発売日：2003年8月25日
ジャンル：ガレージ・ロック・リヴァイヴァル、オルタナティヴ・ロック、ノイズ・ロック、サイケデリック・ロック、ポスト・パンク、シューゲイズ
概要
ブラック・レベル・モーターサイクル・クラブの『Take Them On, On Your Own』は、2003年に発表された通算2作目のスタジオ・アルバムである。サンフランシスコで結成され、ロサンゼルスを拠点に活動したこのバンドは、ピーター・ヘイズ、ロバート・レヴォン・ビーン、ニック・ジャゴを中心に、2000年代初頭のロック・リヴァイヴァルの中で強い存在感を示した。デビュー作『B.R.M.C.』（2001年）は、ジーザス＆メリー・チェイン、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、スペースメン3、ストゥージズ、シューゲイザー、ガレージ・ロックの要素を結びつけ、暗くノイジーで、同時にクールなロックンロールを提示した作品だった。
『Take Them On, On Your Own』は、そのデビュー作の延長線上にありながら、より攻撃的で、より政治的で、より硬質なアルバムである。前作が黒い革ジャン、煙、夜のクラブ、退廃的なロックンロールの美学を強くまとっていたとすれば、本作はそこに苛立ち、反抗、社会への不信、集団からの孤立感を加えている。タイトルの「Take Them On, On Your Own」は、「自分ひとりで彼らに立ち向かえ」と訳せる。ここには、権力や多数派、システム、音楽産業、あるいは社会そのものに対して、孤立した個人として立ち向かう姿勢がある。
2003年という時代背景も重要である。アメリカでは9.11以後の政治的緊張、対テロ戦争、イラク戦争への突入、愛国主義的な空気が強まり、ロック・ミュージックにも政治的な不安や怒りが入り込んでいた。ブラック・レベル・モーターサイクル・クラブは、明確なプロテスト・フォークやパンクのように直接的なスローガンを掲げるバンドではない。しかし本作には、時代の圧力に対する苛立ちが濃く刻まれている。「U.S. Government」のような曲名は非常に直接的であり、権力への不信、支配されることへの拒否がアルバム全体に流れている。
音楽的には、本作は前作よりもギターの圧力が強く、リズムも直線的である。デビュー作にあったシューゲイズ的な浮遊感やサイケデリックな霧は残っているが、それ以上に、ガレージ・ロック的な粗さ、ポスト・パンク的な緊張感、ハードなリフの推進力が前面に出ている。ピーター・ヘイズのざらついたヴォーカルと、ロバート・レヴォン・ビーンの低くうなるような声が交互に現れ、バンドの二重性を形作っている。ヘイズはよりブルージーで荒涼とした側面を担い、ビーンはより冷たく、ポスト・パンク的で、内省的な側面を担う。この二人の声の対比は、BRMCの重要な魅力である。
バンド名の「Black Rebel Motorcycle Club」は、映画『乱暴者』に登場するマーロン・ブランドのバイク・ギャング名に由来する。つまり、彼らの音楽には最初から反抗、孤独、スタイルとしてのアウトロー性が含まれていた。ただし、本作における反抗は、単なるロックンロールのポーズにとどまらない。アルバム全体には、社会の中で居場所を失った者の怒り、権力に対する不信、自由を求める衝動、そしてその自由が必ずしも救済にならないという冷たい認識がある。
本作は、2000年代初頭のガレージ・ロック・リヴァイヴァルの中で語られることが多い。ザ・ストロークス、ザ・ホワイト・ストライプス、ザ・ハイヴス、ザ・ヴァインズ、インターポール、ヤー・ヤー・ヤーズなどが登場し、ロックが再びシンプルなギター・サウンドへ回帰していた時期である。しかしBRMCは、その中でも特に暗く、重く、サイケデリックな側面を持っていた。ストロークスの都市的な軽さや、ホワイト・ストライプスのブルース的なミニマリズムとは異なり、BRMCはジーザス＆メリー・チェイン以降のノイズ、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド的な反復、ストゥージズ的な危険性を強く引き継いでいた。
キャリア上の位置づけとして、『Take Them On, On Your Own』は、BRMCが初期の黒くノイジーなロック路線を最も強く押し出した作品である。次作『Howl』では、彼らはブルース、ゴスペル、アメリカーナへ大きく接近し、バンドの別の側面を示すことになる。その意味で本作は、デビュー作で確立したダークなガレージ・サイケデリアを、より攻撃的に、より政治的に研ぎ澄ましたアルバムといえる。初期BRMCの鋭さと閉塞感を理解するうえで、極めて重要な一枚である。
