発売日：2011年12月2日 ジャンル：ダンス・ポップ／エレクトロポップ／R&B／EDM／シンセポップ
概要
Taio Cruzの3作目『TY.O』は、前作『Rokstarr』で確立したR&Bとエレクトロニック・ダンス・ポップの融合をさらに押し進め、2010年代前半のEDMポップ時代へ完全に適応した作品である。タイトルの『TY.O』は自身の名前“Taio”を意図的に変形した表記であり、世界的スターへ成長したCruzが、自らのパブリック・イメージをより記号的かつデジタルなものとして提示したアルバムと位置づけられる。
『Rokstarr』からの最大の変化は、クラブ・ミュージックへの接近が一段と強まったことである。
『Rokstarr』にはまだ2000年代R&Bの滑らかさがかなり残っていた。
しかし『TY.O』では、
四つ打ち。
シンセサイザーの大きなビルドアップ。
ドロップを意識した構成。
ラップ・ゲスト。
圧縮されたヴォーカル。
フェスティバルや大型クラブを想定した低音。
といった要素が中心になる。
これは2011年前後のポップ市場そのものでもあった。
David Guetta。
Calvin Harris。
Flo Rida。
Pitbull。
LMFAO。
The Black Eyed Peas。
Usher。
Rihanna。
彼らの作品では、R&B、ヒップホップ、ハウス、エレクトロ、ユーロダンスの境界が急速に崩れていた。
Taio Cruzは、その流れの中心にいた人物のひとりである。
特に「Dynamite」の巨大な国際的成功によって、彼は単なる英国R&Bシンガーではなく、世界規模のダンス・ポップ・スターとして認識されるようになった。
『TY.O』は、その成功後に作られた。
したがって本作の課題は明確である。
「Dynamite」の次に何をするか。
さらに大きくする。
さらに国際的にする。
さらにクラブへ寄せる。
その答えが「Hangover」「Troublemaker」「There She Goes」などである。
歌詞のテーマも『Rokstarr』以上に単純化されている。
酒。
夜。
パーティー。
誘惑。
恋愛。
身体。
成功。
今この瞬間を楽しむこと。
つまり内面的なR&Bより、集団的な享楽が中心になる。
これはTaio Cruz個人の変化というより、当時のメインストリーム・ポップにおける価値観と一致している。
2008年の金融危機以降という社会状況にもかかわらず、2010年代初頭のダンス・ポップは明るく、巨大で、現実逃避的だった。
仕事や経済の不安がある。
だから夜は踊る。
未来が分からない。
だから今を楽しむ。
EDMポップの祝祭性には、そうした時代的な逃避の側面も存在した。
『TY.O』はその空気を非常に濃く記録している。
全曲レビュー
1. Hangover feat. Flo Rida
アルバムの冒頭を飾る「Hangover」は、『TY.O』の方向性を最も直接的に示す曲である。
タイトルは「二日酔い」。
つまり、パーティーの翌日。
しかし歌詞の主人公は後悔していない。
酒を飲む。
騒ぐ。
翌日に苦しくなる。
それでもまた飲む。
ここで重要なのは、二日酔いが失敗として扱われないことだ。
むしろ「昨夜が成功した証拠」のように扱われる。
これは2010年代初頭のパーティー・ポップに非常によく見られた価値観である。
LMFAO。
Ke$ha。
Flo Rida。
Pitbull。
彼らのヒット曲では、夜遊び、酒、クラブ、享楽が自己表現の一部になっていた。
Flo Ridaの参加も非常に象徴的である。
彼はヒップホップをクラブ・ポップへ翻訳する代表的アーティストであり、ラップをストリートの物語ではなく巨大なフックの一部として使う。
「Hangover」でも、その役割は明確だ。
Taio Cruzの滑らかな歌唱。
Flo Ridaのリズミックなラップ。
電子的なビート。
すべてがラジオとクラブの中間地点へ設計されている。
サウンドは極めて明るく、歌詞の「翌日の苦しさ」すら快楽へ変換する。
『TY.O』の快楽主義を象徴するオープニングである。
2. Troublemaker
「Troublemaker」は、「問題を起こす人」という意味を持つ。
ここでの主人公は、自分が恋愛や夜遊びにおいて危険な存在であることを理解している。
