- 発売日：1997年8月21日
- ジャンル：Britpop / Alternative Rock / Hard Rock / Psychedelic Rock
概要
『Be Here Now』は、Oasisが1997年に発表した3作目のスタジオ・アルバムであり、Britpopの頂点と飽和を同時に象徴する作品である。1994年の『Definitely Maybe』、1995年の『(What’s the Story) Morning Glory?』という2枚の大成功によって英国最大級のロックバンドとなったOasisが、巨大化した期待、名声、予算、メディアの熱狂をそのまま音のスケールへ変換した結果として生まれた。
本作を理解するうえで最も重要なのは、「大きすぎること」そのものが作品の特徴になっている点である。
ギターは何層にも重ねられる。
曲は長い。
サビは巨大。
コーラスも厚い。
リフは反復され、終盤ではさらに音が積み上がる。
Noel Gallagherのソングライティングは、それまでと同じくThe Beatles、T. Rex、Slade、The Rolling Stones、The Stone Rosesなど英国ロックの伝統に根差している。しかし『Be Here Now』では、その影響をコンパクトなポップソングへまとめるより、とにかく膨張させる方向へ進む。
この膨張は、当時のOasisの状況と完全に一致していた。
前作によってバンドは国民的な存在となり、Knebworthでの巨大公演、Britpopをめぐるメディア競争、Blurとの対立の物語化などを通じて、単なるバンド以上の文化現象になっていた。
そのため『Be Here Now』には、「すでに成功したバンドが、さらにどこへ行くのか」という問題がある。
答えは、より大きくすることだった。
もっと長く。
もっと派手に。
もっと音を重ねる。
この選択は商業的には大成功したが、後にBritpopの過剰さを象徴するものとして批判されることにもなる。
ただし、本作を単なる失敗作として片づけるのは不十分である。
確かにプロダクションは過剰で、曲の長さも冗長になりやすい。しかし、その過剰さには1997年のOasisにしか作れなかった独特の高揚感がある。
若い労働者階級出身のバンドが、世界最大級のロックバンドになり、自分たちは何でもできると信じている。
その万能感。
傲慢さ。
疲労。
ドラッグ。
ロックンロール神話への没入。
それらが作品全体から吹き出している。
タイトル『Be Here Now』も象徴的である。
「今ここにいろ」。
過去でも未来でもなく、現在を生きろ。
この言葉は精神的な教えのようにも聞こえるが、Oasisの場合はもっと快楽主義的だ。
今が絶頂なら、今を最大限に鳴らせばいい。
明日のことは考えない。
その態度が音楽そのものになったのが『Be Here Now』である。
全曲レビュー
1. D’You Know What I Mean?
アルバムは「D’You Know What I Mean?」から始まる。
Oasis史上でも特に巨大な音像を持つ楽曲であり、本作全体の方針を最初の数分で決定づける。
ヘリコプターや環境音を思わせる導入から、重く潰れたドラム、巨大なギターが入る。
コード進行そのものは複雑ではない。
しかし、音が異常に厚い。
この「単純な構造を過剰な音で巨大化する」という方法が、本作の基本である。
歌詞には、Noel Gallagher特有の意味を固定しすぎないフレーズが並ぶ。
特定の物語を説明するより、「分かるだろ？」と共有感を作る。
タイトルの問いかけ自体も、理屈より仲間意識を求める言葉だ。
Oasisの歌詞はしばしば論理より感情を優先する。
この曲では、その曖昧さが巨大なサウンドによってアンセムへ変換される。
2. My Big Mouth
「My Big Mouth」は、タイトル通り「口が大きい」、つまり余計なことを言う人物を描く。
これはOasis、特にGallagher兄弟のパブリックイメージと非常に相性が良い。
彼らはインタビューで強烈な発言を繰り返し、他のバンドやメディアを挑発し、自分たちを世界最高のバンドと公言することを恐れなかった。
その自己認識がこの曲にはある。