全曲レビュー
1. Stop
冒頭曲「Stop」は、アルバムの姿勢を端的に示す楽曲である。タイトルは短く、命令形であり、何かを止めること、拒絶すること、流れに逆らうことを示している。開始直後からギターとリズムが強く押し出され、前作以上に攻撃的な音像が提示される。
音楽的には、ガレージ・ロックの荒さとポスト・パンクの直線的な緊張感が融合している。ギターは分厚く、低音は重く、ヴォーカルは冷たく突き放すように響く。ここにはデビュー作のような煙った浮遊感よりも、前へ突き進む圧力がある。
歌詞では、何かに対する拒否、関係や社会の圧力から離れようとする感覚が描かれる。BRMCの歌詞は必ずしも説明的ではないが、この曲では「止めろ」という言葉が、アルバム全体の反抗的なムードを決定づけている。聴き手は最初から、静かな内省ではなく、対立の場へ放り込まれる。
2. Six Barrel Shotgun
「Six Barrel Shotgun」は、本作の中でも特に攻撃的で、爆発力のある楽曲である。タイトルは「六連装ショットガン」を意味し、暴力、武器、過剰な攻撃性を連想させる。曲そのものも、まさにタイトル通りの勢いを持つ。
音楽的には、速いテンポ、歪んだギター、荒いリズムが中心で、ストゥージズやMC5のような原始的ロックンロールのエネルギーが感じられる。洗練されたギター・ロックではなく、音がそのままぶつかってくるような曲である。ドラムの直線的なビートも、曲に暴走感を与えている。
歌詞では、逃げ場のない怒り、対決、破壊的な衝動が示される。ここでの暴力性は、単に武器を賛美するものではなく、抑圧された感情が音として噴き出す感覚に近い。BRMCのロックンロールは、クールな装いを持ちながら、その内側には非常に生々しい苛立ちがある。この曲はその苛立ちが最も直接的に表れた一曲である。
3. We’re All in Love
「We’re All in Love」は、タイトルだけを見るとロマンティックな楽曲を想像させるが、BRMCの文脈ではその言葉は単純な幸福を意味しない。むしろ、愛という言葉が集団的な陶酔、自己欺瞞、あるいは破滅的な依存と結びついているように響く。
音楽的には、前曲の攻撃性から少し開けた感覚があり、メロディも比較的明確である。しかし、サウンドは依然として暗く、ギターの歪みとヴォーカルの冷たさが曲を甘くしすぎない。愛を歌っていても、そこには不安や皮肉が残る。
歌詞では、全員が愛の中にいるという表現が、共同体的な救済にも、集団的な麻痺にも聞こえる。BRMCは愛や自由をよく歌うが、それらは常に壊れやすく、危険で、時に空虚である。この曲も、愛を肯定しながら、その裏にある曖昧さを残している。
4. In Like the Rose
「In Like the Rose」は、アルバム前半の中でも特にサイケデリックで、メロディアスな楽曲である。タイトルには「薔薇のように入ってくる」という美しいイメージがあるが、BRMCの音楽では、薔薇の美しさには棘や毒も含まれる。
音楽的には、シューゲイズ的なギターの広がりと、ガレージ・ロックの低い推進力が組み合わされている。ヴォーカルはやや遠く、音の膜の中に溶け込むように響く。デビュー作から続くBRMCの退廃的な美しさがよく表れた曲である。
歌詞では、美しさ、接近、誘惑、傷つくことが暗示される。薔薇は愛や美の象徴であると同時に、刺すものでもある。この曲には、対象に引き寄せられながらも、それが痛みを伴うことを知っているようなムードがある。攻撃的なアルバムの中で、サイケデリックな陰影を与える重要曲である。
5. Ha Ha High Babe
「Ha Ha High Babe」は、タイトルからして挑発的で、少し幻覚的な響きを持つ楽曲である。「High」という言葉は、気分の高揚、薬物的な状態、精神的な浮遊を連想させる。そこに「Ha Ha」という笑いが加わることで、快楽と虚無が混ざったような感覚が生まれる。
音楽的には、ざらついたギターとロックンロール的なリズムが中心で、曲には不敵な軽さがある。だが、その軽さは明るいものではなく、どこか投げやりで退廃的である。BRMCの音楽における「クールさ」は、しばしばこうした感情の距離感から生まれている。