これは前作『Rokstarr』の「Break Your Heart」に近い人物像だ。
自分は相手を傷つけるかもしれない。
自分は安定した恋人ではない。
しかし、その危険さ自体を魅力として提示する。
Taio Cruzのポップ・ペルソナには、こうした「自己認識されたプレイボーイ」像が繰り返し登場する。
重要なのは、悪意のある人物として描かれないことだ。
むしろ「最初から言っている」という自己正当化がある。
音楽は極めて典型的な2011年型エレクトロポップである。
強いキック。
シンセの反復。
大きなサビ。
短いヴォーカル・フレーズ。
楽曲は複雑な展開を必要としない。
数秒でタイトルを覚えさせる。
これはCruzのソングライティングにおける最大の強みのひとつである。
3. There She Goes feat. Pitbull
「There She Goes」はPitbullを迎えたクラブ・ポップである。
タイトルは「彼女がそこにいる」。
つまり視線の歌だ。
誰かがクラブへ入ってくる。
その瞬間、周囲の視線が集中する。
人間関係はまだ始まっていない。
まず外見。
存在感。
身体。
そこから欲望が生まれる。
この即時性がクラブ文化と非常に相性が良い。
Pitbullの参加も重要である。
彼は2010年代前半に、世界的なダンス・ポップの「ゲスト・ラッパー」像を確立した人物のひとりだった。
マイアミのクラブ文化。
ラテン・ポップ。
ヒップホップ。
ハウス。
それらを自由に行き来する。
「There She Goes」でも、彼の登場によって曲がより国際的なパーティー・アンセムへ変わる。
Taio Cruzは英国。
Pitbullはアメリカ／ラテン文化。
しかし楽曲から地域性はほとんど消えている。
これこそ当時のグローバル・ポップの特徴だった。
どの国のクラブでも機能する。
都市名を知らなくても楽しめる。
英語の簡単なフックだけで成立する。
『TY.O』が国際市場を強く意識した作品であることを示す代表曲である。
4. Shotcaller
「Shotcaller」は、「決定権を持つ人物」「仕切る人物」という意味のスラングをタイトルにする。
ここでは成功、自信、支配力がテーマになる。
『TY.O』におけるTaio Cruzの主人公は、失恋に苦しむだけの人物ではない。
むしろ自分の人生や夜をコントロールしているという姿勢を見せる。
これは「Dynamite」以後、国際的なポップ・スターとなったCruz自身の状況とも重なって聞こえる。
成功した。
曲が世界中で流れた。
自分はもう新人ではない。
その自信が“shotcaller”という言葉へ変換される。
音楽は硬い電子ビートを中心にし、ヴォーカルも感情の細部よりリズムへ重点を置く。
この曲ではR&BシンガーとしてのCruzより、クラブ・トラックの中心人物としてのCruzが強い。
自己主張の曲でありながら、ラップではなくメロディックなポップへ仕上げている点が彼らしい。
5. Make It Last Forever
「Make It Last Forever」は、「これを永遠に続かせよう」というタイトルを持つ。
ここではパーティー・アルバムの表面的な享楽から、もう少し感情的なテーマへ移る。
「永遠」という言葉は、Taio Cruzの楽曲で繰り返し登場する。
『Rokstarr』にも「Forever Love」があった。
しかし『TY.O』での“forever”は、恋愛だけでなく「今夜」を延長したい欲望とも結びつく。
楽しい瞬間。
恋愛。
高揚感。
成功。
それらは必ず終わる。
だからこそ永遠にしたい。
ここにはダンス・ポップの本質的な矛盾がある。
クラブの夜は短い。
曲は数分。
朝になれば終わる。
だから音楽の中では「永遠」を歌う。
サウンドは明るいが、タイトルの裏には時間への不安がある。
『TY.O』の中では、享楽の背後に少しだけ感傷が見える一曲である。
6. World in Our Hands
「World in Our Hands」は、本作でも特にアンセミックなタイトルを持つ。
「世界は僕たちの手の中にある」。
これは個人的な恋愛を超え、世代的な高揚感を作る言葉だ。
未来。
可能性。
自由。
世界規模の成功。
そうしたイメージが重なる。
2010年代初頭のEDMポップには、「今夜、世界を変えられる」という種類の巨大な楽観主義が多く存在した。
