- 発売日: 2018年6月29日
- ジャンル: アート・ポップ、インディー・ロック、バロック・ポップ、ソウル、チェンバー・ポップ、オルタナティブ・ポップ
概要
Florence + The Machineの『High As Hope』は、2018年にリリースされた4作目のスタジオ・アルバムであり、フローレンス・ウェルチのキャリアにおいて最も内省的で、最も削ぎ落とされた作品のひとつである。2009年のデビュー作『Lungs』では、巨大なドラム、神話的なイメージ、ゴシックなロマンティシズムをまとったインディー・ロック／アート・ポップとして登場し、2011年の『Ceremonials』では、その祝祭性と荘厳さをさらに拡大した。2015年の『How Big, How Blue, How Beautiful』では、ブラスやロック的なダイナミズムを取り入れながら、恋愛、喪失、自己破壊をより直接的に描いた。そして『High As Hope』では、それまでの壮大な音響を一度解体し、声、言葉、空間、沈黙に重心を置いている。
本作の最大の特徴は、スケールの大きさではなく、裸に近い感情の近さである。Florence + The Machineといえば、教会の天井まで届くようなコーラス、嵐のようなドラム、神話や宗教画を思わせる歌詞世界が印象的だった。しかし『High As Hope』では、そうした巨大なドラマ性が抑えられ、フローレンス自身の個人的な記憶、家族、身体、摂食、アルコール、孤独、名声、若い頃の自己破壊、そして希望への不器用な接近が前面に出る。アルバム・タイトルは「希望ほど高く」と訳せるが、ここでの希望は単純な明るさではない。深い落下を経験した者が、それでもわずかな光へ手を伸ばすような感覚である。
制作面でも、本作はフローレンス・ウェルチ自身がより強く関与した作品である。彼女は本作で初めて共同プロデューサーとして大きな役割を担い、Emile Haynieらと共に、過去作よりも余白の多い音像を作り上げた。ストリングス、ピアノ、ハープ、ブラス、控えめなパーカッション、コーラスが配置されているが、それらは大きな壁のように迫るのではなく、フローレンスの声と言葉を支えるために存在している。曲によっては、ほとんど日記のような近さがあり、豪華なアート・ポップというより、祈りや告白に近い。
歌詞の面では、本作は極めて自伝的である。「Hunger」では若い頃の摂食障害や愛への飢えが語られ、「Grace」では妹への謝罪と愛が描かれ、「Patricia」ではPatti Smithへの敬意が歌われる。「South London Forever」ではロンドン南部での若い日々、酒、詩、友情、失われた時間が回想され、「No Choir」では幸福が壮大な歌になりにくいことが静かに認められる。フローレンスはここで、過去の作品に多かった神話的な比喩だけに頼らず、自分の人生の具体的な断片を歌にしている。
Florence + The Machineのキャリアにおける『High As Hope』の位置づけは、拡大から縮小への転換である。ただし、それは後退ではない。むしろ、これまで外側へ向かって膨張していた音楽が、内側へ深く潜っていく作品である。『Ceremonials』のような水の中の神殿、『How Big, How Blue, How Beautiful』のような広い空に比べると、『High As Hope』は小さな部屋、台所、夜道、家族への電話、古い街角、鏡の前の身体を思わせる。神話は日常へ降りてきて、女神のように歌っていたフローレンスは、ここでより人間として歌っている。
日本のリスナーにとって本作は、Florence + The Machineの派手な代表曲を期待すると、やや静かに感じられるかもしれない。しかし、歌詞を読みながら聴くことで、その奥行きは大きく変わる。『High As Hope』は、強い声を持つアーティストが、その声を大きく使うのではなく、弱さを見せるために使ったアルバムである。壮大なアンセムよりも、回復途中の人間の呼吸、過去への謝罪、自分を許そうとする試みが中心にある。Florence + The Machineのディスコグラフィの中でも、最も静かに、しかし深く響く作品である。
全曲レビュー
1. June
