発売日：2007年11月13日
ジャンル：ポップ・ロック、ダンス・ポップ、エレクトロポップ、シンセポップ、ファンク・ポップ、R&Bポップ
概要
Duran DuranのRed Carpet Massacreは、2007年に発表された12作目のスタジオ・アルバムであり、バンドの長いキャリアの中でも特に現代的なプロデュース志向を前面に出した作品である。1980年代初頭、Duran Duranはニュー・ロマンティック、シンセポップ、ファンク、ロック、ファッション、映像表現を結びつけ、MTV時代を象徴するバンドとなった。Rio、Seven and the Ragged Tiger、Notoriousなどを通じて、彼らは単なるアイドル的人気に留まらず、ベース、ギター、シンセサイザー、ダンス・ビートを洗練されたポップへ変換する技術を確立した。
しかし、2000年代のDuran Duranは、自分たちの歴史的イメージと同時代のポップ市場との関係を再調整する必要に迫られていた。2004年の前作Astronautでは、Simon Le Bon、Nick Rhodes、John Taylor、Roger Taylor、Andy Taylorという黄金期メンバーが再集結し、1980年代的なバンド感と現代的なポップ・ロックを折衷した作品を作った。これに対してRed Carpet Massacreは、その再結成ムードをそのまま継続するのではなく、より大胆に2000年代後半のR&B／ダンス・ポップのサウンドへ接近している。
本作で大きな役割を果たしているのが、Timbaland、Nate “Danja” Hills、Justin Timberlakeといった当時のアメリカン・ポップ／R&Bの中心的なプロデューサー／アーティストである。2000年代半ばのTimbaland周辺のサウンドは、硬質なビート、隙間の多いリズム、低音の強調、未来的なシンセサイザー、R&Bとポップの境界を横断する質感によって、メインストリームの音を大きく変えていた。Duran Duranはその音を取り込み、自分たちのニューウェイヴ的な美学と接続しようとした。
この選択は非常に興味深い。Duran Duranは1980年代において、ロック・バンドでありながらクラブ・ミュージック、ファンク、シンセサイザー、映像文化と深く結びついていた。つまり、彼らが当時の最先端ポップ・プロダクションへ接近すること自体は、バンドの本質から外れたものではない。むしろ、Duran Duranが本来持っていた「時代の光沢を身にまとう」性質を、2007年の文脈で更新しようとした作品といえる。
一方で、Red Carpet Massacreはファンの間で評価が分かれやすいアルバムでもある。理由は明確である。Andy Taylorが制作途中で離脱したこともあり、ギター・バンドとしてのDuran Duranの感触は後退し、外部プロデューサーによるビートとシンセサイザーの支配感が強くなっている。John TaylorのベースやNick Rhodesのシンセの個性は残っているが、全体としてはバンドの有機的なアンサンブルよりも、2000年代型のポップ・プロダクションが前面に出る。そのため、RioやNotoriousのようなバンド独自のグルーヴを期待するリスナーには、やや外部の音を着せられた作品に聞こえる可能性がある。
アルバム・タイトルのRed Carpet Massacreは、非常にDuran Duranらしい皮肉を含む。レッドカーペットは、スター、名声、ファッション、セレブリティ、メディアの祝祭を象徴する。しかしそこに「Massacre」、つまり虐殺という言葉が付くことで、華やかな表面の裏にある暴力性、消費、イメージの破壊が浮かび上がる。Duran Duranはデビュー以来、華やかさの中に退廃や不安を忍ばせることに長けたバンドだった。本作でも、セレブリティ文化、快楽、孤独、愛の空洞化、都市的な緊張が、きらびやかな音の中に描かれている。
歌詞面では、恋愛、欲望、名声、メディア、身体、自己演出、関係の崩壊が中心にある。Simon Le Bonのヴォーカルは、若き日の妖艶さとは異なり、成熟したポップ・シンガーとしての滑らかさを持つ。だが、その声はしばしば冷たいビートの上で、華やかな世界の中にいる孤独を表現する。Duran Duranの作品では、表面の光沢と内側の虚無が常に重要だが、Red Carpet Massacreではそれが2000年代のセレブリティ文化と結びついている。
