発売日：1977年12月
ジャンル：パンク・ロック、ポスト・パンク、アート・パンク、ミニマル・ロック、ニュー・ウェイヴ
概要
WireのPink Flagは、1977年に発表されたデビュー・アルバムであり、英国パンク・ロックの歴史において最も重要かつ特異な作品のひとつである。1977年といえば、Sex PistolsのNever Mind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols、The Clashのデビュー作、The Damnedの初期作品などによって、英国パンクが社会的・文化的な爆発として可視化された年である。その中でWireは、同じパンクの文脈に登場しながら、怒りや反抗のエネルギーを、極端な短さ、構造の削減、冷たい観察、アート・スクール的な発想へと変換した。
Pink Flagは、一般的な意味でのパンク・アルバムとは異なる。ギターは鋭く、曲は短く、演奏には衝動がある。しかし、Sex Pistolsのようなロックンロール的な挑発や、The Clashのような政治的直接性、The Damnedのような荒々しいユーモアとは明確に違う。Wireの音楽は、感情をむき出しにするのではなく、むしろ感情を削ぎ落とし、曲を最小限の部品へ分解する。パンクの速度と短さを、アートの方法論として徹底した点に本作の革新性がある。
本作には21曲が収録されているが、多くの曲は1分から2分程度で終わる。中には1分に満たない曲もある。従来のロック・ソングであれば、イントロ、ヴァース、コーラス、ブリッジ、ソロという構成が期待されるが、Wireはそうした約束事を意図的に省略する。曲は始まったと思うと、必要最低限の情報だけを残してすぐに終わる。この徹底した短さは、単なる未熟さではなく、明確な美学である。余分なものを削り、曲の核だけを提示する。その姿勢がPink Flagを唯一無二のアルバムにしている。
WireのメンバーであるColin Newman、Graham Lewis、Bruce Gilbert、Robert Gotobedは、パンクの原初的な衝動を持ちながらも、アート・スクール的な距離感と概念的な思考を共有していた。特にGraham LewisとBruce Gilbertの関心は、従来のロック・バンド的な自己表現よりも、音の構造、言葉の断片、イメージのずれに向かっていた。Colin Newmanのヴォーカルは若々しく鋭いが、そこには熱血的な叫びよりも、冷ややかな明晰さがある。
歌詞面でも、本作は非常に独特である。曲の多くは短く、言葉も断片的で、明確な物語を語らない。都市、兵士、暴力、メディア、政治、日常の不条理、性的な緊張、抽象的なイメージが、短いフレーズとして配置される。Wireの歌詞は、パンク的なスローガンというより、切り取られた標識、広告、軍事用語、新聞の見出し、誰かの独白の一部のように響く。この断片性が、後のポスト・パンクやニュー・ウェイヴ、インディー・ロック、ノイズ・ロック、ポスト・ハードコアに大きな影響を与えた。
Pink Flagの歴史的意義は、パンクを終点ではなく出発点として扱った点にある。多くのパンク・バンドがロックンロールを速く、荒く、攻撃的に演奏したのに対し、Wireはパンクを「削減の方法」として理解した。短くする、繰り返しを減らす、装飾を削る、歌詞を断片化する、感情表現を冷却する。その結果、本作はパンクでありながら、すでにポスト・パンクの始まりを告げている。Gang of Four、Joy Division、Mission of Burma、Minutemen、R.E.M.、Minor Threat、Sonic Youth、Guided by Voices、Elasticaなど、後続の多くのバンドに与えた影響は計り知れない。
日本のリスナーにとって、Pink Flagは一聴すると非常にそっけなく感じられるかもしれない。曲は短く、展開は少なく、メロディも大げさには広がらない。しかし、その簡潔さの中に、ロックの可能性を根本から組み替える発想が詰まっている。聴き込むほど、曲の短さ、音の配置、歌詞の断片、アルバム全体のテンポが緻密に設計されていることが分かる。Pink Flagは、パンクの爆発を最も知的かつ鋭利に再構成した、1977年英国ロックの決定的な名盤である。
全曲レビュー
1. Reuters
「Reuters」は、アルバムの冒頭曲として非常に象徴的である。タイトルは国際通信社のロイターを指し、ニュース、戦争報道、情報の伝達、メディアによって遠くの暴力が消費される構造を連想させる。パンク・アルバムの冒頭として、個人的な怒りではなく、報道と暴力の関係を扱う点がWireらしい。