オープニング曲「June」は、『High As Hope』全体の空気を静かに立ち上げる楽曲である。タイトルの「June」は6月を意味し、夏の始まり、明るさ、記憶、そして個人的な時間の節目を連想させる。しかし曲調は単純に明るくはなく、むしろ何かを回想しながら、その記憶に圧倒されているような感覚がある。
歌詞では、若い頃の不安、世界の混乱、愛への渇望が断片的に描かれる。フローレンスはここで、個人的な記憶と社会的な不穏さを重ね合わせる。世界が壊れそうな時代に、自分の身体や心も揺れている。その感覚は、本作全体に流れるテーマである。希望を求めることは、明るい場所から始まるのではなく、不安の中から始まる。
音楽的には、冒頭から余白が大きい。ピアノや柔らかな音の層が、フローレンスの声を包むように配置される。過去作のように最初から大きなドラムやコーラスで押し寄せるのではなく、声がゆっくりと空間に立ち上がる。やがて曲は広がりを見せるが、その高揚は爆発的というより、祈りが少しずつ強くなるようなものだ。
フローレンスのヴォーカルは、ここで非常に重要である。彼女はいつものように大きく歌い上げることもできるが、この曲では声の強さと脆さが同時に表れている。巨大な声が、傷ついた記憶を抱えている。その対比が、『High As Hope』の方向性を示している。
「June」は、アルバムの導入として、希望と不安、記憶と現在、個人と世界を結びつける楽曲である。フローレンスはここで、壮大な物語ではなく、自分自身の内側にある揺れからアルバムを始めている。
2. Hunger
「Hunger」は、『High As Hope』の中でも最も重要な楽曲のひとつであり、アルバムのテーマを非常に明確に示している。タイトルは「飢え」を意味し、歌詞では摂食障害、愛への渇望、承認欲求、若い頃の自己破壊が結びつけられる。フローレンスはここで、身体的な飢えと精神的な飢えを同じ線上に置く。
冒頭の歌詞では、17歳の頃の自分が食べないことで愛を得ようとしていたことが率直に語られる。この告白は非常に強い。フローレンスは摂食障害を単なる個人的な問題としてではなく、愛されたい、見られたい、何かで空虚を埋めたいという普遍的な飢えと結びつけている。そのため「Hunger」は、個人の告白でありながら、現代社会に生きる多くの人が抱える欠落感の歌にもなっている。
音楽的には、アルバムの中でも比較的ポップで、開けたメロディを持つ。リズムは軽やかで、サビは非常にキャッチーである。しかし、その明るさは歌詞の重さを消すためではなく、むしろ強調するために機能している。苦しみを暗いバラードとしてではなく、踊れるようなポップ・ソングとして提示することで、飢えが日常に溶け込んでいることが見えてくる。
フローレンスの歌唱は、ここで非常に開放的である。彼女は痛みを隠さず、しかしそれに沈み込まずに歌う。サビの「We all have a hunger」という感覚は、個人の秘密を共同体の真実へ変える。自分だけが飢えているのではない。誰もが何かを欲し、何かで空白を埋めようとしている。その認識が曲に救いを与える。
「Hunger」は、本作の核心である。自己破壊、身体、愛、欲望、回復が、アート・ポップとして非常に分かりやすく、かつ深く表現されている。Florence + The Machineの中でも特に重要な楽曲である。
3. South London Forever
「South London Forever」は、フローレンス・ウェルチの個人的な記憶が最も鮮やかに描かれた楽曲のひとつである。タイトルが示す通り、ロンドン南部という具体的な場所が中心にあり、若い頃の夜、酒、友人、詩、街角、自由と不安が回想される。『High As Hope』が自伝的なアルバムであることを強く印象づける曲である。
歌詞では、若いフローレンスがロンドン南部を歩き、飲み、語り、詩を書き、夜の中で自分を探していた時間が描かれる。そこにはロマンティックな懐かしさがあるが、同時に、失われた時間への痛みもある。若さは自由だったが、同時に危うく、自己破壊的でもあった。この曲は、その両方を見つめている。
音楽的には、ピアノを中心にした柔らかなアレンジで、曲は回想のように流れる。大きなドラムや派手な展開は少なく、歌詞の情景を聴かせる構成になっている。フローレンスの声は、過去を美化しすぎず、しかし完全に突き放すこともなく歌う。その曖昧な距離が魅力である。