総じて、Red Carpet MassacreはDuran Duranの代表作ではない。だが、バンドが2000年代後半のポップ・サウンドと正面から接続しようとした、非常に興味深い実験作である。成功している部分と、外部プロダクションに飲み込まれた部分が混在している。しかし、その混在こそが本作の本質である。これは、1980年代の映像的ポップ・スターが、21世紀のデジタルで過剰に演出されたレッドカーペットの世界に再び足を踏み入れたアルバムである。
全曲レビュー
1. The Valley
アルバム冒頭の「The Valley」は、Red Carpet Massacreの世界観を導入する楽曲である。タイトルの「谷」は、都市の谷間、名声の谷、あるいは精神的な低地を連想させる。Duran Duranらしい光沢のあるサウンドの中に、不穏な下降感がある。
音楽的には、硬質なビートとシンセサイザーが中心で、2000年代のエレクトロポップ的な質感が強い。イントロから、バンドが従来のギター・ポップではなく、よりデジタルで洗練された方向へ進んでいることが分かる。Simon Le Bonの声は滑らかで、サウンドの冷たさに対して人間的な艶を加えている。
歌詞では、快楽や誘惑に満ちた場所へ降りていくような感覚がある。谷は安全な場所ではなく、何かに飲み込まれる場所として響く。アルバム全体がセレブリティ文化や欲望の世界を扱うことを考えると、この曲はその入口として機能している。
「The Valley」は、Duran Duranが2007年のポップ・サウンドに自分たちを接続しようとした姿勢を明確に示す。冒頭から、バンドは過去のノスタルジーではなく、同時代的な硬さと光沢を選んでいる。
2. Red Carpet Massacre
タイトル曲「Red Carpet Massacre」は、本作の主題を最も直接的に示す楽曲である。レッドカーペットは、映画祭、授賞式、セレブリティ、華やかな報道写真の象徴である。しかし「Massacre」という言葉が加わることで、その華やかさは一気に不吉なものになる。美と名声の舞台は、同時に人間が消費され、破壊される場所でもある。
音楽的には、鋭いビートとロック的な勢いがあり、アルバムの中でも攻撃的な部類に入る。ギターの存在感も比較的あり、Duran Duranのバンド的なエネルギーと現代的なプロダクションが接近している。Simon Le Bonのヴォーカルは、華やかな世界を見つめながら、その残酷さを冷静に歌う。
歌詞では、名声の場における視線、競争、破壊性が描かれる。レッドカーペットは祝福の場所に見えるが、実際には誰が美しいか、誰が成功しているか、誰が失敗したかが厳しく裁かれる場でもある。そこでは人間がイメージとして消費される。
「Red Carpet Massacre」は、本作のタイトル曲として非常に重要である。Duran Duranは自分たちもまたセレブリティ文化の中で生きてきたバンドだからこそ、その華やかさと残酷さの両方をよく知っている。この曲には、その自己認識が表れている。
3. Nite-Runner
「Nite-Runner」は、TimbalandとJustin Timberlakeが関わった楽曲であり、本作の中でも最も2000年代のアメリカン・ポップ／R&B色が強い曲の一つである。タイトルは夜を走る者、夜の都市を移動する者を意味し、クラブ、欲望、スピード、匿名性を連想させる。
音楽的には、Timbalandらしい隙間のあるビート、低音の効いたグルーヴ、声の配置が特徴である。Duran Duranの伝統的なシンセポップとは異なるが、夜の都市的な感覚という点ではバンドの美学と相性がある。Simon Le Bonの声とJustin Timberlakeの声が重なることで、世代をまたいだポップの接続が生まれている。
歌詞では、夜の関係、誘惑、動き続ける身体が描かれる。夜はDuran Duranにとって重要な時間である。1980年代から彼らは、昼の現実よりも、夜のクラブ、都市、映像的な幻想に強く結びついてきた。この曲では、その夜が2000年代のR&B的なビートで再構成されている。
「Nite-Runner」は、評価が分かれる曲でもある。外部プロデューサーの色が強く、Duran Duranらしさが薄いと感じるリスナーもいる。しかし、バンドが同時代のポップと本気で接続しようとした試みとしては、本作を象徴する一曲である。
4. Falling Down
「Falling Down」は、Justin Timberlakeが共作・プロデュースに関わったバラードであり、本作の中でも比較的メロディアスで、感情的に開かれた楽曲である。タイトルは「落ちていく」ことを意味し、名声、自己崩壊、依存、関係の破綻を連想させる。
