びの感覚を保っている。
4. Guyute
「Guyute」は、The Story of the Ghost の中でも特にプログレッシヴ・ロック的な構成を持つ楽曲である。タイトルに登場する「Guyute」は、Phishの架空世界に属するようなキャラクター性を帯びた言葉であり、現実的な説明よりも物語的、幻想的な響きを持つ。アルバム全体がグルーヴ志向である中、この曲は初期Phishに見られた複雑な構成美を思い出させる存在である。
音楽的には、複数のセクションが連結された組曲的な構造を持つ。ギター、ベース、キーボード、ドラムが緻密に絡み合い、拍子やテンポ、雰囲気が変化していく。Trey Anastasioのギターは、メロディアスでありながら技巧的で、曲のドラマを牽引する。Page McConnellのキーボードは場面ごとに音色を変え、物語の背景を作る。Mike GordonとJon Fishmanのリズム隊は、複雑な構造を支えながら、曲に有機的な躍動感を与えている。
歌詞は寓話的で、明確な現実描写ではなく、奇妙なキャラクターや状況を通じてPhish独自の世界を作る。Rift や Junta に見られた演劇性、ファンタジー性、プログレッシヴな展開がここで再び顔を出す。アルバムの中ではやや異質だが、その異質さによって作品に奥行きを与えている。Phishがファンク・グルーヴだけでなく、構成型の複雑な楽曲にも強みを持つことを示す重要曲である。
5. Fikus
「Fikus」は、短く、曖昧で、どこか不思議な空気を持つ楽曲である。タイトルは植物のフィカスを連想させるが、曲全体の印象は具体的な植物描写というより、スタジオ内で生まれた断片的な音のスケッチに近い。Phishのアルバムには、このような小品がしばしば現れ、大きな楽曲の間に独特の余白を作る。
音楽的には、ゆったりとしたテンポと控えめなアンサンブルが特徴である。音数は多すぎず、各楽器が空間を残しながら配置されている。グルーヴというよりも、気配や雰囲気を聴かせる曲であり、本作のタイトルにある「幽霊」のような存在感とも通じる。はっきりと姿を見せるのではなく、少しだけ現れて消えていくような感覚がある。
歌詞もまた、明確な物語を語るものではなく、音の響きや断片的なイメージが中心である。アルバムの流れの中では、「Guyute」のような構成的な楽曲の後に置かれることで、聴き手の耳を一度柔らかくリセットする役割を果たしている。こうした小さな曲の存在が、The Story of the Ghost を単なるファンク・ロック集ではなく、空気感のあるアルバムにしている。
6. Shafty
「Shafty」は、Phishのグルーヴ志向をコンパクトに示す楽曲である。タイトルの響きには、ファンクや70年代のブラックスプロイテーション映画文化を連想させるニュアンスもあり、曲自体にもどこか粘り気のあるリズム感がある。ただしPhishは、そのような参照をそのまま模倣するのではなく、自分たち特有の脱力感と奇妙さを加えている。
音楽的には、抑制されたファンク・ロックであり、派手に盛り上がるよりも、リズムの反復と間合いが重視される。ベースは曲の中心であり、ドラムは細かなニュアンスでグルーヴを調整する。ギターは短いフレーズでリズムに切り込み、キーボードは曲に湿度と色を加える。スタジオ版では短くまとめられているが、曲の構造にはジャムへ発展する可能性が感じられる。
歌詞はPhishらしく、意味の明確さよりも音の面白さや雰囲気が優先されている。深いメッセージを読み解くというより、言葉がリズムの一部として機能する曲である。本作におけるファンク性を軽やかに提示する小品であり、アルバムの流れに緩やかな揺れを与えている。
7. Limb by Limb
「Limb by Limb」は、本作の中でも特に完成度の高い楽曲の一つであり、Phishのリズム感覚、メロディ、歌詞の不思議なイメージがバランスよく結びついている。タイトルは「手足ごとに」「枝ごとに」といった意味を持ち、身体が分解されていく感覚、または木の枝が広がっていくイメージの両方を含んでいる。身体と自然、分解と成長が重なるタイトルである。
音楽的には、Jon Fishmanのドラムが非常に重要である。細かく分割されたリズムが、曲に独特の浮遊感と推進力を与えている。ベースはそのリズムの中で柔軟に動き、ギターとキーボードがメロディと空間を作る。曲はポップな親しみやすさを持ちながら、リズム面ではかなり複雑で、単純なロック・ソングとは異なる立体感がある。
歌詞は、身体がばらばらになりながらも何かを求め続けるような、不安定で幻想的な感覚を持つ。これはPhishらしいナンセンスに見えるが、同時に自己の分裂や再構築の比喩として読むこともできる。The Story of the Ghost の中では、幽霊的な残像、身体性、変化というテーマがこの曲で強く交差している。ライヴでも重要な曲となり、スタジオ版はその緻密な原型を示している。
8. Frankie Says