実際に社会を変える政治歌ではない。
しかしクラブやフェスティバルの中で、一時的に世界を所有したような感覚を作る。
何万人もの観客。
全員が同じビートで動く。
そこで「世界は自分たちのもの」と歌う。
この集団的な陶酔こそEDM時代の中心的な体験だった。
Taio Cruzの歌唱は、ここでも過剰な感情を使わない。
むしろシンプルなフレーズを大きく提示する。
そのため個人的な歌というより、群衆全体が歌えるスローガンになる。
7. Tattoo
「Tattoo」は、身体に刻まれるタトゥーを恋愛や記憶の比喩として使う。
タトゥーは消えにくい。
だから、一時的な関係と対照的だ。
恋愛は終わる。
しかし記憶は残る。
相手との時間。
痛み。
欲望。
それが身体へ刻まれたように残る。
『TY.O』ではパーティー的な曲が多いため、「Tattoo」のような記憶を扱う曲は重要である。
夜は終わる。
しかし何かが残る。
これは「Make It Last Forever」とも関連する。
人間は瞬間を永遠にはできない。
その代わり、記憶や身体へ残そうとする。
音楽は依然として電子的だが、メロディーには少し感傷がある。
Taio CruzがR&Bルーツを完全には失っていないことを示す曲でもある。
8. Play
「Play」は、非常に短く直接的なタイトルを持つ。
“play”には、
遊ぶ。
音楽を再生する。
演奏する。
ゲームをする。
誘惑する。
と複数の意味がある。
『TY.O』の文脈では、これらがほぼ全部重なる。
音楽を再生する。
踊る。
恋愛のゲームをする。
その場を楽しむ。
Taio Cruzのソングライティングは、こうした短い英単語を巨大なフックへ変えることを得意とする。
「Dynamite」。
「Hangover」。
「Play」。
意味を説明する必要がない。
タイトルを聞いた瞬間に曲の気分が分かる。
これはグローバル・ポップに非常に適した方法である。
英語が第一言語でないリスナーにも届きやすい。
音楽はクラブ向けの反復を重視し、言葉そのものが打楽器のように使われる。
ここでは「歌詞を読む」というより、「言葉の音で踊る」ことが重要になる。
9. You’re Beautiful
「You’re Beautiful」は、「君は美しい」という非常に直接的な肯定をタイトルにする。
ポップ・ソングでは極めて古典的なテーマだ。
しかしTaio Cruzは、それを長い描写へ広げない。
一つの感情に絞る。
相手が美しい。
その事実を繰り返す。
これは彼の作詞が文学的深さより即時性を重視していることの典型である。
外見を褒めるという単純な内容だが、『TY.O』全体のクラブ文化的な視線とも一致する。
誰かを見る。
惹かれる。
言葉を交わす。
関係が始まる。
曲はその最初の瞬間を切り取る。
サウンドも比較的明るく、恋愛の複雑さより肯定的な感情を前面に出している。
10. Telling the World
「Telling the World」は、本作の中でも最も明確にロマンティックな側面を持つ楽曲のひとつである。
タイトルは「世界中に伝える」。
つまり個人的な愛情を公にする。
『TY.O』ではクラブや夜の匿名的な関係が多い。
しかしここでは逆に、誰かへの感情を隠さない。
世界中へ言う。
この「私的な感情を巨大化する」方法は、Taio Cruzのポップ感覚と非常に相性が良い。
一人への愛。
しかしサビはスタジアム規模。
個人的な内容を、全員が歌える形へ変える。
この曲は映画『Rio』との関係でも知られ、作品の持つ明るく国際的なイメージとTaio Cruzのグローバル・ポップ路線が自然に重なった。
サウンドは本作の中では比較的柔らかく、EDMの攻撃性よりメロディーを重視する。
彼が単に「Dynamite」のような祝祭曲だけを作る人物ではなく、伝統的なラヴ・ソングの構成にも強いことを示す。
11. Little Bad Girl
「Little Bad Girl」はDavid Guettaを中心とするクラブ・ポップとの強い接続を示す楽曲であり、Taio CruzとLudacrisをフィーチャーした形で広く知られる。
『TY.O』の一部ヴァージョンでは、アルバムのダンス志向を象徴する重要な収録曲として機能する。
タイトルの“bad girl”は、ポップ／クラブ文化における反抗的な女性像を使う。