音楽的には非常に攻撃的で、ギターの壁がほぼ全編を覆う。
メロディは意外にポップだが、音圧がその軽さを消す。
「My Big Mouth」は、Oasisの傲慢さを隠さず、むしろロックンロールのキャラクターとして使った曲である。
3. Magic Pie
「Magic Pie」は、本作の中でも特に長く、サイケデリックな要素を持つ楽曲である。
タイトル自体に具体的な意味はほとんどなく、1960年代的なナンセンスや夢の言葉を思わせる。
Noel GallagherはThe Beatles後期のサイケデリアから強い影響を受けており、この曲ではその側面が前面に出る。
音楽はゆっくり広がり、アコースティックとエレクトリックのギターが何層にも重なる。
ただし、The Beatlesのように細部を緻密に変化させるのではなく、Oasis流に一つのアイデアを巨大化する。
この曲は『Be Here Now』の長所と短所を同時に示す。
スケールは大きい。
雰囲気も強い。
しかし、簡潔さは失われている。
それでも、この冗長さ自体が本作特有の陶酔を作っている。
4. Stand by Me
「Stand by Me」は、『Be Here Now』の中でも特にメロディの強い楽曲である。
タイトルは「そばにいてくれ」。
非常に古典的なラブソングの言葉だ。
Oasisは複雑な恋愛心理を描くバンドではない。
むしろ、「一緒にいてくれ」「信じてくれ」といった単純な感情を巨大なサビへ変換する。
この曲でもその方法が機能している。
ヴァースは比較的抑えめだが、サビになるとギターとコーラスが一気に広がる。
Liam Gallagherの声は、Oasisの中でも特にこうした曲に合う。
感情を細かく説明するより、言葉を大きく投げる。
「Stand by Me」はその直線的な強さがよく表れた曲である。
5. I Hope, I Think, I Know
「I Hope, I Think, I Know」は、希望、思考、確信という三段階の言葉を並べたタイトルが特徴的である。
「願う」。
「そう思う」。
「知っている」。
不確実さから確信へ進む。
この流れは、当時のOasisの自己イメージにも重なる。
成功することを願っていたバンドが、今では自分たちが世界最大級の存在だと確信している。
音楽的には比較的テンポが速く、本作の中ではコンパクトに感じられる。
ギターは依然として厚いが、曲の推進力が強いため、冗長さは少ない。
Oasisの初期パンク／ロック的な勢いがまだ残る一曲である。
6. The Girl in the Dirty Shirt
「The Girl in the Dirty Shirt」は、本作の中では比較的パーソナルで親密な曲である。
タイトルは「汚れたシャツを着た女の子」。
華やかなロックスターの世界ではなく、少し生活感のある人物像が中心にある。
Noel Gallagherのソングライティングには、巨大なアンセムだけでなく、こうした普通の人物への愛着もある。
音楽的にはミドルテンポで、メロディは温かい。
ただしプロダクションはやはり厚く、繊細な曲であっても『Be Here Now』特有の巨大さから逃れない。
そこがこのアルバムらしい。
7. Fade In-Out
「Fade In-Out」は、本作の中でも特に異色で、ブルース／ハードロック色の強い楽曲である。
スライドギター的な音色や重いリズムがあり、The Rolling StonesやLed Zeppelin的な泥臭さを感じさせる。
曲名は「徐々に現れ、徐々に消える」。
名声や人生そのものの一時性を示すようにも読める。
Oasisはこの時期、ほぼ無敵の存在に見えていた。
しかし、どれほど巨大な成功もいつか薄れていく。
この曲には、そのことをどこか無意識に察しているような影がある。
Liamのヴォーカルも荒く、アルバム中でも特に肉体的。
華やかなBritpopというより、70年代ハードロックへ大きく接近した一曲である。
8. Don’t Go Away
「Don’t Go Away」は、本作の中でも最も感情的なバラードの一つである。
タイトルは「行かないで」。
極めて単純な言葉だが、それゆえに普遍的である。