音楽的には、ピアノと柔らかいシンセサイザーを基盤にしたミディアム・バラードであり、アルバムの派手なビートの中で一息つくような位置を持つ。Simon Le Bonのヴォーカルは非常に滑らかで、彼の成熟した表現力がよく出ている。過剰な装飾ではなく、メロディを丁寧に聴かせる曲である。
歌詞では、落下する人物、支えを失った人物が描かれる。これは恋愛の失敗としても、名声の中で壊れていくセレブリティの姿としても読める。レッドカーペットの華やかさの裏には、常に転落の物語がある。この曲は、その転落をセンセーショナルではなく、どこか哀れみを持って歌っている。
「Falling Down」は、本作の中で最もシングル向きの美しさを持つ曲である。Duran Duranの持つメロディックな魅力と、2000年代ポップの洗練が比較的自然に融合している。
5. Box Full O’ Honey
「Box Full O’ Honey」は、本作の中でも比較的温かく、メロディアスな楽曲である。タイトルは「蜂蜜でいっぱいの箱」を意味し、甘さ、記憶、贈り物、誘惑、保存された感情を連想させる。アルバム全体の冷たいビートやセレブリティ文化への皮肉の中で、この曲はより人間的で親密な感触を持つ。
音楽的には、柔らかなアレンジと穏やかなメロディが中心である。Duran Duranのバラード的な側面が表れており、過剰に現代的なプロダクションへ寄りすぎていない。Nick Rhodesのシンセサイザー的な空気感も、曲に繊細な色彩を加えている。
歌詞では、甘く大切に保存されたものへの思いが歌われる。蜂蜜は甘さであると同時に、時間が経っても保存されるものでもある。恋愛や記憶が、箱の中にしまわれた蜂蜜のように描かれていると読める。だが、甘さは常に危険でもある。甘いものは人を引き寄せ、時に閉じ込める。
「Box Full O’ Honey」は、アルバムの中で過小評価されがちな曲だが、Duran Duranのメロディックな成熟を示す重要な小品である。派手な外部プロデュース曲よりも、バンド自身の内側に近い響きを持っている。
6. Skin Divers
「Skin Divers」は、Timbalandとの関わりが強い楽曲であり、アルバムの中でもリズムの実験性が目立つ。タイトルは「皮膚の潜水者」と訳せるが、これは身体の表面を超えて内側へ潜る者、あるいは快楽と身体感覚の深部へ向かう者を連想させる。
音楽的には、Timbaland的なヴォーカル・フック、硬いビート、隙間のあるリズム構成が前面に出ている。Duran Duranの古典的なバンド・サウンドというより、2000年代R&Bの音響の中にSimon Le Bonの声が配置されている印象が強い。低音とリズムの扱いが本作の中でも特に現代的である。
歌詞では、身体、誘惑、接触、深部へ入っていく感覚が描かれる。Duran Duranはもともと身体性と視覚性を重視するバンドだったが、この曲ではその身体性がよりR&B的に、皮膚感覚に近い形で表れる。タイトルの「Skin」は、外見、欲望、触覚、イメージの表面を示している。
「Skin Divers」は、Duran DuranらしさとTimbalandらしさの衝突が最もはっきり出た曲の一つである。成功しているかどうかは聴き手によって分かれるが、本作の実験性を考えるうえでは欠かせない。
7. Tempted
「Tempted」は、誘惑をテーマにした楽曲であり、Duran Duranの得意とする洗練された欲望のポップ・ソングとして機能する。タイトルは非常に明快で、誰か、あるいは何かに引き寄せられる状態を示す。
音楽的には、軽快なビートと滑らかなメロディが特徴で、アルバムの中では比較的バンドらしいポップ感覚が残っている。過度に外部プロデューサー色が強いわけではなく、Duran Duranのシンセポップ／ファンク・ポップの伝統が現代的に更新されたように響く。
歌詞では、誘惑に抗えない人物が描かれる。Duran Duranの音楽における誘惑は、単なる恋愛の始まりではない。そこには危険、自己喪失、都市的な退廃が伴う。この曲でも、相手へ惹かれることは甘い経験であると同時に、自分のコントロールを失うことでもある。
「Tempted」は、アルバムの中で比較的聴きやすく、Duran Duranの本来のポップ・センスが出た曲である。派手さは控えめだが、滑らかなグルーヴとメロディが魅力となっている。
8. Tricked Out