歌詞では、快楽、皮肉、相手への呼びかけ、あるいは現実から少し離れた状態が描かれる。タイトルの笑いは本当に楽しそうというより、何かをあざ笑うようにも響く。アルバムの中で、この曲は攻撃性と退廃性を軽く揺らす役割を果たしている。
6. Generation
「Generation」は、タイトル通り世代をテーマにした楽曲である。2000年代初頭の若いロック・バンドが「世代」を歌うとき、そこにはしばしば、親世代や権力、社会の期待に対する反発が含まれる。BRMCの場合、その反発は明確な宣言というより、冷えた不信として表れる。
音楽的には、力強いギター・リフと重いリズムが印象的である。曲は非常に直線的で、アルバムの中でもロック・アンセム的な性格を持つ。しかし、一般的な世代賛歌のような開放感はない。むしろ、世代そのものが孤立し、疲弊し、怒っているように響く。
歌詞では、自分たちの世代が何を受け継ぎ、何に抵抗し、何を失っているのかが暗示される。2003年のアメリカ社会において、若い世代は戦争、メディア、消費文化、政治的分断の中に置かれていた。この曲は、その閉塞をロックの形で吐き出している。
7. Shade of Blue
「Shade of Blue」は、本作の中でも比較的メロディアスで、哀愁のある楽曲である。タイトルは「青の色合い」を意味し、憂鬱、孤独、ブルース的な感情を連想させる。攻撃的な曲が多い本作の中で、内省的な側面を担っている。
音楽的には、ギターの響きに空間があり、ヴォーカルも感情を抑えながら歌われる。BRMCのブルース感覚は、伝統的なブルースの形式というより、暗い色彩として表れる。この曲では、その「青」が音全体を覆っている。
歌詞では、喪失感や自己の内側にある暗い感情が描かれる。青は単色ではなく「shade」、つまり色合いとして語られている。これは、悲しみや孤独が一つの明確な感情ではなく、微妙な濃淡を持つものであることを示している。アルバム中盤で、感情の深さを加える重要な曲である。
8. U.S. Government
「U.S. Government」は、本作の政治的側面を最も直接的に示す楽曲である。タイトルからしてアメリカ政府への不信や批判が明確であり、2003年という時代背景を考えると、イラク戦争前後の政治的緊張と切り離して聴くことは難しい。
音楽的には、硬く、重く、怒りを抑えたロック・ナンバーである。ギターは鋭く、リズムは行進のような圧力を持ち、ヴォーカルは冷たい。パンクのように叫び倒すのではなく、低い温度で権力を睨みつけるような曲である。
歌詞では、政府、支配、自由の名のもとに行われる抑圧への疑念が示される。BRMCは政治的メッセージを長く説明するタイプのバンドではないが、この曲ではタイトルそのものが強い声明になっている。アルバム全体の「一人で立ち向かえ」という姿勢を、社会的・政治的な文脈へ引き上げる重要曲である。
9. And I’m Aching
「And I’m Aching」は、アルバム後半において内面的な痛みを強く示す楽曲である。タイトルは「そして私は痛んでいる」と訳せる。ここでの痛みは身体的でもあり、精神的でもある。前曲「U.S. Government」の社会的な怒りの後に、個人の痛みへ視点が戻る。
音楽的には、やや抑制されたテンポと、暗いギターの響きが特徴である。ヴォーカルは疲れを帯び、曲全体に消耗感がある。BRMCの音楽はしばしば反抗的に聞こえるが、その反抗の奥には常に傷ついた感情がある。この曲はその傷の部分を前面に出している。
歌詞では、何かを求めながらも届かないこと、痛みが続くことが描かれる。アルバムの攻撃性は、このような痛みから生まれているともいえる。怒りは外に向かうが、痛みは内側に残る。「And I’m Aching」は、本作の精神的な重さを支える楽曲である。
10. Suddenly
「Suddenly」は、突然の変化、認識の転換、感情の急な到来をテーマにした楽曲である。タイトルは短く、何かが前触れなく起きる感覚を持つ。BRMCの世界では、愛も喪失も怒りも、しばしば突然現れ、個人を揺さぶる。
音楽的には、比較的穏やかな導入を持ちながら、内側には緊張がある。ギターは厚くなりすぎず、メロディの輪郭が見えやすい。アルバム後半で、曲調に少し呼吸を与える役割を果たしている。
歌詞では、ある瞬間に気づいてしまうこと、関係や自分自身の状態が変わってしまうことが描かれる。突然という言葉は、ドラマティックな事件だけでなく、内面の変化にも使える。この曲では、静かな気づきのような感覚が中心にある。激しいロックの中に、こうした内省を置く点がBRMCらしい。
11. Rise or Fall