サウンドは重く、緊張感がある。アルバム全体には短い曲が多いが、この曲は比較的長く、導入部として不穏な空気を作る。ギターは鋭く、リズムは単純だが、曲全体に冷たい圧力がある。Colin Newmanのヴォーカルは叫びすぎず、報告書を読み上げるような距離感を持つ。
歌詞では、戦争や暴力のイメージが、メディアを通じて断片的に伝えられる。重要なのは、感情的な反戦歌としてではなく、ニュースとして処理される暴力の冷たさが描かれる点である。人間の死や破壊が、情報として流通する。その不気味さが曲全体を支配している。
「Reuters」は、Pink Flagが単なるパンクの衝動ではなく、現代社会の情報と暴力を観察するアルバムであることを示す。冒頭からWireは、聴き手をロックンロールの楽しさではなく、冷たい報道の世界へ投げ込む。
2. Field Day for the Sundays
「Field Day for the Sundays」は、1分にも満たない短い楽曲であり、Pink Flagの極端な簡潔さを早くも示す。タイトルには「日曜の人々にとっての楽しい日」というような皮肉が感じられ、余暇、退屈、郊外的な生活、日常の空虚を連想させる。
サウンドは非常に短く、必要最小限のギターとリズムで構成される。普通のロック・ソングなら展開が始まる前に終わってしまう。しかし、その短さによって、曲は一種のスケッチや標識のように機能する。Wireは曲を完成された物語としてではなく、一つの観察の断片として提示している。
歌詞も短く、具体的な説明を避ける。日曜日という言葉には休息や安らぎのイメージがあるが、Wireの手にかかると、それは空虚で管理された時間のようにも響く。日常の中にある退屈や不条理が、数十秒の中に圧縮されている。
3. Three Girl Rhumba
「Three Girl Rhumba」は、本作の中でも特に印象的なリフを持つ楽曲であり、後のポスト・パンクやオルタナティヴ・ロックに大きな影響を与えた。シンプルなギター・フレーズの反復が曲の核となり、短いながらも強烈な中毒性を持つ。
サウンドはミニマルで、リフ、リズム、ヴォーカルが無駄なく配置されている。ギターは厚く重ねられるのではなく、乾いた線として提示される。ロックにおける「大きな音」よりも、「正確に置かれた音」が重要になる。
歌詞は断片的で、タイトルの通り女性たちの存在やダンス的なイメージを含むが、明確な物語はない。Rhumbaという言葉はラテン的なリズムや踊りを連想させるが、実際の曲は非常に硬質で、踊りの快楽よりも構造の面白さが際立つ。
この曲は、Wireの影響力を理解するうえで重要である。短いリフの反復、冷たいグルーヴ、断片的な歌詞は、後の多くのインディー・ロックやポスト・パンクに引き継がれた。
4. Ex Lion Tamer
「Ex Lion Tamer」は、メディア、家庭、娯楽、英雄的イメージの失効をテーマにした楽曲として聴ける。タイトルは「元ライオン調教師」を意味し、かつて危険を扱っていた人物が、今はその役割を失ったような印象を与える。
サウンドは比較的キャッチーで、アルバムの中でもロック・ソングとして分かりやすい部類に入る。ギターは鋭く、リズムは直線的で、ヴォーカルのメロディにもフックがある。短い曲が多い本作の中で、この曲はWireのポップな才能も示している。
歌詞では、テレビや日常的な娯楽、ヒーロー像の消費が断片的に描かれる。かつて危険や冒険を象徴したものが、画面上の娯楽や記号へ変わっていく。ライオン調教師という危険な職業のイメージが、「元」という言葉によって空洞化される点が重要である。
「Ex Lion Tamer」は、Wireが短く鋭い曲の中に、メディア社会への批評を埋め込めることを示す楽曲である。パンク的な勢いとポスト・パンク的な観察が見事に結びついている。
5. Lowdown
「Lowdown」は、低く沈むような感覚、状況の悪さ、下層の情報や噂を意味する言葉をタイトルに持つ。曲は短く、鋭く、アルバムの流れに緊張感を与える。
サウンドはギターの切れ味が強く、リズムも無駄なく進む。Wireの演奏は、ロック的な熱狂よりも、構造の硬さを重視している。この曲でも、必要な音だけが配置されており、余白が緊張を生む。
歌詞では、何かが下がっていく感覚、社会や個人の状態の悪さが暗示される。Wireは説明しない。だからこそ、聴き手は短い言葉の隙間から、都市や人間関係の不穏さを感じ取る。