歌詞では、愛する人との別れへの恐怖、相手を失いたくないという感情が中心になる。
Liam Gallagherの歌唱はここで特に効果的である。
彼は繊細に歌うタイプではない。
しかし、その少し荒れた声が「行かないで」という言葉に切実さを与える。
音楽も本作の中では比較的抑制されており、サビの広がりがより印象的になる。
『Be Here Now』の過剰なサウンドの中で、感情の核心が見えやすい曲である。
9. Be Here Now
タイトル曲「Be Here Now」は、アルバム全体の快楽主義を最も直接的に示す楽曲である。
タイトルは「今ここにいろ」。
過去を悔やむでもなく、未来を心配するでもない。
現在の瞬間へ完全に没入する。
この考え方は、1997年のOasisの状態そのものだった。
世界的な成功。
巨大な公演。
大量のメディア注目。
ロックンロール的な享楽。
彼らにとって「今」は圧倒的だった。
音楽もその感覚を反映し、ピアノ、ギター、コーラスが派手に鳴る。
理性的な深みより、祝祭の瞬間そのものを優先する。
タイトル曲として、アルバムの精神を最も分かりやすく表した曲である。
10. All Around the World
「All Around the World」は、『Be Here Now』最大級のスケールを持つ楽曲である。
長大な演奏時間、巨大なコーラス、ブラス、何度も繰り返されるサビ。
Noel Gallagherが長年温めていた曲としても知られ、Oasisの「世界を包むアンセム」を作る野心が最大化されている。
歌詞は極めて肯定的だ。
世界中へ向けて、物事は良くなると歌う。
構造的には「Hey Jude」のような終盤の反復を意識したような壮大さがある。
しかしThe Beatlesの簡潔さに対して、Oasis版はとにかく長く、厚く、豪華。
この過剰さは、本作全体の象徴でもある。
批判的に見れば長すぎる。
しかし、巨大な会場で何万人もの観客が同じフレーズを歌うことを想定すれば、この反復には明確な機能がある。
スタジオ作品というより、巨大な共同体的合唱を作るための曲である。
11. It’s Gettin’ Better (Man!!)
「It’s Gettin’ Better (Man!!)」は、タイトルからして強烈に楽観的である。
「良くなっている」。
しかも括弧の中に“Man!!”が加わり、ほとんど酔ったような勢いがある。
音楽は反復を中心にしながら徐々に高揚し、Oasisのライヴ的な強さが前面に出る。
歌詞の内容は複雑ではない。
むしろ、ポジティヴなフレーズを繰り返すことそのものが目的である。
この曲にも『Be Here Now』全体の「考えるより感じる」という姿勢がある。
批評的な精密さではなく、集団的な陶酔。
それがOasisの得意とした領域だった。
12. All Around the World (Reprise)
アルバム最後には「All Around the World」のリプライズが置かれる。
本編で巨大化したテーマを、短い余韻として再び提示する。
これはアルバムを円環的に閉じる役割を持つ。
ただし、完全な静けさへ戻るわけではない。
最後まで「大きい」。
最後まで祝祭的。
『Be Here Now』というアルバムは、余韻さえも控えめにしない。
その徹底性が、この作品の魅力でもあり、過剰さでもある。
総評
『Be Here Now』は、Oasisのキャリアにおいて最も評価が揺れた作品の一つである。
発売当初は巨大な期待とともに迎えられ、商業的にも大成功した。
しかし時間が経つにつれ、Britpopの過剰さ、Oasisの自己肥大、90年代英国ロックのバブルを象徴する作品として批判的に語られるようになった。
その評価には理由がある。
曲が長い。
ギターが重ねられすぎている。
ミックスには空間が少ない。
ほぼすべての曲が「巨大」であるため、アルバムを通して聴くとダイナミクスが乏しく感じられる。
『Definitely Maybe』にはストリートの勢いがあった。
『(What’s the Story) Morning Glory?』には、シンプルな楽曲構造と巨大なサビのバランスがあった。
『Be Here Now』では、そのバランスが崩れる。
