発売日：2023年8月18日
ジャンル：オルタナティヴ・ソウル / フォーク・ロック / インディー・ロック / ブルース / ゴスペル / アート・ポップ
概要
Unreal Unearthは、アイルランド出身のシンガーソングライター、Hozierが2023年に発表した3作目のスタジオ・アルバムである。2014年のデビュー・アルバムHozier、2019年のWasteland, Baby!に続く本作は、Hozierの音楽的・文学的な志向が最も大きなスケールで結実した作品といえる。ブルース、ソウル、フォーク、ゴスペル、ロックを基盤にしながら、神話、詩、宗教的イメージ、歴史、愛、喪失、暴力、再生を重ね合わせる彼の作風は、本作でさらに濃密になっている。
アルバム全体の大きな着想源として重要なのが、ダンテ・アリギエーリの『神曲』、特に「地獄篇」である。Unreal Unearthは、地獄の各圏を直接的に再現するコンセプト・アルバムというより、ダンテ的な下降と通過の構造を用いて、人間の愛、罪、欲望、痛み、記憶、社会的暴力を探る作品である。タイトルの“Unreal”は非現実、夢、幻影を、“Unearth”は掘り起こす、地中から取り出すという意味を持つ。つまり本作は、現実離れした感情や神話的イメージを使いながら、地中に埋もれた真実、記憶、傷を掘り起こすアルバムだといえる。
Hozierのキャリアにおいて、本作は重要な転換点である。デビュー時の「Take Me to Church」は、宗教的言語と身体的な愛、制度批判を結びつけた楽曲として世界的に注目された。その後のWasteland, Baby!では、終末的な世界観と恋愛、社会不安が重ねられた。Unreal Unearthでは、そうしたテーマがさらに文学的で、構造的な形へ発展している。愛は単なる救済ではなく、堕落、執着、記憶、犠牲、社会的な抵抗とも結びつく。宗教的イメージも、信仰の肯定や否定という単純な形ではなく、人間が苦しみを理解するための象徴体系として使われている。
音楽的にも、本作はHozierの幅広さを示している。アイルランド語を用いた楽曲、ブルースに根差したギター、ゴスペル的なコーラス、ソウルフルなヴォーカル、フォーク的な物語性、シネマティックなストリングス、現代的なポップ・プロダクションが混ざり合う。Hozierの声は、低く深い語り口から、強く開かれたソウル・シンガー的な高揚まで幅広く変化し、アルバムの重厚なテーマを支えている。
本作で特に印象的なのは、個人的な感情と社会的・歴史的な視点が切り離されていない点である。恋愛の歌であっても、そこには移民、労働、戦争、言語、故郷、死者の記憶が入り込む。Hozierは愛を私的な感情としてだけでなく、世界の暴力に対抗するもの、あるいはその暴力によって傷つけられるものとして描く。したがってUnreal Unearthは、ラヴソング集であり、社会批評であり、神話的な旅でもある。
全曲レビュー
1. De Selby (Part 1)
アルバム冒頭の「De Selby (Part 1)」は、静かで神秘的な導入曲である。タイトルのDe Selbyは、アイルランドの作家Flann O’Brienの作品に登場する架空の思想家を想起させる。De Selbyは奇妙な宇宙観や時間観を持つ人物として知られ、Hozierはその名を使うことで、アルバムの入口を現実と非現実の境界へ置いている。
この曲では、暗闇、眠り、自己の溶解が重要なテーマとなる。歌詞には、愛する相手の中へ沈み込むような感覚があり、それはロマンティックであると同時に、自我を失う危険も含んでいる。英語だけでなくアイルランド語が用いられている点も重要で、Hozierのルーツ、言語、土地との関係が静かに示される。
音楽的には、アコースティックな響きと合唱的な重なりが中心で、アルバム全体の下降の始まりを告げる。派手なオープニングではなく、地下へ降りていくような曲であり、Unreal Unearthの神話的な構造を示す序章として機能している。
2. De Selby (Part 2)
「De Selby (Part 2)」は、前曲の静けさから一転し、リズムとグルーヴを持った楽曲として展開する。Part 1が夢や暗闇への沈降だとすれば、Part 2はその中で身体が動き出す場面である。Hozierらしいブルース、ソウル、ロックの混合がここで明確になる。