「Rise or Fall」は、タイトルからして上昇か転落かという二者択一を示す楽曲である。アルバム全体のテーマである、孤立して立ち向かうこと、勝つか負けるか、自分の足で立つか崩れるかという感覚が、ここで明確に表れている。
音楽的には、力強く、アルバム後半の中でも再びエネルギーを高める曲である。ギターとリズムの推進力があり、ヴォーカルもより前へ出る。BRMCのロックンロールとしての強度が感じられる一曲である。
歌詞では、立ち上がることと落ちることの間にある緊張が描かれる。ここには明るい勝利宣言はない。むしろ、立ち上がることも落ちることも同じくらい現実的であり、そのどちらを選ぶかは自分次第だという厳しさがある。本作のタイトルが示す「自分ひとりで立ち向かえ」という精神を、個人の選択として表現した曲である。
12. Going Under
「Going Under」は、「沈んでいく」「負けていく」「意識を失っていく」といった意味を持つタイトルであり、アルバム終盤に強い暗さを与える楽曲である。前曲「Rise or Fall」が上昇と転落の二択を示した後、この曲では沈下の感覚が前面に出る。
音楽的には、重く、ややスロウで、ギターの響きも暗い。曲は大きく開放されるのではなく、下へ下へと沈んでいくように進む。BRMCのサイケデリックな側面が、ここでは沈み込む方向に使われている。
歌詞では、精神的な沈下、関係の崩壊、あるいは社会の圧力に飲み込まれる感覚が描かれる。タイトルの「Going Under」は、単なる敗北ではなく、水面下へ消えていくような感覚を持つ。アルバム全体の反抗的な姿勢の裏にある、逃れがたい暗さを示す楽曲である。
13. Heart + Soul
アルバム最後を飾る「Heart + Soul」は、本作の締めくくりとして非常に重要な楽曲である。タイトルは「心と魂」を意味し、アルバム全体を通じて繰り返されてきた怒り、反抗、痛み、孤独の先に、最終的に残るものを示しているように響く。
音楽的には、長尺で、サイケデリックな広がりを持つ終曲である。反復するリズム、重いギター、荒涼としたヴォーカルが重なり、アルバムを大きな暗い渦の中で閉じていく。単純なロック・ソングとして終わるのではなく、儀式的な持続感がある。
歌詞では、心と魂を求めること、あるいはそれらがまだ残っているのかを問う感覚がある。本作では社会や政府、世代、愛、痛みが歌われてきたが、最後に問われるのは、結局自分の内側に何が残るのかということだ。反抗はスタイルではなく、心と魂を失わないための行為として示される。
「Heart + Soul」は、アルバム全体を重く締めくくる。明るい解決はないが、完全な虚無でもない。音は暗く、長く、ざらついているが、その中にまだ消えない芯がある。BRMC初期の美学を象徴する終曲である。
総評
『Take Them On, On Your Own』は、ブラック・レベル・モーターサイクル・クラブの初期を代表するアルバムであり、デビュー作で確立したダークなガレージ・サイケデリアを、より攻撃的かつ政治的に発展させた作品である。前作『B.R.M.C.』の持っていたクールな退廃美はそのままに、ここでは時代への怒り、権力への不信、個人の孤立がより強く表れている。
アルバム・タイトルが示すように、本作の中心には「ひとりで立ち向かう」というテーマがある。それは政治的な意味でも、個人的な意味でも機能する。「U.S. Government」では権力への不信が明確に示され、「Generation」では同時代の若者の閉塞が描かれる。「Stop」や「Six Barrel Shotgun」では拒絶と攻撃性が音として噴き出し、「And I’m Aching」や「Going Under」では、その反抗の奥にある痛みと沈下が表れる。つまり本作は、単なる反抗のアルバムではなく、反抗せざるを得ないほど傷ついた個人のアルバムでもある。
音楽的には、ガレージ・ロック・リヴァイヴァルの文脈にありながら、BRMCは他の同時代バンドとは異なる暗さを持っている。ザ・ストロークスのような都会的な軽快さや、ザ・ホワイト・ストライプスのブルース的なミニマリズムに比べると、BRMCの音はより黒く、重く、サイケデリックである。ジーザス＆メリー・チェインのノイズ、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドの反復、スペースメン3の麻薬的浮遊感、ストゥージズの暴力的な衝動が、本作では硬質なロック・サウンドとして再構成されている。