サビだけでなく、ヴァースも間奏もイントロもアウトロも大きい。
すべてを最大値にした結果、最大値そのものが普通になる。
これが本作の弱点である。
しかし同時に、ここには他のOasis作品にはない特別な魅力もある。
1997年の彼らの万能感だ。
Oasisは当時、自分たちが世界最高のバンドだと本気で信じていた。
その確信が音に表れている。
「D’You Know What I Mean?」の冒頭。
「Stand by Me」のサビ。
「All Around the World」の異常な反復。
「It’s Gettin’ Better (Man!!)」の高揚。
これらは、慎重な自己編集からは生まれない。
「もっとやれ」。
「もっと重ねろ」。
「もっと長く」。
その衝動が作品を作っている。
この点で『Be Here Now』は、ロックンロールの自己神話化を極端な形で記録したアルバムである。
Oasisはもともと、自分たちを歴史の外側に置くバンドではなかった。
The Beatles。
The Rolling Stones。
T. Rex。
Sex Pistols。
The Stone Roses。
それら英国ロックの系譜の次に自分たちがいると考えていた。
『Definitely Maybe』ではその野心が若さと結びついていた。
「Rock ’n’ Roll Star」で、自分はロックスターになると宣言する。
『Morning Glory』では、その夢が現実になり始める。
そして『Be Here Now』では、完全にロックスターになった後の音が鳴る。
この三段階で聴くと、本作の意味は非常に分かりやすい。
夢。
成功。
過剰。
その最後の段階が『Be Here Now』である。
Britpop全体の歴史とも重なる。
1993年から1995年頃、Britpopはアメリカのグランジに対する英国側からの応答として、ある種の新鮮さを持っていた。
Blur。
Suede。
Pulp。
Oasis。
Elastica。
Supergrass。
それぞれ異なる音楽性を持ちながら、英国的な文化やギターポップが再び中心に出た。
しかし1997年になると、その現象自体が巨大なメディア商品となる。
Oasisの成功も過剰になり、Britpopという言葉そのものが疲労を見せる。
その同じ年にRadioheadが『OK Computer』を発表し、都市的不安、技術、疎外をより内省的に描いたことは象徴的である。
Oasisが「もっと大きく」と進んだ一方、Radioheadは「この巨大化した世界は本当に大丈夫なのか」と問い始める。
この対照は1997年英国ロックを理解するうえで非常に重要だ。
『Be Here Now』は古い時代の終わり。
『OK Computer』は次の不安な時代の始まり。
そのように見ることもできる。
Noel Gallagherのソングライティングについては、本作でもメロディの強さが随所にある。
「Stand by Me」。
「Don’t Go Away」。
「I Hope, I Think, I Know」。
これらはアレンジを削れば、非常に優れたポップソングとして成立する。
つまり問題は必ずしも作曲そのものではない。
むしろプロダクションと自己編集の不足にある。
この点は後年の評価でも重要だ。
『Be Here Now』の曲には、別のアレンジならもっと高く評価された可能性があるものが多い。
それでも、あえて過剰なオリジナル版を聴く価値はある。
なぜなら、その過剰さこそ1997年のOasisだからである。
もし音を整理し、曲を短くし、ギターを減らせば、作品としては洗練されるかもしれない。
しかし、時代の記録としての生々しさは失われる。
本作にはコカイン文化や過密なツアー、メディア過熱と結びついた当時のロックンロール的生活の影も強い。
集中力より興奮。
節制より過剰。
細部より勢い。
その状態が制作にも反映されている。
そのため『Be Here Now』は、単なる音楽作品ではなく、巨大化したロックバンドが自己制御を失う瞬間の記録としても興味深い。
Liam Gallagherのヴォーカルについても重要である。
彼の声はこの時期、非常に強い。
鼻にかかった鋭いトーン。