「Frankie Says」は、アルバムの中でも穏やかでメロウな質感を持つ楽曲である。タイトルは、1980年代のポップ・カルチャーやスローガン的な言葉を連想させるが、Phishの文脈では、特定の意味に固定されないまま、柔らかな反復と曖昧なメッセージとして響く。歌詞には、自己確認や落ち着きを促すようなニュアンスがあり、アルバム中盤から後半にかけての休息点として機能している。
音楽的には、テンポはゆったりとしており、ギターとキーボードが柔らかな音像を作る。ベースとドラムも過度に前に出ず、曲全体を静かに支えている。Phishの音楽には、複雑な展開や長い即興だけでなく、このような穏やかな反復によって聴き手を包む側面がある。本曲はその代表的な例である。
歌詞の内容は明確なストーリーではなく、心を落ち着かせるような言葉の流れとして機能している。アルバム全体の中では、「Ghost」や「Meat」の身体的なグルーヴ、「Guyute」の構成的な緊張を経た後、より内面的で静かな空間を開く曲である。幽霊の物語が外側の出来事ではなく、心の中の残響であることを感じさせる。
9. Brian and Robert
「Brian and Robert」は、Phishのレパートリーの中でも非常に叙情的で、孤独感の強い楽曲である。タイトルは二人の人物名を並べたものだが、曲の主題は特定の人物の物語というより、孤立した個人が世界とつながろうとする感覚にある。Phishはしばしばユーモラスで共同体的なバンドとして語られるが、本曲ではその反対側にある静かな孤独が表れている。
音楽的には、アコースティックな響きと穏やかなメロディが中心である。演奏は抑制されており、派手な展開はない。そのぶん、歌詞の寂しさやメロディの繊細さが際立つ。Trey Anastasioのヴォーカルは、技巧的に歌い上げるのではなく、語りかけるような自然な表現を取っている。バンド全体も、曲の空気を壊さないように控えめに支えている。
歌詞には、自己表現、創作、承認への願い、孤独な生活の気配がにじむ。明るいジャム・バンドのイメージとは異なり、Phishの音楽にはこうした個人の内面を静かに見つめる曲も存在する。本作の中では、グルーヴ中心の流れに人間的な脆さを加える重要な曲である。
10. Water in the Sky
「Water in the Sky」は、カントリーやアメリカーナ的な軽やかさを持つ楽曲である。タイトルは「空の中の水」という詩的な表現で、雲、雨、自然循環、遠くの風景を連想させる。Phishの音楽には、ジャムやファンクだけでなく、アメリカのルーツ・ミュージックへの親しみも深く存在しており、本曲はその側面を簡潔に示している。
音楽的には、明るく素朴なアコースティック感があり、アルバム全体の中で風通しのよい場面を作っている。曲は短く、構成も比較的シンプルで、複雑さよりもメロディと雰囲気が重視されている。ベースとドラムは軽やかに曲を支え、ギターとキーボードが温かみを加える。
歌詞には自然のイメージがあり、都市的な不安やサイケデリックな混乱とは異なる、広い空間感覚がある。The Story of the Ghost の中では、幽霊的な内面世界から一時的に外の風景へ出るような曲である。アルバム後半に配置されることで、作品にアメリカーナ的な呼吸を与えている。
11. Roggae
「Roggae」は、アルバム後半の中でも特に深い余韻を持つ楽曲である。タイトルは「reggae」をもじったようにも見えるが、実際のサウンドは単純なレゲエではなく、ゆったりとしたリズム、浮遊感、メロウなメロディが組み合わされたPhish独自の世界である。言葉の響きからして、ジャンル名をずらし、別の架空の音楽へ変換するような遊びが感じられる。
音楽的には、スロウで広がりのある演奏が中心である。ギターは優しく、キーボードは空間を柔らかく満たし、ベースは曲に丸みを与える。ドラムは強く押し出すのではなく、ゆったりとした流れを作る。曲全体に漂う穏やかさは、Phishのメロディアスな側面を示しているが、その穏やかさの中にはどこか物悲しさもある。
歌詞は抽象的で、はっきりした物語よりも、感覚的なイメージを重ねていく。アルバムのタイトルにある「Ghost」の残響を考えると、この曲は消えていくもの、漂うもの、触れられないものへのまなざしとして聴くこともできる。派手な曲ではないが、アルバムの感情的な深みを担う重要な一曲である。
12. Wading in the Velvet Sea
「Wading in the Velvet Sea」は、The Story of the Ghost の中でも特に美しく、叙情的な楽曲である。タイトルは「ベルベットの海を歩く」という非常に詩的なイメージを持つ。ベルベットは柔らかく滑らかな質感を持つ素材であり、海は広がり、記憶、感情の深さを象徴する。したがってこのタイトルは、柔らかな感情の中をゆっくり進むような感覚を呼び起こす。
音楽的には、穏やかなテンポとメロディの美しさが中心にある。Page McConnellのヴォーカルが大きな特徴で、Trey Anastasioが歌う曲とは異なる柔らかさをもたらしている。キーボードの響きも印象的で、曲全体を温かく包み込む。ギター、ベース、ドラムは控えめながら、曲の流れを丁寧に支えている。