規範に従わない。
夜を楽しむ。
性的な自己決定権を持つ。
ただし曲の視点には「見られる女性」という要素も強く、クラブ空間における視線と欲望が中心になる。
David Guettaのプロダクションは非常に典型的な初期2010年代EDMポップである。
大きなキック。
ビルドアップ。
鋭いシンセ。
爆発するサビ。
Taio Cruzのヴォーカルは、この構造へ非常によく適応する。
彼の声はソウルフルすぎないため、電子トラックと衝突しない。
むしろシンセサイザーの一部のように機能する。
「Little Bad Girl」は、『TY.O』がDavid Guetta以後のEDMメインストリーム化と完全に同時代だったことを示す象徴的な曲である。
総評
『TY.O』は、Taio Cruzのキャリアにおける「最もEDM時代へ接近した作品」である。
『Departure』。
『Rokstarr』。
『TY.O』。
この3枚を順番に見ると、彼の音楽がどのように変化したかが非常に分かりやすい。
『Departure』ではR&B。
『Rokstarr』ではエレクトロポップ。
『TY.O』ではEDM。
つまり個人的なR&Bから、より大きな群衆へ向けた音楽へ移動している。
この変化は、Taio Cruz個人の好みだけで説明できない。
ポップ市場そのものが変わっていた。
2000年代中盤には、R&Bとヒップホップがアメリカのチャートを強く支配していた。
しかし2008年以降、ヨーロッパのハウス／エレクトロニック・ダンス・ミュージックがメインストリームへ急速に流入する。
David Guettaがその最大の媒介者のひとりだった。
彼はクラブDJ／プロデューサーの方法論を、Kelly Rowland、Akon、Usher、Nicki Minajなどのポップ／R&Bスターと接続した。
その結果、
歌。
ラップ。
四つ打ち。
シンセ。
ビルドアップ。
ドロップ。
という構造が世界共通のポップ言語になった。
Taio Cruzは、この変化へ極めて自然に適応できた。
理由は、もともと彼の作曲が「短いフック」を中心としていたからである。
EDMポップでは、複雑な歌詞より強い一言が重要になる。
観客が一度で覚えられる。
クラブで叫べる。
ラジオで流れてもすぐ分かる。
Cruzの作詞はそれに向いていた。
「Hangover」。
「Troublemaker」。
「Play」。
タイトルだけでほぼコンセプトが完成している。
ここにはポップ・ソングライターとしての高度な効率性がある。
一方で、この効率性はアルバムとして見ると弱点にもなる。
『TY.O』は曲単位では非常に即効性が高い。
しかし連続して聴くと、
強いキック。
明るいシンセ。
大きなサビ。
恋愛。
パーティー。
という要素が反復される。
つまりアルバム全体の多様性は、『Departure』などと比べて狭い。
これは意図的でもある。
『TY.O』は、いわゆる「アルバム・リスニング」より、シングルとプレイリストの時代を強く意識した作品だからだ。
2011年頃、音楽の聴かれ方はすでに急速に変化していた。
iTunes。
YouTube。
ストリーミングの拡大。
アルバムを最初から最後まで聴くより、一曲単位で消費する文化が強くなる。
『TY.O』は、その環境に非常によく合う。
「Hangover」だけを聴いても成立する。
「Troublemaker」だけでもよい。
「There She Goes」だけでもよい。
それぞれの曲が自己完結した商品として設計されている。
これはアルバム文化の衰退というより、ポップ制作の目的が変化したことを示している。
Taio Cruzはその変化を理解していた。
歌詞における「今」の重要性も、この時代性と関係する。
『TY.O』では長期的な人生設計がほとんど歌われない。
今夜。
今いる相手。
今飲んでいる酒。
今流れている音楽。
今感じる欲望。
これが中心だ。
「Make It Last Forever」でも、永遠そのものより「今を終わらせたくない」という気持ちが中心になる。
「World in Our Hands」では、未来の政治計画ではなく、この瞬間の万能感を歌う。
EDMポップは本質的に現在形の音楽である。
ドロップが来る。
観客が跳ぶ。
その瞬間がすべて。
『TY.O』はその時間感覚を非常に正確に捉えている。