歌詞では、闇の中で自分と相手の境界が曖昧になっていく。愛する人の存在が、自己を映す鏡であると同時に、自己を消し去る力にもなる。この感覚は、Hozierのラヴソングにしばしば見られる。愛は祝福であるが、同時に危険な変容でもある。
音楽的には、ベースとドラムの推進力が強く、ヴォーカルもより肉体的である。Part 1の霊的な雰囲気と対になり、魂と身体、夢と現実、静と動が連続していることを示す。アルバムの本編へ入るための第二の扉として重要な楽曲である。
3. First Time
「First Time」は、Hozierのロマンティックな作風がよく表れた楽曲である。タイトルは「初めて」を意味するが、ここで描かれるのは単純な初恋や出会いではない。人生の中で何度も訪れる再生の瞬間、誰かによって世界が新しく見える感覚が中心にある。
歌詞では、相手の存在によって自分が生き返るような体験が描かれる。Hozierは愛をしばしば宗教的・自然的なイメージで表現するが、この曲でも花、土、死、再生のイメージが重なる。愛は清らかなものではなく、腐敗や死を通じて芽吹くものでもある。その視点がHozierらしい。
音楽的には、比較的明るいメロディと温かいバンド・サウンドが印象的で、アルバムの重いテーマの中に柔らかな光を差し込む役割を持つ。だが、軽やかな曲調の奥には、死と再生の循環がある。ポップに聴きやすい一方で、歌詞の深度が高い楽曲である。
4. Francesca
「Francesca」は、ダンテ『神曲』との関係が特に明確な楽曲である。フランチェスカ・ダ・リミニは「地獄篇」に登場する人物で、不義の愛によって罰を受ける存在として描かれる。Hozierはこの物語を、罪や罰の視点ではなく、愛の強さと反復する選択の視点から再解釈する。
歌詞の核心は、どれほど苦しむことになっても、同じ愛をもう一度選ぶという姿勢である。これは非常にHozierらしい。愛は社会的・宗教的な規範から見れば罪かもしれないが、当事者にとっては生の真実である。罰を受けるとしても、その愛を否定しないという態度が、曲全体を強く支えている。
音楽的には、ロック色が強く、ドラムとギターが感情を押し上げる。サビではHozierの声が大きく開き、運命に抗うような高揚を生む。本作の中でも特に力強い楽曲であり、文学的な題材を現代的なロック・アンセムへ変換した成功例である。
5. I, Carrion (Icarian)
「I, Carrion (Icarian)」は、ギリシャ神話のイカロスを想起させる楽曲である。イカロスは蝋の翼で太陽へ近づきすぎ、墜落した人物として知られる。タイトルの“Carrion”は腐肉を意味し、“Icarian”はイカロス的なものを指す。飛翔と墜落、美しさと死体のイメージが並置されている。
歌詞では、愛によって高く持ち上げられる感覚と、その結果として落下する危険が描かれる。Hozierは愛を安全な場所としてだけでなく、人間を限界まで高め、同時に破壊しうる力として描く。この曲では、その二面性が非常に繊細に表現されている。
音楽的には、穏やかなフォーク・バラードに近く、メロディは柔らかい。だが、歌詞には死や腐敗のイメージが含まれ、単なる美しいラヴソングにはならない。Hozierの声も抑制されており、空中に浮かぶような軽さと、地面へ引き戻される重さが共存している。
6. Eat Your Young
「Eat Your Young」は、本作の中でも特に社会批評性の強い楽曲である。タイトルは「若者を食らう」という意味を持ち、世代間搾取、資本主義、戦争、貪欲、未来の消費を暗示する。Hozierはここで、個人の罪ではなく、社会全体が若い世代や弱い立場の人々を犠牲にして維持される構造を批判している。
音楽的には、ダークで官能的なグルーヴを持つ。ベースは重く、リズムは粘り気があり、Hozierの声には皮肉な色がある。社会批判をストレートなフォーク・プロテストとしてではなく、誘惑的なソウル／ロックとして表現している点が重要である。悪を外側から糾弾するのではなく、悪の魅力や快楽を音楽の中に取り込むことで、その危険性を浮かび上がらせている。
歌詞では、食欲や消費のイメージが政治的・経済的な暴力と結びつく。未来を食べる社会、若者を犠牲にする権力、利益のために命を消費する構造が描かれる。Hozierの社会批評の鋭さがよく表れた楽曲である。