「Tricked Out」は、インストゥルメンタル寄りの性格を持つ楽曲であり、本作の中でNick Rhodesを中心とする電子的な音響感覚が表に出る場面である。タイトルは、装飾された、改造された、派手に仕立てられたという意味を持ち、アルバム全体のファッション的・人工的な美学とも関係する。
音楽的には、シンセサイザー、ビート、音のテクスチャーが中心で、歌というよりサウンドのショーケースとして機能している。Duran Duranはデビュー以来、インストゥルメンタル的な間奏やリミックス文化とも相性がよかったが、この曲はその側面を2000年代的な形で提示している。
歌詞がほとんどない分、曲の焦点は音色とリズムにある。人工的に磨かれ、装飾され、加工されたサウンドは、アルバムのテーマであるレッドカーペット的な表面性とも響き合う。外見を飾ること、音を飾ること、身体や商品を飾ること。そのすべてが同じ美学の中にある。
「Tricked Out」は、アルバム全体の流れの中では間奏的な役割を持つが、Duran Duranの電子的な美意識を理解するうえで重要である。歌よりも音の質感で語る曲である。
9. Zoom In
「Zoom In」は、視覚的なタイトルを持つ楽曲であり、Duran Duranの映像文化との深い関係を思い起こさせる。ズームインとは、対象へカメラが近づくこと、細部を拡大すること、監視やメディアの視線が対象を捕らえることを意味する。
音楽的には、硬いビートとシンセサイザーが中心で、非常にデジタルな質感を持つ。曲は都市的で、少し冷たく、視線にさらされる感覚がある。Duran Duranの音楽は常に視覚的だったが、この曲ではその視覚性が、MTV時代の華やかさではなく、デジタル時代の接近と監視の感覚へ変わっている。
歌詞では、見られること、近づかれること、対象化されることがテーマになっているように響く。ズームインされる人物は、細部まで消費される。セレブリティ文化では、顔、身体、服装、失敗、傷までが拡大され、商品になる。この曲は、そのメディア的な接近の感覚をポップに表現している。
「Zoom In」は、アルバムのコンセプトに非常によく合った曲である。レッドカーペットの世界では、人は常にカメラに捕らえられている。その視線の快楽と暴力が、曲の中にある。
10. She’s Too Much
「She’s Too Much」は、本作の中でも穏やかで、感情的なバラードに近い楽曲である。タイトルは「彼女はあまりにも特別だ」「彼女は過剰だ」といった意味に取れる。Duran Duranの作品には、女性を魅惑的で謎めいた存在として描く曲が多いが、この曲ではその視線が比較的優しく、個人的である。
音楽的には、柔らかなシンセサイザーと落ち着いたリズムが中心で、Simon Le Bonのヴォーカルが前面に出る。彼の声は成熟しており、若い頃の派手な艶とは違う、落ち着いた温かさがある。アルバムの中では、外部プロダクションの派手さよりも、メロディと歌が重要になる曲である。
歌詞では、特別な女性への思いが歌われる。彼女は手に余る存在であり、簡単には理解できない。だが、その過剰さこそが魅力でもある。Duran Duranらしい女性像ではあるが、ここでは過度なセクシュアリティよりも、感情的な距離と憧れが強い。
「She’s Too Much」は、アルバムの中で静かなアクセントを担う曲である。派手なビートやセレブリティ批評から少し離れ、人間的な感情を取り戻す場面として機能している。
11. Dirty Great Monster
「Dirty Great Monster」は、タイトルからして不穏で、アルバムの中でも暗い心理を扱う楽曲である。巨大で汚れた怪物というイメージは、外部の敵であると同時に、自分自身の中にある恐れや怒り、社会の醜さを象徴しているように響く。
音楽的には、重く不気味なムードがあり、シンセサイザーとリズムが暗い空間を作る。Duran Duranの華やかなイメージとは対照的に、この曲では陰影が強い。Simon Le Bonの歌唱も、魅惑的というより、物語を語るような雰囲気を持つ。
歌詞では、怪物的な存在が描かれる。それは人間関係の中の暴力かもしれないし、社会的なシステムかもしれないし、自己の中の破壊衝動かもしれない。重要なのは、その怪物が単純に外部化されていない点である。レッドカーペットの華やかな世界にも、怪物は潜んでいる。
「Dirty Great Monster」は、本作の中でダークな側面を代表する曲である。Duran Duranが単なる洗練されたポップ・バンドではなく、退廃や恐怖のイメージも扱えることを示している。