また、「Hangover」が象徴するように、快楽とその代償の関係も興味深い。
二日酔いになる。
でも飲む。
疲れる。
でも踊る。
恋愛で傷つく。
でもまた誰かを求める。
つまり主人公は、結果を知っていても快楽を選ぶ。
ここには『Rokstarr』から続くTaio Cruzの人物像がある。
「Break Your Heart」では、自分が相手を傷つけることを理解していた。
『TY.O』でも、トラブルメーカーであることを認める。
つまり彼のポップ・ペルソナは一貫して自己認識的だ。
自分が完璧な人間ではないことを分かっている。
しかし改善しようとはあまりしない。
むしろそれをキャラクター化する。
この姿勢は非常にポップ・スター的である。
弱点を告白するのではなくブランドへ変える。
「自分は危険」。
「自分は遊び人」。
そのイメージをサビへする。
一方、「Telling the World」「Tattoo」のような曲では、そのキャラクターの裏にもう少し感情的な人物が見える。
これはアルバムに必要な陰影である。
常にパーティーだけでは、人間味がなくなる。
そこで、
記憶。
愛。
永続性。
というテーマを入れる。
ただし、それらも大きなシンセとポップ・フックの中で処理される。
Taio Cruzの音楽は、感情を生々しく露出するのではなく、常にプロダクションによって整える。
ここが彼と、たとえばAdeleのようなシンガーとの大きな違いだ。
Adeleは声の生々しさを中心にする。
Cruzは声をトラックの一部にする。
この「声の機械化」は2010年代ポップの重要な特徴でもある。
Auto-Tune以後、ポップ・ヴォーカルは「自然な人間の声」である必要がなくなった。
むしろ編集。
重ね録り。
ピッチ補正。
エフェクト。
それらによって、楽器化された声を作る。
Taio Cruzの声はこの方法に非常に適していた。
もともと直線的で、音程の輪郭がはっきりしている。
だからシンセサイザーと重ねても濁らない。
『TY.O』ではその特性が最大限に使われる。
本作におけるFlo Rida、Pitbull、Ludacrisといったラッパーの存在も、当時のポップ構造を理解するうえで重要である。
彼らは必ずしも曲の物語を深めるために登場するわけではない。
むしろ音色を変える。
歌だけが続くところへラップを入れる。
声質を変える。
リズムを変える。
曲の2番やブリッジへ別のキャラクターを持ち込む。
つまりゲスト・ラップはアレンジの一部である。
この方法は2010年代初頭に極めて一般的だった。
女性／男性ポップ・シンガー。
そこへ有名ラッパー。
これだけで複数の市場へアクセスできる。
Taio Cruzはその国際ポップのネットワークの中心にいた。
『TY.O』というタイトルも、このグローバル化したスター像に合っている。
“Taio”という名前を“TY.O”へ変形する。
名前がロゴになる。
人間がブランドになる。
これはデジタル時代のポップ・スターに非常に典型的だ。
文字数が短い。
視覚的に強い。
検索しやすい。
商品化しやすい。
もちろんタイトルだけでそこまで意図されていると断定する必要はないが、少なくとも作品全体の人工的で記号的な美学とは強く一致する。
『Rokstarr』のタイトルも同様だった。
“Rockstar”を“Rokstarr”へ変える。
Taio Cruzは、一般的な単語を少し変形することで、自分自身のブランドへ取り込む。
その感覚は音楽にもある。
ハウス。
R&B。
ヒップホップ。
どれも彼が発明したジャンルではない。
しかし、それらを簡潔に組み合わせ「Taio Cruzのヒット」として成立させる。
この編集能力が彼の才能である。
2011年という時代を象徴する作品として考えると、『TY.O』は非常に興味深い。
同年からその前後にかけて、ポップ市場ではEDMの影響が急速に拡大した。
RihannaはCalvin Harrisとの「We Found Love」で巨大な成功を収める。
LMFAOは「Party Rock Anthem」をヒットさせる。
David Guettaは世界規模のポップ・プロデューサーになる。
Aviciiも台頭する。
つまりクラブ・ミュージックが「クラブだけの音楽」ではなくなる。
スーパー。
ラジオ。
テレビ。
スポーツ会場。
CM。