7. Damage Gets Done feat. Brandi Carlile
「Damage Gets Done」は、Brandi Carlileを迎えた楽曲で、アルバムの中でも比較的開放的でノスタルジックな響きを持つ。HozierとBrandi Carlileの声はどちらも強い物語性を持っており、二人のデュエットによって青春、無謀さ、失われた時間への回想が豊かに表現される。
歌詞では、若い頃の自由、貧しさ、無計画さ、そしてそれでも確かに存在した喜びが描かれる。タイトルの「Damage Gets Done」は、傷はついてしまう、損なわれることは避けられないという意味を持つ。しかし曲全体は悲観的ではない。むしろ、傷つくことも含めて生きた時間だったという肯定がある。
音楽的には、80年代的なポップ・ロックの明るさも感じられ、アルバム内で軽やかな位置を占める。重厚な神話的楽曲が多い中で、この曲は人間的で日常的な記憶を持ち込み、作品全体に温度を与えている。
8. Who We Are
「Who We Are」は、自分たちが何者であるかを問う楽曲である。Hozierの作品では、個人のアイデンティティは固定されたものではなく、愛、喪失、歴史、暴力、土地、記憶によって形作られる。この曲では、その問いが大きなスケールのバラードとして表現される。
歌詞には、苦しみを通じて自分たちが何者かを知るという感覚がある。人は幸福だけで形作られるのではなく、失敗、傷、失われたものによっても定義される。Hozierはそこに悲観だけでなく、ある種の尊厳を見出す。
音楽的には、ピアノとストリングス的な広がり、強いヴォーカルが中心で、サビでは大きな感情の波が作られる。Hozierの声は、ここで特にドラマティックに響く。アルバムの中盤に置かれることで、個人的な旅がより普遍的な問いへ広がっていく役割を持つ。
9. Son of Nyx
「Son of Nyx」は、インストゥルメンタルに近い間奏的な楽曲であり、アルバムの構造上重要な転換点である。Nyxはギリシャ神話における夜の女神であり、その息子たちは死、眠り、運命などと結びつく存在を含む。タイトルからして、闇、夜、神話的深淵への接近が示される。
音楽的には、声よりも音響の空間が中心で、ストリングスやアンビエント的な響きが用いられる。これは通常のポップ・ソングというより、アルバムの地獄巡りの中で場面を変えるための音楽である。聴き手はここで一度、歌詞中心の理解から離れ、音の暗い空間へ沈む。
この曲は、Unreal Unearthが単なる曲集ではなく、アルバム全体の流れを意識した作品であることを示している。Hozierは物語的な構成を重視しており、「Son of Nyx」はその構成を支える重要な間奏である。
10. All Things End
「All Things End」は、本作の中でも特に重要な楽曲の一つである。タイトルは「すべてのものは終わる」という意味を持ち、喪失、別れ、死、有限性を扱う。だが、この曲は単なる絶望ではない。すべてが終わるからこそ、それでも愛することに意味があるという視点がある。
音楽的には、ゴスペル的なコーラスが非常に印象的である。Hozierの声と合唱の重なりによって、個人的な悲しみが共同体的な祈りへと変化する。死や終わりを扱いながら、曲には温かい高揚がある。
歌詞では、関係が終わること、人生が終わること、あらゆるものが有限であることが語られる。しかし、有限性は愛の否定ではない。むしろ、終わると分かっていても人は愛し、歌い、結びつく。Hozierの宗教的イメージの使い方が非常に美しく表れた楽曲である。
11. To Someone from a Warm Climate (Uiscefhuaraithe)
「To Someone from a Warm Climate (Uiscefhuaraithe)」は、親密で繊細なバラードである。副題の“Uiscefhuaraithe”はアイルランド語で、冷やされた水、冷たい水に関わる語感を持つ。暖かい気候から来た誰かに、寒さや冷たさを説明するような曲であり、気候、身体感覚、親密さが重なる。
歌詞では、寒さを知らない相手に、冷たさがどのように身体へ入り込むかを伝えるような語りがある。これは単なる気候の説明ではなく、異なる背景を持つ者同士が、互いの感覚を理解しようとする親密な行為である。愛とは、相手の世界を完全には知らなくても、それを想像しようとすることでもある。