12. Last Man Standing
「Last Man Standing」は、アルバム終盤に置かれた楽曲であり、生き残り、孤立、競争の果てに残る人物をテーマにしている。タイトルは「最後に立っている男」を意味し、サバイバル、名声の競争、長いキャリアを持つバンド自身の姿とも重なる。
音楽的には、比較的力強いビートとメロディがあり、アルバムの締めに向けて緊張感を保つ。Duran Duranは1980年代の同世代の多くのバンドが姿を消す中で生き残ってきた存在であり、この曲にはその自己認識が反映されているようにも聞こえる。
歌詞では、競争の後に残された者の孤独が描かれる。最後まで立っていることは勝利であるが、同時に周囲がいなくなることでもある。名声の世界では、生き残ることは祝福であると同時に、孤独な状態でもある。この二重性が曲の主題になっている。
「Last Man Standing」は、Duran Duranのキャリアを考えると象徴的な曲である。彼らは長く生き残った。しかし、生き残ることは、常に変化し続けること、時に批判を受けながら新しい音へ接近することでもある。
13. Cry Baby Cry
アルバム最後を飾る「Cry Baby Cry」は、タイトルからして幼さ、涙、感情の露出を連想させる楽曲である。The Beatlesにも同名曲があるが、ここでのDuran Duranは、泣くこと、感情を抑えきれないこと、弱さを見せることを、アルバムの最後に置いている。
音楽的には、ビートとシンセサイザーが中心で、終曲としては比較的現代的な質感を保っている。派手に壮大なフィナーレを作るというより、本作のデジタルなポップ感覚を最後まで維持する。Simon Le Bonの声は滑らかだが、タイトルの通り、感情的な脆さも含む。
歌詞では、泣くこと、甘え、感情的な崩れがテーマになっている。レッドカーペットの世界では、弱さはしばしばスキャンダルや商品として消費される。しかし、人間はどれほど装っても、最後には泣く存在である。この曲は、アルバム全体の華やかさの裏にある脆さを締めくくる。
「Cry Baby Cry」は、終曲としてやや軽く感じられる可能性もあるが、本作のテーマには合っている。華やかなセレブリティの世界、誘惑、怪物、競争を通過した後に残るのは、感情を制御できない人間の姿である。
総評
Red Carpet Massacreは、Duran Duranのキャリアの中でも最も評価が分かれる作品の一つである。1980年代のバンドらしいシンセポップやファンク・ロックを期待するリスナーには、TimbalandやJustin Timberlakeの関与による2000年代R&B／ダンス・ポップ色が強すぎるように聞こえるかもしれない。実際、本作ではギター・バンドとしてのDuran Duranの感触は後退し、外部プロダクションの個性がかなり前面に出ている。
しかし、Duran Duranというバンドの本質を考えると、この選択は単なる迎合ではない。彼らはもともと、ロック、ディスコ、ファンク、シンセポップ、ファッション、映像を結びつけ、その時代の表面の光沢を音楽に取り込むバンドだった。1980年代にMTV時代の最先端を走った彼らが、2000年代にTimbaland周辺の音へ接近することは、ある意味では自然な試みである。問題は、その接続がどこまでDuran Duran自身の個性として消化されているかである。
本作の成功している部分では、Duran Duranの洗練されたメロディと現代的なビートがうまく結びついている。「Falling Down」「Box Full O’ Honey」「Tempted」「She’s Too Much」などでは、Simon Le Bonの成熟したヴォーカルとバンドのメロディ感覚がしっかり残っている。一方、「Nite-Runner」や「Skin Divers」では、Timbaland色が強く出るため、Duran Duranらしさよりも外部のプロダクションが目立つ場面もある。
アルバム全体のテーマとしては、セレブリティ文化の華やかさと残酷さが重要である。タイトルのRed Carpet Massacreは非常に的確で、レッドカーペットの世界が祝祭であると同時に、人間を消費し、裁き、破壊する場であることを示している。Duran Duranは自らも長年、華やかなイメージと共に生きてきたバンドである。そのため、このテーマは外部批評ではなく、自己批評としても響く。