6. Start to Move
「Start to Move」は、タイトル通り動き出すことをテーマにした楽曲である。しかし、その動きは大きな解放や高揚というより、機械的で、衝動的な反応のように響く。Wireにおける「動くこと」は、ロック的な自由の象徴であると同時に、制御された反復運動でもある。
サウンドは短く、テンポも速い。ギターとドラムが一気に曲を押し進めるが、展開は最小限である。曲は「動き始める」という命令や反応そのもののように機能する。
歌詞では、身体や状況が動き出す瞬間が描かれる。だが、その先に何があるのかは提示されない。Wireはロックの「前進」を、目的を持った物語ではなく、単なる運動として見せている。この冷たさが、彼らのパンクを独特なものにしている。
7. Brazil
「Brazil」は、タイトルが地理的な広がりを持ちながら、曲自体は非常に短く圧縮されている。この対比がWireらしい。ブラジルという言葉は、遠い場所、政治、熱帯、映画的幻想などを連想させるが、曲はそうした豊かなイメージを説明しない。
サウンドは勢いがあり、短い時間で駆け抜ける。アルバムの中でもパンク的な速度が強く出た曲である。しかし、感情の爆発というより、瞬間的な切断のように終わる。
歌詞は断片的で、タイトルが持つイメージとの関係も明確ではない。だからこそ、曲は一つの切り抜きのように響く。地名がロック・ソングの中で説明されるのではなく、記号として投げ込まれる。Wireの方法論がよく分かる曲である。
8. It’s So Obvious
「It’s So Obvious」は、「そんなことは明らかだ」というタイトルを持つが、Wireの楽曲らしく、何が明らかなのかは簡単には説明されない。この皮肉が曲の核である。明白だと言われるほど、実際には不明瞭になる。
サウンドは短く、力強い。ギターとリズムが簡潔に曲を進め、ヴォーカルも断定的である。タイトルの断定性と、歌詞の曖昧さが対比を作る。
歌詞では、社会や人間関係における自明性への疑いが感じられる。人々が当然だと思っていること、分かりきっているとされることの中に、実は不条理が潜んでいる。Wireはそれを短いパンク・ソングとして提示する。
9. Surgeon’s Girl
「Surgeon’s Girl」は、外科医の少女、あるいは外科医に属する女性という奇妙なタイトルを持つ。医療、身体、切断、関係性、所有のイメージが混ざり合う。Wireの歌詞に見られる不気味な断片性が強く出た曲である。
サウンドは速く、鋭く、曲はすぐに終わる。だが、その短さの中に、タイトルの不穏なイメージが強く残る。身体を扱う外科医と、少女という言葉の組み合わせは、どこか冷たく、観察的で、暴力的でもある。
歌詞では、身体や関係が断片化される感覚がある。Wireは性的なイメージや身体的なイメージを、情熱的にではなく、ほとんど解剖学的に扱う。この冷たい距離が、曲に独特の不気味さを与えている。
10. Pink Flag
表題曲「Pink Flag」は、本作の中心的な楽曲であり、アルバムのタイトルが持つ謎めいた象徴性を最も強く示している。旗は通常、国家、軍隊、主義、集団の象徴である。だが、それがピンク色であることで、権威や軍事的イメージがずらされる。可愛らしさ、人工性、違和感が、旗という政治的記号に混ざる。
サウンドは重く、反復的で、アルバム前半の短い曲群とは異なる重心を持つ。ギターはシンプルだが、曲全体に儀式的な緊張感がある。タイトル曲として、作品の中に一本の奇妙な旗を立てるような役割を持つ。
歌詞では、兵士、記号、戦争、集団性を思わせるイメージが断片的に配置される。ピンクの旗は、明確な政治的旗印ではない。むしろ、旗そのものの意味を不安定にする記号である。Wireはここで、パンクが掲げるべき旗さえ疑っているように見える。
「Pink Flag」は、パンク・アルバムの表題曲でありながら、単純な反抗の旗ではない。旗を掲げること自体の不気味さ、集団の記号へ回収されることへの違和感がある。非常にWireらしい象徴的な楽曲である。
11. The Commercial
「The Commercial」は、わずか数十秒の極端に短い曲であり、タイトル通り広告や商業的メッセージを連想させる。Wireはここで、ロック・ソングを広告のように短く、断片的なものとして提示している。
サウンドはほとんどスケッチのようで、曲というより音楽的な標語に近い。だが、この短さが強い意味を持つ。商業的な世界では、メッセージは短く、記憶に残り、すぐに消費される。Wireはその形式をパンクの中に持ち込む。