この曲の重要な点は、場所が感情の器になっていることだ。South Londonは単なる地名ではなく、若い日の自分、友人たち、恋愛、詩、酒、夜、まだ何者でもなかった時間の象徴である。都市は記憶を保存する。フローレンスはその場所に戻ることで、自分が何を失い、何を生き延びたのかを確認している。
「South London Forever」は、Florence + The Machineの中でも最も具体的で、生活感のある楽曲である。神話や宗教的なスケールから離れ、実際の街と過去の自分を歌うことで、本作の親密さを大きく深めている。
4. Big God
「Big God」は、アルバムの中でも特に重く、儀式的な響きを持つ楽曲である。タイトルは「大きな神」を意味するが、ここでの神は宗教的な救済者というより、空白を埋めるために必要とされる巨大な存在として描かれる。歌詞では、愛の欠落、相手からの不在、満たされない欲望が、神を求めるような強い感情へ変わっている。
この曲の面白さは、恋愛の欠落が宗教的なスケールへ拡大される点にある。相手から返事がない、愛されている実感がない。その空白は、単なる恋愛の不安を超えて、神の不在のように感じられる。フローレンスはしばしば恋愛を神話的・宗教的なイメージへ変換してきたが、「Big God」ではその変換が非常に暗く、重く表れている。
音楽的には、ピアノと低いリズム、広い空間が印象的である。曲は派手に展開するのではなく、重い足取りで進む。Kamasi Washingtonによるサックスが加わり、楽曲にはジャズ的で儀式的な深みが生まれている。音数は多くないが、一つひとつの音が非常に重い。
フローレンスのヴォーカルは、ここで祈りと怒りの中間にある。彼女は神を呼んでいるようであり、相手を求めているようでもあり、自分の中の巨大な空白に向かって叫んでいるようでもある。この多義性が曲を強くしている。
「Big God」は、本作の中で最も暗く、荘厳な楽曲のひとつである。愛の不在を宗教的なスケールへ拡大し、Florence + The Machineらしい神話性を、より抑制された音像の中で表現している。
5. Sky Full of Song
「Sky Full of Song」は、『High As Hope』の中でも特に静かで、疲労と祈りが混ざった楽曲である。タイトルは「歌で満ちた空」を意味し、非常に美しいイメージだが、曲の内容は単純な高揚ではない。むしろ、長く歌い続け、走り続けた後に訪れる疲れ、地上へ戻りたいという願いが中心にある。
歌詞では、フローレンスが高く上がりすぎた状態、つまり名声、ツアー、感情の高揚、自己陶酔から降りたいと願うような感覚が描かれる。空は自由で美しい場所である一方、そこに居続けることは孤独で危険でもある。この曲では、上昇よりも下降が求められている。地面に戻り、身体を取り戻し、静けさを得たいという願いがある。
音楽的には、非常に抑制されている。ピアノとストリングス、柔らかな音の層がフローレンスの声を支える。大きなビートはなく、曲はまるで空中に浮かんだままゆっくり下降するように進む。沈黙や余白が大きな役割を持っている。
フローレンスの歌唱は、ここで力強さよりも疲労を表現している。彼女の声は依然として美しいが、そこには消耗がある。これは非常に重要である。過去作で圧倒的な声の力を見せてきたフローレンスが、本作ではその声の疲れや脆さも隠さない。
「Sky Full of Song」は、『High As Hope』の内省性を象徴する楽曲である。歌うことの喜びだけでなく、歌い続けることの重さを描いている。空に満ちた歌の中で、地上へ戻ろうとする曲である。
6. Grace
「Grace」は、フローレンスの妹への謝罪と愛を歌った、非常に個人的な楽曲である。タイトルの「Grace」は妹の名前であると同時に、英語で「恩寵」「優雅さ」「赦し」を意味する言葉でもある。この二重性が曲に深い意味を与えている。家族への具体的な歌でありながら、赦しを求める祈りとしても響く。
