1. 楽曲の概要
「The Loneliest Time」は、Carly Rae JepsenがRufus Wainwrightを迎えて2022年10月に発表した楽曲である。同月発売の6作目のスタジオ・アルバム『The Loneliest Time』のタイトル曲で、通常盤ではアルバム終盤を締めくくる位置に置かれている。作詞・作曲にはJepsen、Wainwright、BullionことNathan Jenkinsが参加し、プロデュースもBullionが担当した。
サウンドはJepsenが『E•MO•TION』以降得意としてきたシンセポップをそのまま反復するものではない。1970年代のディスコ、ソフトロック、ストリングスを使ったクラシックなポップ、ミュージカル的な男女デュエットを組み合わせ、意図的に華やかな演出を施している。Jepsenの軽く明るい声と、Wainwrightの豊かな響きを持つ声の違いもアレンジの一部として機能する。
タイトルは強い孤独を予想させるが、曲が描くのは孤独そのものに沈み続ける人物ではない。離れていた相手をもう一度訪ねようとする夜、その直前の高揚と迷いが中心となる。「最も孤独だった時間」を過去形へ移し、そこから再び誰かへ近づく動きをディスコ・ポップへ変換した作品である。
2. 歌詞の概要
歌詞の語り手は、過去に関係を持っていた相手と離れた状態にいる。二人の間に何が起こったのかは細かく説明されないが、別れてから時間が経過し、その間に互いが孤独を経験してきたことが示される。
重要なのは、語り手が失恋を静かに振り返るだけではない点だ。夜が深くなるにつれて、相手へ連絡したい、会いに行きたいという衝動が強くなる。過去の恋愛を思い出すことから始まり、最終的には実際に相手のところへ向かおうとするため、歌詞には明確な運動がある。
ただし復縁が成立したことまでは描かれない。語り手は「戻る」という決断をするが、相手がそれを受け入れるかは分からない。したがって曲の幸福感は、関係が修復された結果ではなく、自分から孤独を破ろうとする瞬間から生まれている。
Rufus Wainwrightが加わることで、この状況は一人の内面だけではなくデュエットとして提示される。二人の声が同じフレーズへ収束していくため、過去を別々の場所から振り返っていた二人が再び同じ時間へ入ろうとしているようにも聞こえる。タイトルの「loneliest time」は、現在の状態というより、二人が離れていた期間につけられた名前なのである。
3. 制作背景・時代背景
『The Loneliest Time』の制作には、COVID-19パンデミックによる隔離生活が大きな背景として存在する。Jepsenは2022年のインタビューで、ロックダウン期を一人と猫一匹で過ごし、多くの時間を内省や作曲に使ったことを語っている。アルバムでは恋愛だけでなく、喪失、孤独、セラピー、過去との距離といった、それ以前の作品より内向的な題材が増えた。
ただしアルバム全体を暗い作品とみなすのは正確ではない。Pitchforkが指摘したように、『The Loneliest Time』における孤独は常に支配的な感情ではなく、恋愛と恋愛の間に生じる空白として現れる。タイトル曲はその特徴が特に明確で、孤独について歌いながら、曲が進むほど外部へ向かっていく。
Jepsenは2015年の『E•MO•TION』以降、1980年代的なシンセポップを軸としながら、ディスコ、ファンク、ソフトロックなど複数の時代のポップを取り込んできた。『The Loneliest Time』ではその参照範囲がさらに広がり、タイトル曲では70年代的なストリングスや男女デュエットの演出が前面に出ている。
Rufus Wainwrightの参加も、この曲の演劇性を強めた。二人は同じカナダ出身だが、Jepsenがダンス・ポップを中心としてきたのに対し、Wainwrightはピアノを中心とするシンガー・ソングライター作品やオペラ、クラシカルなポップとの関係が深い。二人はリリース後の対談でJudy Garlandへの共通の関心なども語っており、古典的なショービジネスへの愛情を共有している。
4. 歌詞の抜粋と和訳
“I’m coming back for you, baby”
和訳：
「あなたのところへ戻っていくから」
曲の終盤に置かれるこの宣言によって、それまで回想中心だった歌詞が突然行動へ変わる。
ここで語り手は、相手が自分を待っていると保証されているわけではない。それでも「戻る」と決める。孤独を解決する結果ではなく、孤独から外へ出ようとする決断そのものがクライマックスになっている。Pitchforkもタイトル曲について、孤独が背後へ遠ざかり、元恋人との再会へ向かう曲として捉えている。