歌詞もまた、広告の断片のように響く。感情や物語を深く語るのではなく、短い情報として提示される。この曲は、Pink Flagがロック・アルバムであると同時に、メディア形式そのものへの批評でもあることを示している。
12. Straight Line
「Straight Line」は、直線、効率、単純化された移動をテーマにした楽曲である。Wireの音楽自体も、従来のロックの曲線的な展開を避け、直線的で短い構造を好む。この曲は、その方法論をタイトルでも示している。
サウンドは短く、速く、まさに直線的である。無駄な展開や装飾はなく、曲は目的地へ一直線に進む。だが、その単純さは退屈ではなく、むしろ鋭さを生む。
歌詞では、まっすぐ進むこと、あるいは直線的な思考への皮肉が感じられる。直線は効率的だが、同時に人間的な揺らぎを排除する。Wireは、直線的であることの魅力と暴力性を同時に音にしている。
13. 106 Beats That
「106 Beats That」は、タイトルからリズムや計測の感覚を強く連想させる。曲そのものが、ビートの数や機械的な構造への関心を示しているように響く。Wireはここでも、ロックを感情の表現だけでなく、時間と構造の問題として扱う。
サウンドはタイトで、リズムが重要な役割を持つ。ギターとヴォーカルも、ビートの上に必要最小限に配置されている。曲は短いが、ロックの身体性を数値化するような冷たい面白さがある。
歌詞は断片的で、タイトルが持つ機械的な響きと合っている。音楽を熱狂ではなく、計測可能なビートとして捉える感覚は、後のポスト・パンクやニュー・ウェイヴにもつながる。
14. Mr. Suit
「Mr. Suit」は、スーツを着た人物、つまり権威、会社員、管理職、制度側の人間を連想させる楽曲である。パンクにおいてスーツはしばしば反抗の対象であり、Wireもここでその記号を扱っている。
サウンドは短く鋭く、ストレートなパンクの攻撃性がある。だが、Wireの場合、怒りは熱く爆発するというより、冷たく切り捨てるように表れる。曲の短さが、対象への軽蔑を強めている。
歌詞では、スーツ姿の人物が持つ権威や偽善が批判される。Mr. Suitは個人名というより、社会的役割そのもののように響く。人間が制度の服を着ることで、匿名の権威になる。その滑稽さと不快さが曲に込められている。
15. Strange
「Strange」は、本作の中でも比較的有名な楽曲であり、後にR.E.M.がカバーしたことでも知られる。タイトルは「奇妙な」という意味で、Wireの世界観を端的に表している。だが、この曲の奇妙さは派手な実験ではなく、むしろ抑制された不穏さにある。
サウンドはミドル・テンポで、アルバムの極端に短い曲群の中では比較的しっかりしたロック・ソングとして聴こえる。ギターは単純だが、メロディには不思議な引っかかりがある。曲全体に、日常の中に入り込む違和感が漂う。
歌詞では、何かが奇妙であるという感覚が繰り返される。しかし、その奇妙さの正体は明確にされない。Wireにとって重要なのは、説明された異常ではなく、説明できない違和感である。普通の景色が少しずれて見える。その感覚が「Strange」の核心である。
16. Fragile
「Fragile」は、壊れやすさ、脆さをテーマにした短い楽曲である。パンクのイメージには強さや攻撃性があるが、Wireはその中に脆さも入れ込む。タイトルは非常に直接的で、アルバムの硬質な音の中にある繊細な部分を示している。
サウンドは短く、簡潔で、脆さを大げさに表現しない。むしろ、曲そのものがすぐに消えてしまうことで、タイトルの意味を体現している。長く続かないこと、壊れそうなことが、形式として表れている。
歌詞では、関係や自己、社会的な構造の壊れやすさが感じられる。Wireは感傷的に歌わないが、その冷たさの中にかえって脆さが浮かび上がる。
17. Mannequin
「Mannequin」は、マネキン、つまり人間の形をした空虚な人形を題材にした楽曲である。消費社会、ファッション、身体の標準化、感情のない人間像への批評として読める。Wireの冷たい観察眼が非常によく出た曲である。
サウンドは非常にキャッチーで、短いながらも強いフックを持つ。アルバムの中でも比較的ポップな楽曲であり、メロディの輪郭がはっきりしている。しかし、歌詞の内容は空虚な身体と消費のイメージを含み、明るさだけではない。
