発売日：2008年8月25日
ジャンル：オルタナティブ・ロック、サイケデリック・ロック、スペース・ロック、ブリットポップ、ネオ・サイケデリア
概要
The Verveの4作目となる『Forth』は、1997年の大ヒット作『Urban Hymns』以来、約11年ぶりに発表されたスタジオ・アルバムである。The Verveは1990年代英国ロックを語るうえで欠かせない存在だが、そのイメージは時期によって大きく異なる。デビュー作『A Storm in Heaven』ではシューゲイザーやスペース・ロックに接近した幻覚的なサイケデリアを展開し、2作目『A Northern Soul』ではより荒々しく、ブルージーで、自己破壊的なエネルギーを前面に出した。そして『Urban Hymns』では「Bitter Sweet Symphony」「The Drugs Don’t Work」「Lucky Man」などを通じて、壮大なストリングス、明快なメロディ、人生への達観を含んだ歌詞によって、ブリットポップ以後の英国ロックを代表する巨大な成功を収めた。
しかし、その成功はバンドにとって終着点であると同時に、重い呪縛でもあった。The Verveは解散と再結成を繰り返し、Richard Ashcroftはソロ・アーティストとして活動を継続した。『Forth』は、そうした長い断絶の後に、Richard Ashcroft、Nick McCabe、Simon Jones、Peter Salisburyというクラシック・ラインナップが再び集まって制作した作品である。タイトルの『Forth』には「4枚目」という意味と、「前へ進む」という響きが重なっている。過去の栄光を再現するだけではなく、バンドとしてもう一度音を鳴らすことへの意思が込められている。
本作の大きな特徴は、『Urban Hymns』的な大衆的ソングライティングと、初期The Verveに見られたサイケデリックな長尺志向が共存している点である。シングル曲「Love Is Noise」は、明快なフックと現代的なビート感によってアルバムの入口となるが、作品全体を支配しているのはむしろ、Nick McCabeの空間的なギター、Simon Jonesの太いベース、Peter Salisburyの重厚なドラムが生み出す、長くうねるようなバンド・グルーヴである。The Verveが本来持っていた即興的で拡張的なロック・バンドとしての性格が、再結成作である本作において強く戻ってきている。
『Forth』を理解するうえで重要なのは、これが単純なカムバック・アルバムではないという点である。多くの再結成作品は、過去の代表作のイメージをなぞることでファンの期待に応えようとする。しかし本作のThe Verveは、『Urban Hymns』のような国民的アンセムだけを並べるのではなく、初期作品にあった宇宙的な浮遊感、ドラッグ的な陶酔、長尺のジャム感覚を再び呼び戻している。そのため、アルバムは時に散漫にも聞こえるが、その散漫さはバンドが安全な型を避け、巨大な音の流れを再構築しようとした結果でもある。
歌詞の面では、Richard Ashcroftらしい愛、孤独、自己認識、現代社会への違和感、精神的救済への希求が中心となる。ただし、『Urban Hymns』期のように人生の真理を大きなメロディに乗せて歌い上げるというより、本作ではより断片的で、時に抽象的で、時に幻覚的である。長いブランクを経たバンドの音には、若い頃の危うさとは異なる、成熟した疲労と再出発への緊張が同居している。
2008年という時代背景も重要である。英国ロックにおいてブリットポップの熱狂はすでに過去のものとなり、インディー・ロック、ポストパンク・リバイバル、エレクトロニック・ミュージック、フェス文化が混ざり合う時代に入っていた。その中でThe Verveは、流行の中心に戻るのではなく、自分たちの持つサイケデリック・ロックの巨大なスケールを再提示した。『Forth』は、時代の最先端を切り開く作品というより、1990年代英国ロックの精神性を2000年代後半に再び鳴らした作品である。
全曲レビュー
1. Sit and Wonder
アルバム冒頭の「Sit and Wonder」は、『Forth』の方向性を力強く示す楽曲である。長尺で反復的なグルーヴを持ち、初期The Verveのスペース・ロック的な感覚を明確に呼び戻している。ベースとドラムは粘り強く、同じリズムを持続させながら楽曲を前へ押し出す。その上でNick McCabeのギターが残響とノイズをまといながら広がり、曲全体を巨大な音の渦へと変えていく。