歌詞には、記憶、感情、距離、穏やかな悲しみが感じられる。Phishの楽曲としては非常にストレートに叙情的であり、ジャム・バンドの複雑さやユーモアよりも、歌そのものの美しさが前面に出ている。アルバム後半における感情的な山場であり、本作が単なるグルーヴ集ではなく、繊細な歌心も持っていることを示す曲である。
13. The Moma Dance
「The Moma Dance」は、本作の中でも最もファンク色が強く、Phishの1990年代後半のグルーヴを象徴する楽曲の一つである。タイトルは「moment ends」という言葉の変形に由来するような響きを持ち、瞬間が終わること、あるいは瞬間そのものを踊ることを示唆している。Phishの音楽において「瞬間」は非常に重要である。ライヴの即興は、その場で生まれ、その場で消えていく。本曲は、その儚さと身体性をファンク・グルーヴへ変換している。
音楽的には、ベースとドラムが作る太いグルーヴが中心である。ギターは鋭く刻み、キーボードはリズムの隙間に色を加える。曲全体が反復を基盤にしており、そこに少しずつ変化が加わることで、聴き手を踊らせながら深い集中へ導く。スタジオ版は比較的コンパクトだが、ライヴでは大きく展開する可能性を持つ。
歌詞は、明確な物語というより、言葉がリズムの一部として働いている。Phishのファンク曲では、歌詞は意味を運ぶだけでなく、グルーヴの構成要素になる。本曲はまさにその典型であり、The Story of the Ghost の身体的な核心を担っている。アルバム終盤に配置されることで、作品全体に再び強いグルーヴの軸を与えている。
14. End of Session
ラストを飾る「End of Session」は、タイトル通りセッションの終わりを示すような短い楽曲である。アルバム全体が、即興の断片、グルーヴ、幽霊的な残響を中心に構成されてきたことを考えると、この終曲は非常に象徴的である。大きな結論を提示するのではなく、録音された時間が静かに閉じていくような感覚がある。
音楽的には、穏やかで余白の多い小品であり、派手なクライマックスを避けている。Phishはしばしば、アルバムを劇的な終わりではなく、少し肩の力を抜いた余韻で締めくくる。本曲もその流れにあり、演奏者たちがスタジオでの時間を終え、音が空間に残っていくような印象を与える。
歌詞やタイトルの意味を考えると、本曲はアルバム制作そのものへのメタ的な視点を含んでいる。セッションが終わると、音は消える。しかし録音にはその痕跡が残る。その残された痕跡こそが、まさに「幽霊の物語」である。ラストにこの曲が置かれることで、本作はひとつの完成された物語であると同時に、消えていった演奏の記録として閉じられる。
総評
The Story of the Ghost は、Phishのスタジオ・アルバムの中でも、1990年代後半のファンク志向とスタジオ編集感覚を強く反映した作品である。初期の複雑なプログレッシヴ性、Rift のコンセプト性、Billy Breathes の歌もの志向とは異なり、本作ではグルーヴ、反復、余白、身体性が中心に置かれている。Phishのディスコグラフィにおいて、ライヴで培われた「揺れ」をスタジオ作品としてどのように定着させるかという問いに対する、一つの明確な回答である。
アルバム全体のテーマは、幽霊、残響、身体、共同体、記憶である。「Ghost」では見えない存在の気配がファンク・グルーヴとして提示され、「Birds of a Feather」では集まる者たちのエネルギーがロック的に表現される。「Meat」や「The Moma Dance」では身体性が前面に出て、「Frankie Says」「Brian and Robert」「Wading in the Velvet Sea」では内省的な感情や孤独が現れる。つまり本作は、踊れるアルバムでありながら、単なるパーティー・レコードではない。身体を動かす音楽の中に、消えていくものへのまなざしや、心の中に残る気配が漂っている。
音楽的には、Mike GordonとJon Fishmanのリズム隊が非常に重要である。PhishはTrey Anastasioのギターを中心に語られることも多いが、本作ではベースとドラムが作るグルーヴこそが作品の骨格になっている。Treyのギターは、主役として前面に出るだけでなく、リズムの隙間を刻み、曲の流れを調整する役割を担っている。Page McConnellのキーボードは、曲ごとに温度や色を変え、ファンク、メロウ、サイケデリック、アメリカーナの要素をつなぐ接着剤になっている。四人の関係性が、個人技ではなく有機的な循環として聴こえる点が、本作の大きな魅力である。