歌詞では、人間がマネキンのように扱われる感覚が描かれる。見た目だけが整い、内面は空っぽで、商品として飾られる。これはパンクが批判した消費社会の一部であり、同時にポップ・カルチャーそのものへの批評でもある。
「Mannequin」は、Wireが短くキャッチーな曲の中に社会的なイメージを鋭く詰め込めることを示す名曲である。
18. Different to Me
「Different to Me」は、他者との差異、認識のずれをテーマにした楽曲である。タイトルは「私には違って見える」という意味を持ち、同じ現実を見ていても、人によって受け取り方が異なることを示している。
サウンドは短く、軽快で、アルバム終盤の流れを進める。Wireの曲は短いが、それぞれが明確な角度を持っており、この曲も認識の差異というテーマを簡潔に提示する。
歌詞では、他者と自分の間にある見え方の違いが描かれる。これは単なる個性の主張ではなく、コミュニケーションの不可能性にもつながる。人は同じものを見ているようで、実際には別の世界を見ている。この冷たい認識がWireらしい。
19. Champs
「Champs」は、勝者、チャンピオン、競争の記号をタイトルに持つ短い楽曲である。Wireはここでも、社会が作る称号や役割を、極端に短い曲の中で皮肉る。勝者とは何か、誰がそれを決めるのかという問いが背景にある。
サウンドは非常に短く、勢いがある。勝利を讃えるアンセムではなく、むしろ勝者という記号を切り取った断片のように響く。曲がすぐ終わることで、栄光の持続しなさも感じられる。
歌詞は最小限で、勝者のイメージを深く語らない。その短さが、称号の空虚さを表す。Wireにとって、社会的な言葉はしばしば疑わしい記号である。
20. Feeling Called Love
「Feeling Called Love」は、「愛と呼ばれる感情」という距離を置いたタイトルが印象的な楽曲である。愛そのものを直接歌うのではなく、「愛と呼ばれているもの」として扱う点がWireらしい。感情を熱く表現するのではなく、観察対象にしている。
サウンドはアルバム終盤の中でも比較的印象的で、ロック的な勢いと冷たい距離感が共存している。ヴォーカルは感情を込めすぎず、愛という概念を少し斜めから眺めている。
歌詞では、愛という感情が何であるのか、なぜそう呼ばれるのかが暗示される。パンク・ロックには恋愛を直接的に扱う曲も多いが、Wireはそれを概念化する。愛は自然な感情であると同時に、名前を与えられた社会的な構造でもある。
「Feeling Called Love」は、Wireの知的で冷たいロマンティシズムを示す楽曲である。感情を否定するのではなく、感情を疑いながら扱う。その姿勢が本作全体とよく合っている。
21. 12XU
アルバムの最後を飾る「12XU」は、Wireの代表曲のひとつであり、初期パンクの中でも特に鋭い瞬発力を持つ楽曲である。タイトルは暗号のようで、意味を明確に説明しない。その不透明さが曲の攻撃性をさらに強める。
サウンドは速く、短く、直線的である。ギター、ベース、ドラムが一気に突き進み、アルバムの終わりを爆発的に締めくくる。曲は極端に簡潔だが、そのエネルギーは強烈で、後のハードコア・パンクにも影響を与えた。
歌詞は性的な緊張や挑発を含みながらも、明確な物語にはならない。言葉は断片化され、身体的な衝動として放たれる。Wireの中では比較的攻撃的な曲だが、それでも感情の説明ではなく、構造化された爆発として鳴っている。
「12XU」は、Pink Flagの終曲として非常に効果的である。アルバム全体で示されてきた短さ、鋭さ、削減の美学が、最後に最も直接的なパンクの形で提示される。Wireがパンクを越えながらも、パンクの核心を失っていないことを証明する曲である。
総評
Pink Flagは、パンク・ロックの歴史において極めて重要な作品であり、同時にポスト・パンクの始まりを告げるアルバムでもある。1977年の英国パンクの文脈に属しながら、Wireは怒りや反抗を単純なロックンロールの形で表現するのではなく、曲の構造そのものを解体し、最小限の音と言葉へ圧縮した。その結果、本作はパンクでありながら、すでにパンク以後の音楽を予告している。
本作の最大の特徴は、徹底した短さと削減である。21曲という多い収録数にもかかわらず、アルバム全体は非常に引き締まっている。多くの曲は1分前後で終わり、従来のロック・ソングの展開を拒否する。これは未完成なのではなく、むしろ完成の概念を変える試みである。曲は必要な瞬間だけ鳴り、余分なものを残さずに消える。