5. サウンドと歌詞の考察
「The Loneliest Time」の特徴は、タイトルが示す内向的な感情を、意外なほど華やかなアレンジで表現していることだ。孤独を扱う曲であれば、ピアノやアコースティック・ギターを中心としたバラードにする方法も考えられる。しかしここでは、柔らかなディスコ・ビート、ベース、ストリングス、コーラスを組み合わせ、夜の外出へ向かうような運動を作っている。
ビートはクラブ・ミュージックの強烈な4つ打ちほど重くない。キックやスネアは一定の脈拍を作りながら、1970年代後半のディスコやソフトロックに近い軽さを残している。そのため身体を動かせる曲ではあるものの、大規模なダンスフロアより二人の会話を中心にした親密な空間が保たれる。
ベースには柔らかな跳ねがあり、コード進行を支えるだけでなく曲を前へ押す。特に歌詞が「相手のことを考えている」状態から「相手へ向かう」状態へ移るにつれて、この一定の運動感が重要になる。音楽は冒頭から止まらず、語り手より先に目的地へ向かっているように聞こえる。
ストリングスも大きな役割を持つ。背景へ薄く敷くだけでなく、曲が進むにつれて旋律を持ったフレーズとして前へ出てくる。ディスコのストリングスと古いハリウッド映画の劇伴の中間のような使い方であり、日常的な「元恋人へ連絡する」という出来事を意図的に大げさなロマンスへ変換する。
この少し過剰な演出が曲のユーモアにもつながる。Jepsenの歌詞は、恋愛の衝動をしばしば非常に重大な出来事として扱う。「Run Away With Me」では駆け落ちのようなスケールへ、「Cut to the Feeling」では感情そのものを極端な高揚へ拡張した。「The Loneliest Time」でも、元恋人に会いに行くという行動が映画の最終場面のように演出される。
Jepsenのヴォーカルは、その大げさな編曲に対して比較的軽い。強いベルティングでストリングスを押し切るのではなく、息を混ぜた柔らかな声でメロディを運ぶ。これによって、主人公が完全な確信を持っているわけではないことが残る。
一方のRufus Wainwrightは、より厚みのある声と独特のヴィブラートを持つ。彼のヴォーカルが入ると、曲は現代的なシンセポップからクラシックな男女デュエットへ一段近づく。二人の声質を似せるのではなく、違いをそのまま利用している点が重要である。
この違いによって、二人が最初から完全に同じ状態にいるわけではないことも表現される。それぞれが別の場所、別の声で歌いながら、コーラスで同じ言葉へ近づいていく。歌詞の「再接続」という動きを、ヴォーカル配置そのものが再現している。
タイトル・フレーズにも興味深い仕掛けがある。「The Loneliest Time」という言葉は、単独で見れば絶望的である。しかしメロディはそこへ沈まず、むしろ滑らかに上昇していく。孤独という言葉を、孤独な音楽で説明しないのである。
その結果、過去の苦しさと現在の希望が同時に聞こえる。「最も孤独な時間だった」と振り返ることができるのは、少なくともその状態から距離が生まれ始めているからだ。タイトルは悲しみの現在形ではなく、過去を区切る言葉として機能する。
曲後半の展開は、この考えをさらに明確にする。通常のヴァース／コーラスの往復から離れ、Jepsenがほとんどセリフのように相手のもとへ戻る決意を口にすると、楽曲の演劇性が急激に高まる。Pitchforkもこの部分について、ストリングスと車のエンジン音を伴う劇的な展開として言及している。
ここで車というモチーフが使われることにも意味がある。Jepsenの楽曲では移動が恋愛の比喩になることが多く、「Run Away With Me」をはじめ、どこかへ行くことが感情の決断と結びつく。「The Loneliest Time」では、孤独を考え続けるだけだった人物が実際に車を走らせることで、内面の問題が物理的な移動へ変換される。
サウンドはそこで一層華やかになる。ストリングスが大きく広がり、デュエットもより演劇的になって、曲は小さなR&B／ディスコ・ナンバーからミュージカルのフィナーレに近い規模へ変化する。Clashもこの曲をディスコ色とキャンプ的な演出を持つコラボレーションとして評している。
しかし、歌詞には依然として結末がない。相手の家へ到着した後、二人がよりを戻したとは歌われない。この点が曲を単純なハッピーエンドから遠ざける。音楽はクライマックスへ達するが、物語上の答えはその先に残されている。