歌詞面では、Phishらしい抽象性とユーモアが保たれている。明確な物語を求めると、本作の歌詞はつかみにくい部分が多い。しかし、それは欠点ではなく、むしろ音楽と一体化した言葉のあり方である。「Ghost」「Meat」「Shafty」「The Moma Dance」などでは、言葉は意味を説明するより、リズムや質感を作るために存在している。一方で、「Brian and Robert」や「Wading in the Velvet Sea」では、より人間的で繊細な感情が表れる。この振れ幅が、アルバム全体を単調にしない。
スタジオ作品として見ると、本作はPhishのライヴの代替ではない。むしろ、ライヴで無限に変化する素材を、スタジオという場で一度切り取り、編集し、配置した作品である。そのため、長大な即興を期待するとコンパクトに感じられるかもしれない。しかし、そこにこそ本作の意義がある。反復されるグルーヴ、短い断片、余白のある演奏、曲間の空気が、一つのアルバムとして独自の流れを形成している。Phishの音楽が「演奏時間の長さ」だけで成立しているのではなく、短くまとめられてもなお独特の揺れを持つことを証明している。
日本のリスナーにとって The Story of the Ghost は、Phishを理解するうえでやや中級者向けの作品と言える。Billy Breathes のようにメロディアスで分かりやすいわけでも、Rift のように明確なコンセプト・アルバムとして把握しやすいわけでもない。本作の魅力は、曲の構成よりも、音の間合い、リズムの粘り、演奏の微妙な変化にある。そのため、ファンク、ジャズ・ロック、サイケデリック・ロック、ジャム・バンドのグルーヴに関心があるリスナーほど、深く楽しめる作品である。
歴史的には、本作は1997年前後のPhishがライヴで発展させたファンク志向を記録した重要なスタジオ・アルバムである。Grateful Dead以後のジャム・バンド文化を継承しながら、Phishはよりタイトで、時にミニマルで、リズム中心の即興へ接近していた。本作はその時期の空気を反映しており、バンドの長いキャリアの中でも特定のモードをよく示している。後年のPhishがより成熟した歌ものや開放的なジャムへ向かっていくことを考えると、本作は90年代後半の濃密なグルーヴ感を刻んだ記録として特に重要である。
総じて The Story of the Ghost は、Phishのスタジオ作品の中で最も身体的で、同時に最も幽霊的なアルバムの一つである。踊れるリズムがありながら、どこか実体がつかめない。ファンクの粘りがありながら、音の背後には消えていく即興の残像がある。明るく共同体的なエネルギーと、静かな孤独や記憶の気配が共存している。その曖昧さこそが、本作の魅力であり、タイトル通り「幽霊の物語」として聴くべき理由である。
おすすめアルバム
1. Phish – Billy Breathes
The Story of the Ghost の前作にあたるアルバムで、Phishのメロディアスで叙情的な側面が強く表れている。歌ものとしての完成度が高く、「Free」「Theme from the Bottom」「Waste」など、バンドの楽曲美を理解しやすい曲を収録している。The Story of the Ghost のグルーヴ志向と比較することで、1990年代後半のPhishがどれほど幅広い表現を持っていたかが分かる。
2. Phish – Farmhouse
1990年代末から2000年代初頭へ向かうPhishの、より落ち着いた歌心とアメリカーナ的な側面を示す作品である。The Story of the Ghost にあるファンク色はやや後退し、メロディや楽曲の親しみやすさが前面に出ている。近い時期のPhishを異なる角度から理解するために適したアルバムである。
3. Phish – Slip Stitch and Pass
ライヴ・バンドとしてのPhishの魅力をコンパクトに体験できるライヴ・アルバムである。スタジオ作品では整理されているグルーヴや即興性が、ライヴの場でどのように広がるかを確認できる。The Story of the Ghost の背景にある演奏文化を理解するうえで重要な一枚である。
4. Talking Heads – Remain in Light
ファンク、アフロビート、ロック、スタジオ編集感覚を結びつけた重要作であり、反復するグルーヴをロック・アルバムとして構築するという点で、The Story of the Ghost と比較しやすい。Phishとは音楽的な方法論は異なるが、リズムを中心に楽曲を組み立てる発想に共通点がある。
5. Grateful Dead – Blues for Allah
ジャム・バンド文化の源流であるGrateful Deadが、スタジオで実験性と即興性を結びつけた作品である。サイケデリック、ジャズ、フォーク、ロックが混ざり合い、スタジオ作品でありながらライヴ的な流動感を持っている。Phishが受け継いだジャム・バンド的な精神を、より歴史的な文脈で理解するために有効なアルバムである。
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