この曲で重要なのは、The Verveが単なるポップ・ソングの再現から出発していない点である。再結成後の最初のアルバムで、彼らはあえて長く、重く、サイケデリックな楽曲を冒頭に置いている。これは、バンドが『Urban Hymns』の成功だけに自分たちを閉じ込めるつもりがないことを示す宣言でもある。
歌詞では、座って考え込むこと、世界を見つめること、自分の位置を確認しようとする姿勢が表れている。Richard Ashcroftの声は、過去のような若さゆえの切迫感とは異なり、より太く、より乾いた響きを持つ。世界に対する疑問や違和感を抱えながら、それでも音の中で前進しようとする感覚がある。
2. Love Is Noise
「Love Is Noise」は、本作のリード・シングルであり、最も広く知られる楽曲である。反復される印象的なヴォーカル・サンプル風のフックが楽曲を強く印象づけ、The Verveの過去の楽曲とは異なる現代的なリズム感も感じさせる。タイトルの「愛はノイズである」という言葉は、非常に象徴的である。愛は美しい感情であると同時に、混乱、過剰な情報、社会の喧騒の中で歪められるものでもある。
サウンドは比較的コンパクトで、アルバム内ではポップな構造を持つ。しかし、その奥にはThe Verveらしいサイケデリックな広がりがある。ギターは前面に出すぎず、リズムと声の反復が曲を牽引する。これは『Urban Hymns』的な壮大なストリングス・ロックではなく、2000年代後半のロックとエレクトロニックな感覚を接続した楽曲と言える。
歌詞では、愛、現代生活、消費社会、情報過多、人間の孤独が重ねられている。Ashcroftは愛を純粋な救済として描くだけではなく、都市やメディアのノイズの中でかき消され、変形されるものとして捉えている。そのため、この曲は単なるラブソングではなく、現代社会における感情のあり方を問う楽曲でもある。
3. Rather Be
「Rather Be」は、『Forth』の中でも比較的メロディアスで、Richard Ashcroftのソングライティングの魅力が分かりやすく表れた楽曲である。タイトルが示すように、ここには「別の場所にいたい」「別の状態でありたい」という願望がある。The Verveの楽曲では、現実からの離脱や精神的な解放が繰り返しテーマになるが、この曲ではそれが穏やかなメロディの中に表現されている。
音楽的には、バンド・サウンドの広がりを保ちながらも、曲の中心には歌がある。ギターは大きな音響空間を作るというより、歌の感情を支えるように配置されている。リズムも過度に攻撃的ではなく、楽曲全体に温かみと哀愁を与えている。
歌詞の面では、愛する相手との関係、自分が本当にいるべき場所、心の安定を求める感覚が読み取れる。Ashcroftの歌詞はしばしば大きな言葉を使うが、この曲では比較的個人的な感情に寄っている。『Forth』の中で、長尺のサイケデリックな楽曲とバランスを取る役割を持つ一曲である。
4. Judas
「Judas」は、タイトルからして裏切り、罪、宗教的な象徴を強く想起させる楽曲である。Judas、すなわちユダは、キリスト教的文脈では裏切り者の象徴である。Richard Ashcroftの歌詞には以前から宗教的・精神的な語彙が多く見られるが、この曲でも人間関係の裏切りや自己の内側にある矛盾が、宗教的イメージを通じて表現されている。
サウンドは暗く、重く、アルバムの中でも緊張感が強い。ギターは鋭く切り込むというより、陰影を作りながら楽曲の不穏さを増幅させる。ベースとドラムは粘り強く、曲全体を地面に引き留めるような重心を持つ。華やかなアンセムではなく、内面の暗部に沈んでいくような楽曲である。
歌詞では、裏切られることと裏切ること、自分自身への不信、信仰や愛の崩壊といったテーマが重なっている。The Verveの音楽では、救済への希求と破滅への引力が常に隣り合っている。「Judas」は、その暗い側面を象徴する曲である。再結成後の作品でありながら、過去の栄光を祝祭的に振り返るのではなく、バンドの内側にある不穏さをそのまま表に出している点が重要である。
5. Numbness