音楽的には、ギター、ベース、ドラム、ヴォーカルという基本的なロック編成でありながら、使われ方は非常に独特である。演奏は荒いが、無秩序ではない。むしろ、どの音を残し、どの音を削るかが明確に意識されている。Wireはパンクの粗さを、アートの精度へ変換したバンドである。
歌詞面では、スローガンではなく断片が中心である。戦争報道、広告、身体、愛、メディア、消費、権威、都市的な違和感が、短い言葉として投げ込まれる。意味は完全には説明されないが、その不完全さによって、曲は聴き手の中で拡張される。Wireの歌詞は、ロックの感情表現というより、現代社会の標識や見出しのように機能する。
Pink Flagが後世に与えた影響は非常に大きい。ポスト・パンク、ニュー・ウェイヴ、ハードコア、インディー・ロック、ノイズ・ロック、ポスト・ハードコア、ローファイ、アート・パンクなど、多くのジャンルがこのアルバムから何かを受け取っている。短い曲の可能性、反復の力、感情の冷却、構造の削減、言葉の断片性は、後の多くのバンドにとって重要な方法論となった。
一方で、本作はパンクの入門としてはやや異質である。Sex Pistolsのような分かりやすい怒りや、The Clashのような社会的メッセージ、The Damnedのようなロックンロール的快感を求めると、Pink Flagは冷たく、そっけなく、未完成に聞こえるかもしれない。しかし、そのそっけなさこそが本作の革新性である。Wireは、ロックが何を削ってもなおロックであり続けられるのかを実験した。
アルバム全体の流れも非常に優れている。冒頭の「Reuters」で不穏な報道の世界を提示し、短い曲群で都市的・社会的な断片を次々に切り出し、表題曲「Pink Flag」で象徴的な旗を掲げ、終盤には「Mannequin」「Feeling Called Love」「12XU」などで身体、感情、衝動を圧縮する。全体として、一つの大きな物語ではなく、現代社会の切断面を高速で見せるコラージュのような構成になっている。
日本のリスナーにとって、本作を理解する鍵は、曲の短さを「物足りなさ」ではなく「設計」として聴くことである。展開しないこと、説明しないこと、すぐ終わることに意味がある。短い曲を連続して聴くことで、アルバム全体が一つの鋭い音楽的体験になる。個々の曲だけでなく、断片が積み重なる感覚が重要である。
総合的に見て、Pink Flagはパンク・ロックの可能性を根本から更新した名盤である。怒りを短くし、ロックを削り、言葉を断片化し、感情を冷却することで、Wireはパンクを次の段階へ押し出した。1977年の作品でありながら、現在のインディー・ロックやポスト・パンクにも直接つながる、極めて現代的なアルバムである。
おすすめアルバム
1. Wire — Chairs Missing
Wireのセカンド・アルバムであり、Pink Flagのミニマルなパンクから、より不穏で実験的なポスト・パンクへ進んだ作品。シンセサイザーや空間的な音響が加わり、バンドの表現はさらに広がっている。Wireの進化を理解するうえで欠かせない。
2. Wire — 154
Wire初期三部作の到達点であり、アート・ロック、ポスト・パンク、実験音楽の要素がさらに強まった作品。Pink Flagの短く鋭い構造から、より複雑で暗い音響世界へ進んでいる。Wireの知的な側面を深く味わえる名盤である。
3. Gang of Four — Entertainment!
ポスト・パンクの代表作であり、ファンク的なリズム、鋭いギター、政治的な歌詞が結びついた作品。Wireと同じく、パンクの衝動を単純なロックンロールから離れた方法で発展させた重要作である。冷たい批評性という点で関連性が高い。
4. Buzzcocks — Another Music in a Different Kitchen
英国パンクの中でも、短い曲、鋭いギター、ポップなメロディを高い完成度で結びつけた作品。Wireよりも感情的でメロディアスだが、パンクを簡潔なソングライティングへ変換した点で比較しやすい。1977年前後の英国パンクの多様性を理解できる。
5. Mission of Burma — Signals, Calls, and Marches
アメリカのポスト・パンク／インディー・ロックにおける重要作。Wireの短く鋭い構造やアート・パンク的な感覚が、大西洋を越えてどのように受け継がれたかを理解するうえで関連性が高い。硬質なギター、緊張感、実験性が特徴である。
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