歌詞面では、欲望、名声、誘惑、転落、怪物、感情の崩れが繰り返し現れる。これは1980年代からDuran Duranが扱ってきた退廃的な美学の延長でもある。ただし、本作ではその退廃が、ヨットやリゾートやファッション誌的な映像美ではなく、デジタル・カメラ、パパラッチ、R&Bビート、レッドカーペットの過剰な照明の中で描かれている。時代が変わった分、退廃の質感も変わっている。
弱点は、アルバムとしての統一感とバンド感の薄さである。Duran Duranの魅力は、John Taylorのベース、Nick Rhodesのシンセ、ギター、ドラム、Simon Le Bonの声が生む独特のグルーヴにある。しかし本作では、プロダクションの枠組みが強いため、メンバーの演奏の個性が後景に下がる場面がある。特にAndy Taylorの離脱もあり、ロック・バンドとしての緊張感は前作Astronautより弱い。
それでも、Red Carpet Massacreは失敗作として片づけるには惜しいアルバムである。Duran Duranが過去の成功をなぞるのではなく、当時のポップの中心へ踏み込もうとした意志は明確である。結果が完全に成功しているとは言えないが、その不安定さこそが本作を興味深いものにしている。ベテラン・バンドが時代の音を取り込もうとするとき、何が残り、何が変わり、何が失われるのか。その問いが、このアルバムにはある。
日本のリスナーにとって本作は、Duran Duran入門としては最適ではない。まずはRio、Notorious、Duran Duran (The Wedding Album)、あるいは再結成作Astronautを聴いた方が、バンドの本質はつかみやすい。しかし、Duran Duranが2000年代にどのように自分たちを更新しようとしたかを理解するには、Red Carpet Massacreは重要な作品である。特に2000年代R&B／ポップ・プロダクションと80年代ニューウェイヴ・バンドの接点に関心がある場合、本作は興味深く聴ける。
総合的に見て、Red Carpet MassacreはDuran Duranの問題作であり、同時に時代との接続を試みた野心作である。華やかなレッドカーペット、冷たいビート、誘惑、転落、カメラの視線、感情の崩壊。そのすべてが、きらびやかで人工的な音の中に封じ込められている。Duran Duranはここで、過去の栄光をそのまま再演するのではなく、21世紀のポップの光と残酷さの中へ再び自分たちを投げ込んだ。
おすすめアルバム
1. Duran Duran – Rio（1982年）
Duran Duranの代表作であり、ニュー・ロマンティック、ファンク、シンセポップ、映像的な美学が高い完成度で結びついたアルバムである。Red Carpet Massacreにおける光沢あるポップ感覚の原点を理解するために欠かせない。
2. Duran Duran – Notorious（1986年）
Nile Rodgersのプロデュースにより、ファンク、ソウル、ダンス・ミュージックへの接近を強めた重要作である。Duran Duranが外部プロデューサーと組み、同時代のグルーヴを取り込む方法の成功例として、本作と比較して聴く価値が高い。
3. Duran Duran – Astronaut（2004年）
黄金期メンバー再集結後のアルバムであり、1980年代的なDuran Duranらしさと2000年代のポップ・ロックを比較的バランスよく結びつけた作品である。Red Carpet Massacreがどこから方向転換したのかを理解しやすい。
4. Justin Timberlake – FutureSex/LoveSounds（2006年）
TimbalandとJustin Timberlakeによる2000年代ポップ／R&Bの重要作であり、硬質なビート、未来的なシンセ、セクシュアリティとダンス・ポップの融合が特徴である。Red Carpet Massacreのプロダクション面の背景を理解するために有効である。
5. Duran Duran – All You Need Is Now（2010年）
Red Carpet Massacreの次作であり、Mark Ronsonのプロデュースによって、1980年代Duran Duranの美学を現代的に再構築した作品である。本作で外部ポップ・プロダクションへ大きく振れた後、バンドがどのように自分たちの核へ戻ったかを確認できる。
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