ピーター・ヘイズとロバート・レヴォン・ビーンの二人の声の対比も、本作の大きな魅力である。ヘイズの声には乾いたブルース感と荒涼としたロックンロールの質感があり、ビーンの声には冷たさ、内向性、ポスト・パンク的な鋭さがある。この二つの声が交互に現れることで、アルバムは単調にならず、反抗と内省、怒りと孤独の間を行き来する。
一方で、本作にはデビュー作ほどの即効性や、後の『Howl』のような大胆な変化はないともいえる。アルバム全体のトーンはかなり一貫して暗く、ギターの質感も重いため、聴き手によってはモノクロームに感じられるかもしれない。しかし、その一貫した暗さこそが本作の強みでもある。2003年の政治的・社会的な空気、バンドの初期衝動、そしてロックンロールへの信仰が、一つの黒い塊として鳴っている。
歌詞面では、明確な物語よりも、反抗、痛み、孤独、権力への不信を示す断片的な言葉が多い。これはBRMCの音楽性とよく合っている。彼らの楽曲は、細かく説明するよりも、音の圧力と声の質感で感情を伝える。言葉はスローガンになりすぎず、しかし時に「U.S. Government」のように鋭く政治的な輪郭を持つ。この曖昧さと直接性の揺れが、本作の緊張を生んでいる。
日本のリスナーにとって『Take Them On, On Your Own』は、2000年代初頭のロック・リヴァイヴァルを、より暗く重い角度から理解するために重要な作品である。華やかなガレージ・ロック・ブームの一部としてだけでなく、ノイズ、サイケデリア、ポスト・パンク、政治的な苛立ちを含んだアルバムとして聴くと、その魅力がより明確になる。ギター・ロックの荒々しさと、シューゲイズ的な陰影、そして反抗的なロックンロールの美学が好きなリスナーには、非常に強く響く作品である。
総じて『Take Them On, On Your Own』は、BRMCが初期に持っていた黒い衝動を最も硬く、鋭く刻み込んだアルバムである。反抗的で、暗く、ざらついていて、時に単調なほど頑固である。しかし、その頑固さこそが、この作品を時代の中で際立たせている。自分ひとりで立ち向かうしかないという冷たい認識を、ギターのノイズと低いビートで鳴らした、2000年代初頭の重要なオルタナティヴ・ロック作品である。
おすすめアルバム
1. Black Rebel Motorcycle Club『B.R.M.C.』（2001年）
BRMCのデビュー作であり、ジーザス＆メリー・チェイン、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、シューゲイズ、ガレージ・ロックを融合した初期代表作である。『Take Them On, On Your Own』よりも浮遊感と退廃美が強く、バンドの基本的な美学を理解するうえで欠かせない。
2. Black Rebel Motorcycle Club『Howl』（2005年）
本作の次に発表されたアルバムで、ブルース、ゴスペル、フォーク、アメリカーナへ大きく接近した作品である。初期2作のノイジーなギター・ロックから一転し、バンドのルーツ音楽への関心が前面に出ている。BRMCの幅広さを知るために重要な一枚である。
3. The Jesus and Mary Chain『Psychocandy』（1985年）
ノイズと甘いメロディを融合した歴史的名盤であり、BRMCの音楽的背景を理解するうえで非常に重要である。フィードバック・ノイズ、60年代ポップへの愛、黒い革ジャン的なロックンロール美学は、BRMCの初期作品にも強く受け継がれている。
4. The Stooges『Fun House』（1970年）
ガレージ・ロック、プロト・パンク、荒々しい反復と暴力的なエネルギーを持つ名盤である。『Take Them On, On Your Own』の「Six Barrel Shotgun」などに見られる原始的な攻撃性や、制御不能なロックンロールの源流として関連性が高い。
5. Interpol『Turn on the Bright Lights』（2002年）
BRMCと同時代のポスト・パンク・リヴァイヴァルを代表する作品である。音楽性はより都市的で冷たいが、2000年代初頭のロックにおける暗さ、緊張感、低音の重さという点で関連性がある。BRMCの荒々しさとは異なる、同時代のダークなギター・ロックを理解するために有効である。
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