歌詞では、フローレンスが過去の自分の行動、特に酒や自己破壊によって妹を傷つけたことへの後悔を語る。これは非常に率直な謝罪の歌である。恋人への歌ではなく、家族への歌である点も重要である。Florence + The Machineの楽曲では、愛がしばしばドラマティックで神話的に描かれてきたが、ここでは愛は非常に現実的で、傷つけた相手に謝ることとして表れる。
音楽的には、ピアノを中心にした静かな始まりから、徐々に広がっていく。曲は大きな感情を持つが、過度に演劇的にはならない。フローレンスの声は、強いが、どこか震えているようにも聞こえる。彼女は自分を美しく見せるためではなく、自分の失敗を認めるために歌っている。
「Grace」という名前が持つ意味は、曲全体に作用している。妹への呼びかけは、同時に赦しへの願いでもある。自分の過去を消すことはできないが、それでも関係を修復したい。その願いが、曲を非常に人間的なものにしている。
「Grace」は、『High As Hope』の中でも最も率直で、傷つきやすい楽曲のひとつである。家族、謝罪、赦しというテーマを通じて、本作の内省的な核心を深く示している。
7. Patricia
「Patricia」は、Patti Smithへのオマージュとして書かれた楽曲であり、フローレンス・ウェルチが影響を受けた女性アーティストへの敬意を表す曲である。タイトルの「Patricia」はPatti Smithの本名Patricia Lee Smithを指しており、曲全体は彼女へのラブレターのように響く。ただし、ここでの愛は単なるファンとしての憧れではなく、女性アーティストとして生き延びるための精神的な支えへの感謝である。
歌詞では、Patti Smithがフローレンスにとってどのような存在であったかが描かれる。強く、詩的で、自由で、神秘的で、同時に人間的なアーティストとしてのPatti Smithは、フローレンスにとって一つの指標である。この曲は、女性が音楽と詩を通じて自分の声を見つける系譜を示している。
音楽的には、本作の中でも比較的リズムがあり、前へ進む力を持つ。ドラムとピアノ、コーラスが曲を支え、フローレンスの声は感謝と高揚を帯びている。暗い内省が多いアルバムの中で、「Patricia」は敬意と祝福の感覚を持つ曲である。
重要なのは、フローレンスがPatti Smithを神格化しすぎず、むしろ生きた影響として歌っている点である。過去の偉大な女性アーティストを参照することは、自分自身の場所を確認することでもある。Florence + The Machineの音楽における詩性、身体性、宗教的イメージ、ロックと文学の結びつきは、Patti Smithの影響と深く響き合う。
「Patricia」は、『High As Hope』の中で外部への愛と敬意を示す楽曲である。個人的な苦しみだけに閉じこもらず、自分を導いた声へ感謝を捧げることで、アルバムに大きな文脈を与えている。
8. 100 Years
「100 Years」は、時間、抵抗、記憶、集団的な力をテーマにした楽曲である。本作の中では比較的リズムが強く、身体的なエネルギーを持つ曲であり、フローレンスの歌声もより力強く前へ出る。タイトルの「100 Years」は、個人の時間を超えた長い歴史や、続いていく闘いを連想させる。
歌詞では、個人的な感情と社会的な不安が重なる。フローレンスはここで、自分の内面だけではなく、より広い世界の中で生きる身体として歌っている。愛や希望は、個人の感情であると同時に、長い時間の中で受け継がれる力でもある。100年という時間の長さは、個人の苦しみを超えた視野を与える。
音楽的には、パーカッションと手拍子のようなリズムが印象的で、曲には儀式的なエネルギーがある。Florence + The Machineの過去作にあった祝祭性が、本作の抑制された音像の中で再び現れる。ただし、それは『Ceremonials』のような巨大な水の神殿ではなく、より地上的で、身体的な集まりのように響く。
フローレンスのヴォーカルは、ここで力強く、呼びかけるようである。内省的な曲が多い『High As Hope』の中で、「100 Years」は外へ向かう力を持つ。自分の痛みを抱えながらも、世界の中で立ち上がる感覚がある。
「100 Years」は、本作において重要なバランスを担う楽曲である。個人的な告白が続く中で、歴史や集団性への視点を開き、アルバムに広がりを与えている。