世界中のあらゆる場所で四つ打ちが聞こえる。
『TY.O』はまさにその瞬間のアルバムである。
そのため現在聴くと、非常に時代が分かりやすい。
シンセの音色。
スネア。
キック。
ヴォーカル処理。
ラップの入れ方。
すべてが2010年代初頭を指している。
しかし、この「時代性」は欠点だけではない。
むしろポップ史を理解する資料として大きな価値がある。
ある時代の流行を完全に取り込んだ作品は、時間が経つとその時代の文化をよく保存する。
『TY.O』を聴けば、2011年頃の世界的ポップ市場が、
大きい。
明るい。
速い。
デジタル。
国際的。
享楽的。
だったことが一瞬で分かる。
同時に、本作はTaio Cruzのキャリアにおける一つの到達点でもある。
彼はR&Bシンガーとして出発した。
しかし『TY.O』では、その枠組みをほとんど完全に超える。
クラブ。
ヒップホップ。
ポップ。
EDM。
どこへでも入れる。
これは国際スターとしての柔軟性を示した。
一方で、ジャンル横断が進みすぎたことで、彼自身の固有性が薄くなった側面もある。
『Departure』では「Taio CruzのR&B」という個性があった。
『TY.O』では、David GuettaやPitbull、Flo Rida周辺の世界的ダンス・ポップとかなり近い。
つまり成功への適応と個性の希薄化が同時に起きている。
ここが本作を評価する際の重要なポイントである。
それでも、Taio Cruzのメロディー設計能力は明確だ。
彼は非常に短いフックを作れる。
それを何度も反復しても飽きにくくする。
これは簡単そうで難しい。
ポップ・ソングでは、一度で覚えられることと、何度聴いても機能することを同時に満たす必要がある。
「Hangover」「Troublemaker」などは、その技術を明確に示す。
『TY.O』は深い物語を追うアルバムではない。
むしろ、一曲ごとの即効性、クラブでの機能性、国際的な共有可能性を重視した作品である。
その意味では「アルバム」というより、2011年前後の世界的ポップ・カルチャーを凝縮したヒット・パッケージに近い。
『Rokstarr』が2000年代R&Bから2010年代ダンス・ポップへの橋だったとすれば、『TY.O』は橋を渡り終え、完全にEDM側へ立った作品である。
Taio Cruzのキャリアにおける変化を追う上でも、2010年代初頭のポップ史を理解する上でも、非常に象徴的な一枚である。
おすすめアルバム
1. Taio Cruz – Rokstarr（2009）
「Break Your Heart」「Dynamite」などを通じてTaio Cruzを世界的スターへ押し上げた代表作。R&Bとエレクトロポップの中間に位置しており、『TY.O』でEDM志向がどれほど強まったかを比較するうえで最重要の一枚である。
2. David Guetta – Nothing but the Beat（2011）
『TY.O』とほぼ同時期に発表されたEDMポップの象徴的作品。Usher、Nicki Minaj、Siaらを迎え、クラブ・プロデューサーと世界的ポップ・スターの融合を完成させた。『TY.O』の音響的背景を理解するうえで非常に重要である。
3. Flo Rida – Wild Ones（2012）
ヒップホップをエレクトロニック・ダンス・ポップへ全面的に接続した作品。「Hangover」に参加したFlo Ridaが、Taio Cruzと共有していた2010年代初頭の国際的クラブ・ポップ美学をさらに明確に確認できる。
4. Calvin Harris – 18 Months（2012）
ハウス、EDM、ポップ・ヴォーカルを巨大なヒット・ソングへ変換した作品。『TY.O』よりプロデューサー主導だが、短いフック、四つ打ち、シンセのビルドアップを世界標準のポップ形式へした点で密接な関係がある。
5. Usher – Looking 4 Myself（2012）
R&BスターがEDM、エレクトロポップ、ダンス・ミュージックへ本格的に接近した作品。Taio Cruzとはキャリアの背景が異なるが、「2000年代型R&Bが2010年代型EDMポップへ適応する」という変化を比較するうえで非常に関連性が高い一枚である。
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