語尾の伸ばし方。
母音を大きく開く歌い方。
それらが巨大なギターの壁を突き抜ける。
普通のヴォーカリストなら、この音圧の中では埋もれてしまう可能性がある。
しかしLiamの声には独特の硬さがあり、ギターと競争できる。
「D’You Know What I Mean?」「Stand by Me」「Don’t Go Away」は、その力が特によく分かる。
一方、Noelの美学は本作でThe Beatlesへの憧れをさらに露骨にする。
大きなコーラス。
サイケデリックな音色。
「All Around the World」の長大な終盤。
ただしOasisはThe Beatlesの実験性をそのまま再現するのではない。
The Beatlesが短い時間の中で音色や構成を次々に変えたのに対し、Oasisは一つのアイデアを何分も反復して巨大化する。
この違いは大きい。
Oasisの強みは革新的な音響設計ではなく、単純なフレーズを集団的なアンセムへ変える力だった。
その能力が『Be Here Now』では限界まで拡大されている。
その後のOasisは、1990年代前半の勢いを完全に取り戻すことはなかった。
しかし、より落ち着いた作品を作るようになる。
その意味で『Be Here Now』は、一つの頂点であると同時に分岐点でもある。
これ以上大きくすることはできない。
だから、その後は別の方法を探す必要があった。
タイトルの「Be Here Now」は、結果的に非常に皮肉でもある。
「今を生きろ」。
実際、彼らは今を最大限に生きた。
しかし、未来のための余白をほとんど残さなかった。
そこにこの作品のドラマがある。
『Be Here Now』は、Oasisの最高傑作ではない。
しかし、Oasisというバンドの神話を理解するうえでは欠かせない。
成功が音楽をどれほど巨大化できるのか。
そして、その巨大化がどこで限界へ達するのか。
Britpopの絶頂と終焉を一枚で聴くことができる、極端で、矛盾に満ちたロック・アルバムである。
おすすめアルバム
1. Oasis – Definitely Maybe（1994）
Oasisのデビュー作にして、若さ、野心、労働者階級的な反骨精神が最も生々しく表れた作品。「Rock ’n’ Roll Star」「Live Forever」「Supersonic」などを収録し、『Be Here Now』の巨大さと比較することで、バンドが3年間でどれほど変化したかが分かる。
2. Oasis – (What’s the Story) Morning Glory?（1995）
Oasisを世界的なバンドへ押し上げた代表作。「Wonderwall」「Don’t Look Back in Anger」「Champagne Supernova」などを収録。巨大なアンセムと簡潔なソングライティングのバランスが最も良く、『Be Here Now』が何を拡大しすぎたのかを理解するうえでも重要である。
3. The Stone Roses – The Stone Roses（1989）
Oasis以前のManchesterロックにおける重要作。サイケデリア、ダンス感覚、ギターポップ、自己確信に満ちた態度を融合し、Noel Gallagher世代へ大きな影響を与えた。Oasisのアンセム性の前史として欠かせない。
4. The Verve – Urban Hymns（1997）
『Be Here Now』と同じ1997年に発表されたBritpop末期の代表作。巨大なロックサウンドを持ちながら、より内省的で陰影の深い楽曲を中心としており、同時代の英国ロックが「大きさ」を別の方向へどう使ったかを比較できる。
5. Radiohead – OK Computer（1997）
同じ1997年の英国ロックを象徴する作品。Oasisがロックンロールの成功と高揚を最大化したのに対し、Radioheadは技術社会、疎外、不安を描いた。Britpopの絶頂から次の時代へ移行する文化的転換を理解するうえで、『Be Here Now』と対照的に聴く価値が高い一枚である。
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