9. The End of Love
「The End of Love」は、アルバムの終盤に置かれた長めの楽曲であり、喪失、家族、死、愛の終わりを深く見つめる作品である。タイトルは「愛の終わり」を意味するが、ここでの終わりは単なる恋愛の破局ではない。家族史、祖母の死、世代を超える記憶、愛が形を変えることが含まれている。
歌詞では、フローレンスの家族にまつわる記憶や、死に近づく感覚が語られる。愛は永遠に続くものではなく、身体の死や時間によって形を変える。しかし、それでも完全に消えるわけではない。この曲は、その複雑な感覚を非常に静かに描いている。
音楽的には、ピアノとストリングスを中心に、ゆっくりとした広がりを持つ。曲はドラマティックではあるが、過去作のような爆発的なカタルシスを目指さない。むしろ、静かに深い場所へ降りていく。フローレンスの声は、ここで非常に落ち着いており、死や喪失を正面から見つめている。
この曲の重要性は、愛の終わりを絶望としてだけ描かない点にある。終わりは痛みを伴うが、それは同時に、愛が別の形で記憶に残ることでもある。『High As Hope』というアルバム全体が、過去を否定するのではなく、過去と共に生きる方法を探しているとすれば、「The End of Love」はその深い到達点である。
「The End of Love」は、本作の中でも最も重く、美しい楽曲のひとつである。家族、死、記憶、愛の変容を、静かなアート・ポップとして表現している。
10. No Choir
アルバムの最後を飾る「No Choir」は、『High As Hope』の結論として非常に重要な楽曲である。タイトルは「聖歌隊はない」という意味を持ち、Florence + The Machineの過去作における壮大なコーラスや祝祭性を思うと、象徴的な言葉である。ここでは、幸福や静かな安定は、大きな聖歌隊によって歌われるような劇的なものではないと認められる。
歌詞では、幸せな日々は曲になりにくいという感覚が語られる。悲しみや破壊、失恋や混乱はドラマになりやすい。しかし、穏やかで健康的で、何も大きな事件が起きない幸福は、歌にしにくい。フローレンスはここで、芸術と苦しみの関係を静かに問い直している。自分は苦しみから歌を作ってきたが、もし穏やかになったら、そこに歌はあるのか。その問いが非常に重要である。
音楽的には、非常にシンプルで、ほとんど室内的な雰囲気を持つ。大きなドラムも、巨大なコーラスもない。声と控えめな伴奏が中心で、アルバムは静かに閉じられる。これは過去のFlorence + The Machineの壮大な終曲とは大きく異なる。まさに「No Choir」である。
フローレンスの歌唱は、ここで最も人間的に響く。彼女は大きな女神のように歌うのではなく、一人の人間として、幸福と創作の関係を考えている。劇的な苦しみがない場所にも、静かな歌はある。その可能性を探るような終曲である。
「No Choir」は、『High As Hope』の核心的な結論である。希望は壮大な祝祭ではなく、静かで、日常的で、時に歌になりにくいものとして存在する。この曲によって、アルバムは過去の痛みから小さな平穏へ向かう。
総評
『High As Hope』は、Florence + The Machineのディスコグラフィの中でも、最も内面的で、最も削ぎ落とされたアルバムである。『Lungs』や『Ceremonials』で提示された巨大な音の祝祭、神話的なイメージ、ゴシックなロマンティシズムは、本作では大きく抑えられている。その代わりに、フローレンス・ウェルチ自身の記憶、身体、家族、依存、摂食、名声、後悔、赦し、希望が、非常に近い距離で語られる。
本作の最大の価値は、フローレンスが自分の神話を解体している点にある。彼女はこれまで、巨大な声と劇的な比喩によって、まるで神話の登場人物のように歌ってきた。しかし『High As Hope』では、彼女は自分を美しく飾るよりも、自分の傷を正直に見せることを選ぶ。「Hunger」では身体と愛への飢えを、「Grace」では妹への謝罪を、「South London Forever」では若い頃の自己破壊的な自由を、「Sky Full of Song」では歌い続けることの疲労を歌う。これは、弱さを見せることでしか到達できない強さである。