音楽的には、静かで柔らかく、声の細かな表情が重要である。Hozierの低い声が穏やかに響き、アルバムの重いテーマの中で非常に個人的な空間を作る。アイルランド語の使用も、土地、言語、記憶の重要性を示している。
12. Butchered Tongue
「Butchered Tongue」は、本作の中でも特に歴史的・政治的な重みを持つ楽曲である。タイトルは「切り刻まれた舌」を意味し、言語の破壊、植民地主義、文化の抑圧、土地の記憶を強く想起させる。Hozierはアイルランドの歴史的背景を踏まえ、言葉や地名が暴力によって失われることの痛みを歌う。
歌詞では、地名、発音、言語、移民、土地との関係が扱われる。人間は言葉によって場所を記憶し、共同体を作る。だが、植民地支配や同化政策によって言語が奪われると、その土地の記憶も傷つけられる。Hozierはその痛みを、非常に静かな怒りとして表現している。
音楽的には、派手なアレンジではなく、歌詞の重みを支える抑制されたサウンドが中心である。Hozierの声は、ここでは叫ぶのではなく、失われた言葉を弔うように響く。アルバム全体の中でも、彼の社会的・歴史的な視点が最も深く現れた曲の一つである。
13. Anything But
「Anything But」は、アルバムの中で比較的軽やかで、リズムの跳ねる楽曲である。タイトルは「何でもいい、ただしそれ以外で」というような否定を含み、変身願望や逃避、自己からの離脱を感じさせる。
歌詞では、自分ではない何かになりたい、別の存在へ変わりたいという願望がユーモラスかつ詩的に描かれる。Hozierの重い神話的楽曲の中にあって、この曲は少し風通しがよく、遊び心がある。ただし、軽さの奥には自己から逃れたいという切実さもある。
音楽的には、明るいリズムと親しみやすいメロディが特徴で、アルバム後半の重さを一時的に和らげる。Hozierは深刻なテーマだけでなく、こうした軽快な曲でも言葉の巧みさを発揮する。全体の流れに変化を与える重要な楽曲である。
14. Abstract (Psychopomp)
「Abstract (Psychopomp)」は、死者の魂を導く存在である“psychopomp”を副題に持つ楽曲である。死、記憶、動物、目撃、救済が重なり合う、アルバム終盤の重要曲である。
歌詞では、傷ついた動物や死にゆく存在を目撃する場面が描かれ、その瞬間が抽象化されて記憶に残る。Hozierは具体的な光景を、宗教的・神話的な意味へと変換する。死はただの終わりではなく、誰かに見守られ、記憶されることで別の意味を持つ。
音楽的には、静かな導入から大きく広がる構成で、Hozierのヴォーカルが強い感情を帯びる。曲の後半では、悲しみと美しさが混ざり合い、アルバム全体の死と再生のテーマを凝縮するように響く。Hozierの作詞能力が非常に高い水準で発揮された一曲である。
15. Unknown / Nth
「Unknown / Nth」は、本作の中でも特に内省的で、痛みの深い楽曲である。タイトルの“Unknown”は未知、知られないことを、“Nth”は数え切れないほどの段階や極限を連想させる。愛する相手を完全には知れないこと、あるいは自分自身が相手に知られないことの痛みが中心にある。
歌詞では、親密さの限界が描かれる。どれほど近くにいても、人は他者を完全には理解できない。愛とは知ることへの欲望であると同時に、知られなさを受け入れることでもある。Hozierはこの矛盾を、非常に繊細な言葉で表現する。
音楽的には、抑制されたギターと声が中心で、派手な装飾は少ない。その分、歌詞とヴォーカルの力が際立つ。Hozierの声には、怒りではなく、静かな絶望と諦めがある。アルバム終盤にふさわしい、深い余韻を持つ楽曲である。
16. First Light
ラストを飾る「First Light」は、タイトル通り「最初の光」を意味する楽曲である。アルバム全体が下降、地獄、死、記憶、喪失を通過してきた後に、この曲は夜明けのような役割を果たす。完全な救済ではないが、暗闇の後に光が差す感覚がある。
歌詞では、光が戻ること、世界が再び見えること、長い闇の後に生が続くことが描かれる。Hozierはここで、単純なハッピーエンドを提示しているわけではない。地獄を通過した後の光は、以前と同じ光ではない。傷や記憶を抱えたまま見る光である。