『The Loneliest Time』というアルバム全体を考えると、この終わり方は非常に効果的である。作品にはパンデミック期の孤立や喪失、関係の終わりが含まれるが、最後に提示されるのは孤独への適応ではない。危険を承知で再び他者へ向かうことである。
そのため、この曲のタイトルに反して中心的なテーマは「loneliness」だけではない。孤独の後に何をするかが問題なのである。過去の相手へ戻るという選択が正しいかどうかを評価するのではなく、人間が長い孤立の後でも再び接続を欲しがることを、Jepsenはディスコとミュージカルの高揚へ変換している。
6. この曲が好きな人におすすめの曲 5曲
- Run Away With Me by Carly Rae Jepsen
恋愛感情を「どこかへ一緒に移動する」という行動へ変換する代表曲。「The Loneliest Time」より80年代シンセポップ色が強いが、感情の決断を移動と結びつける発想が共通している。
- Western Wind by Carly Rae Jepsen
同じ『The Loneliest Time』収録曲。Rostamによる柔らかなプロダクションの中で、過去の恋愛と再会の可能性を扱う。「The Loneliest Time」の華やかさとは対照的な内省的側面を聴ける。
- Go Find Yourself or Whatever by Carly Rae Jepsen
離れていく相手への複雑な感情を抑制されたアコースティック・ポップで描く。同アルバム内で「別れを受け入れる曲」と「もう一度戻る曲」を対照的に聴ける。
- Want You to Be My Man by Rufus Wainwright
Wainwrightの演劇的なヴォーカルとクラシカルなポップ感覚を確認できる一曲。「The Loneliest Time」で彼の声が曲へ持ち込んだ、古典的なショービジネス感覚につながる。
- You Make Me Feel (Mighty Real) by Sylvester
ストリングス、4つ打ち、ドラマティックなヴォーカルを組み合わせたディスコの重要曲。「The Loneliest Time」の華やかな70年代的ダンス・ポップの系譜を遡って聴くことができる。
7. まとめ
「The Loneliest Time」は、タイトルだけを見ると孤独を中心としたバラードを想像させるが、実際にはその孤独から抜け出そうとする瞬間を描いたディスコ・ポップである。Carly Rae JepsenとRufus Wainwrightの異なる声、柔らかなリズム、ベース、劇的なストリングスを組み合わせ、再会への衝動を意図的に大きな舞台へ変えている。
歌詞では、別れていた二人の孤独が過去として振り返られ、語り手は最終的に相手のところへ戻る決断をする。ただし、復縁の成功までは描かれない。重要なのは結果ではなく、長い孤立の後にもう一度他者との接触を選ぶことである。
この構造は、パンデミック期の孤独や個人的な喪失を背景として制作されたアルバムの結末としても機能する。The Guardianが指摘したように、『The Loneliest Time』ではJepsenの従来の恋愛賛歌に、悲嘆やセラピー、別れといった内省が加わった。タイトル曲はそれらを否定せずに抱えたまま、再び外へ向かう。
孤独を暗い音だけで表現せず、ディスコ、ソフトロック、ミュージカル的な誇張によって反転させた点が、この曲の最大の特徴である。「The Loneliest Time」とは孤独そのものを称える歌ではなく、孤独を過去形にしようとする歌である。アルバムの内省とJepsen本来のロマンティックなポップ感覚を接続する、タイトル曲にふさわしい作品と位置づけられる。
参照元
- Carly Rae Jepsen公式サイト「The Loneliest Time (feat. Rufus Wainwright)」
- Carly Rae Jepsen公式YouTube「The Loneliest Time (feat. Rufus Wainwright)」
- The Guardian「Carly Rae Jepsen: ‘Lockdown was me, my cat, and a lot of questions about my life decisions’」
- Pitchfork『The Loneliest Time』レビュー
- Interview Magazine「Carly Rae Jepsen and Rufus Wainwright Stan Judy Garland」
- Clash『The Loneliest Time』レビュー
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