音楽的にも、本作は非常に抑制されている。ピアノ、ストリングス、ハープ、ブラス、控えめなパーカッションは、過去作のように巨大な壁を作るのではなく、声と言葉のための余白を作る。音数が少ないため、フローレンスの歌詞がより直接的に届く。彼女の声は依然として圧倒的だが、本作ではその圧倒性が、爆発ではなく震えや息遣いにも宿っている。
歌詞の面では、自伝性が非常に強い。これまでの作品にも個人的な要素はあったが、本作ほど具体的に家族や年齢、場所、身体の問題が語られるアルバムは少ない。その結果、Florence + The Machineの音楽は、幻想的なスケールを保ちながらも、より生活の近くへ降りてきた。神話と日記が同じ場所にあるような作品である。
『High As Hope』は、幸福についてのアルバムでもある。ただし、それは華やかな幸福ではない。むしろ、幸福が歌になりにくいこと、回復が劇的ではないこと、希望が静かで不完全であることを認めるアルバムである。「No Choir」はその結論を最も美しく示している。苦しみは大きな歌になりやすい。しかし、穏やかな日常や回復の途中には、大きな聖歌隊はない。それでもそこに価値がある。この認識は、本作を非常に成熟した作品にしている。
日本のリスナーにとって本作は、Florence + The Machineの派手なアンセム性よりも、歌詞と声の内面性を味わうアルバムとして聴くべき作品である。英語詞を読みながら聴くと、フローレンスの言葉の率直さと詩的な美しさがより深く伝わる。特に、自己破壊や依存、家族への後悔、若い頃の痛みを抱えながらも、少しずつ希望へ向かおうとする姿勢は、文化を超えて響く。
総じて『High As Hope』は、Florence + The Machineが壮大さを手放すことで、より深い場所へ到達したアルバムである。声を大きく響かせるのではなく、声の奥にある傷を聴かせる。神話ではなく記憶を、祝祭ではなく回復を、絶望ではなく静かな希望を歌う。Florence + The Machineの成熟を示す、非常に重要な作品である。
おすすめアルバム
1. Florence + The Machine – How Big, How Blue, How Beautiful（2015）
『High As Hope』の前作にあたり、恋愛の崩壊、自己破壊、回復への過程をよりダイナミックなロック／ブラス・アレンジで描いた作品。『High As Hope』の内省性の前段階として重要であり、フローレンスが個人的な痛みをより直接的に歌い始めたアルバムである。
2. Florence + The Machine – Ceremonials（2011）
Florence + The Machineの壮大で儀式的な側面が最も強く出た作品。巨大なドラム、コーラス、宗教的・水のイメージが特徴で、『High As Hope』の削ぎ落とされた音像と対照的に聴ける。フローレンスの神話的な表現を知るうえで重要である。
3. Florence + The Machine – Lungs（2009）
デビュー作であり、フローレンスの荒々しい想像力とインディー・ロック的な初期衝動が詰まった作品。「Dog Days Are Over」などを収録し、彼女の声と詩的世界が最初に大きく開いたアルバムである。『High As Hope』の成熟と比較すると、初期の爆発力がよく分かる。
4. Patti Smith – Horses（1975）
「Patricia」で敬意を捧げられているPatti Smithの代表作。詩、ロック、祈り、女性アーティストとしての自己表現が結びついた歴史的作品であり、フローレンスの詩的で身体的な歌唱の背景を理解するうえで非常に重要である。
5. Kate Bush – The Sensual World（1989）
文学的な歌詞、身体性、女性の内面、アート・ポップとしての緻密な構成が特徴の作品。Florence + The Machineの劇的で詩的なポップ表現と深く関連する。『High As Hope』の内省的で成熟した側面に惹かれるリスナーに適した関連作である。
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