音楽的には、徐々に広がる構成が美しく、アルバムの結末として非常に効果的である。Hozierの声は、ここで解放感を持ちながらも、過去の重みを残している。Unreal Unearthという旅を締めくくるにふさわしい、静かなカタルシスを持つ楽曲である。
総評
Unreal Unearthは、Hozierのキャリアにおいて最も野心的で、文学的な構造を持つアルバムである。ダンテ『神曲』を参照しながら、愛、罪、死、言語、歴史、社会的暴力、再生をめぐる大きな旅を描いている。単なるラヴソング集でも、社会派アルバムでもなく、その両方を神話的な構造の中へ組み込んだ作品である。
音楽的には、Hozierのルーツであるブルース、ソウル、フォーク、ゴスペルに加え、アイルランド語や神話的イメージ、現代的なポップ・プロダクションが融合している。彼の声は、アルバム全体を貫く最大の軸であり、低く親密な語りから、ゴスペル的な高揚まで幅広く表現する。特に「Francesca」「All Things End」「Unknown / Nth」「First Light」では、ヴォーカルの表現力が楽曲のテーマを深く支えている。
歌詞の面では、Hozierの作家性が非常に強く表れている。彼は愛を単なるロマンティックな感情として描かない。愛は罪にもなり、救済にもなり、記憶にもなり、破壊にもなる。さらに、個人的な愛の歌の中に、言語の抑圧、植民地主義、社会的搾取、世代間の暴力といったテーマが入り込む。この視野の広さが本作の大きな魅力である。
アルバムとしては非常に重厚で、すぐに全体像を把握しやすい作品ではない。楽曲数も多く、テーマも濃密であるため、ポップ・アルバムとしての即効性よりも、何度も聴くことで構造が見えてくるタイプの作品である。一方で、「Eat Your Young」「Francesca」「Damage Gets Done」のように単体でも強い楽曲があり、文学的なコンセプトとポップな魅力のバランスも取れている。
日本のリスナーにとっては、Hozierを「Take Me to Church」のアーティストとして知っている場合、本作は彼の表現がどれほど広く深いものへ発展したかを知る重要な作品となる。英語詞の文学的なニュアンス、アイルランド語の使用、ダンテや神話への参照など、背景を知るほど味わいが増すアルバムである。同時に、声、メロディ、グルーヴだけでも十分に感情を伝える力がある。
総合的に見て、Unreal UnearthはHozierの代表作の一つであり、現代のシンガーソングライター作品として非常に完成度が高い。神話的な下降と再浮上、愛と死、歴史と身体、言語と喪失を結びつけた本作は、Hozierの音楽が単なるフォーク・ソウルではなく、文学的・宗教的・社会的な深みを持つ表現であることを強く示している。
おすすめアルバム
1. Hozier — Hozier
2014年のデビュー・アルバム。「Take Me to Church」を収録し、Hozierの宗教的イメージ、ブルース／ソウル的な歌唱、身体と信仰をめぐるテーマの原点を確認できる作品である。
2. Hozier — Wasteland, Baby!
2019年のセカンド・アルバム。終末的な世界観と恋愛、社会不安を結びつけた作品で、Unreal Unearthへ至るテーマ的な橋渡しとして重要である。
3. Florence + The Machine — Ceremonials
宗教的イメージ、巨大なドラム、ゴスペル的な高揚、愛と死のテーマが強く、Hozierの劇的な側面に近い作品。神話的・儀式的なポップを好むリスナーに関連性が高い。
4. Nick Cave & The Bad Seeds — The Boatman’s Call
聖書的イメージ、愛、罪、喪失を静かに掘り下げたアルバム。Hozierの暗い宗教性や文学的なラヴソングの背景を理解するうえで比較対象となる。
5. Leonard Cohen — Songs of Love and Hate
愛、信仰、欲望、罪を詩的に扱ったシンガーソングライター作品の古典。Hozierの文学的な歌詞世界や、宗教的言語を使ったラヴソングの系譜を知るうえで重要な一枚である。
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