「Numbness」は、タイトル通り感覚の麻痺をテーマにした楽曲である。The Verveの音楽において、陶酔や高揚は重要な要素だが、その裏側にはしばしば無感覚や疲労が存在する。この曲では、その感情の鈍化が前面に出ている。
音楽的には、ゆったりとしたテンポと重い空気感が特徴である。派手な展開よりも、同じムードを持続させることで、精神的な停滞を表現している。Nick McCabeのギターは、ここでも空間的な響きを作るが、それは明るい浮遊感ではなく、むしろ霧の中に閉じ込められるような感覚を生む。
歌詞では、外界とのつながりが薄れること、感情を失っていくこと、愛や痛みさえも遠く感じられる状態が示唆される。Ashcroftの歌声は、完全に感情を爆発させるのではなく、どこか抑えられており、その抑制が曲のテーマと結びついている。『Forth』が持つ成熟した暗さをよく示す一曲である。
6. I See Houses
「I See Houses」は、本作の中でも静かで内省的な楽曲である。タイトルは一見シンプルだが、家というモチーフは、記憶、生活、帰属、孤独、社会的な現実を象徴する。The Verveの初期作品が宇宙や海、太陽といった広大なイメージを扱っていたのに対し、この曲ではより日常的な風景が見えてくる。ただし、その風景は安定した家庭の象徴というより、距離を置いて眺められるものとして描かれている。
サウンドは抑制され、Ashcroftのヴォーカルが前に出る。ギターは大きく鳴りすぎず、静かな残響によって曲の空間を作る。アルバムの中で、長尺のグルーヴやサイケデリックな音響から一歩引き、歌詞と声のニュアンスを聴かせる位置にある。
歌詞のテーマとしては、生活の観察、他者との距離、孤独、帰る場所への意識が挙げられる。家々を見ている語り手は、その中に属しているのか、それとも外側から眺めているのかが曖昧である。この曖昧さが、曲に寂しさを与えている。『Urban Hymns』以降のAshcroftが持つ人生観が、ここではより静かな形で表れている。
7. Noise Epic
「Noise Epic」は、タイトル通り本作の中でも最も実験的で、The Verveのジャム・バンド的な側面が強く出た楽曲である。長尺の構成を持ち、一般的なポップ・ソングのサビや展開に従うというより、音の積み重ねと反復によって徐々に巨大な空間を作り上げる。『Forth』というアルバムの野心を象徴する重要曲である。
この曲では、Nick McCabeのギターが大きな役割を果たしている。彼のギターは、メロディを奏でる楽器であると同時に、ノイズ、残響、揺らぎ、空間そのものを作る装置として機能している。Simon JonesのベースとPeter Salisburyのドラムは、長い演奏を支える土台として非常に重要であり、反復されるグルーヴの中に少しずつ変化を加えている。
歌詞やヴォーカルは、曲の中心というより、音の渦の一部として扱われる。ここではRichard Ashcroftの声もまた、ギターやリズムと同じく、巨大なサイケデリック空間を構成する要素である。The Verveが本来持っていた、ライヴで演奏を拡張していく感覚がスタジオ作品として刻まれている。
「Noise Epic」は、聴き手によって評価が分かれやすい曲でもある。明快なメロディや短い構成を求める場合には冗長に感じられる可能性がある。しかし、初期The Verveのスペース・ロック性を重視するならば、この曲は再結成作の核心といえる。過去の成功をなぞるのではなく、音の中で再び未知の領域へ向かおうとする姿勢が表れている。
8. Valium Skies
「Valium Skies」は、タイトルからして薬物的な鎮静、空のイメージ、精神の緩慢な浮遊を連想させる楽曲である。Valiumは抗不安薬として知られる名称であり、そこに「空」が組み合わされることで、落ち着きと麻痺、安らぎと現実逃避が同時に示される。
サウンドは比較的メロディアスで、アルバム後半における柔らかな瞬間を作っている。Ashcroftの歌声は穏やかで、哀愁を帯びている。ギターは広がりを持ちながらも、過度にノイズ化せず、曲の持つ浮遊感を支えている。『Urban Hymns』的なメロディの親しみやすさと、初期The Verve的な霞んだサイケデリアがバランスよく共存している。
歌詞のテーマは、精神的な疲労、鎮静、愛による救済、あるいは現実からの一時的な離脱である。空を見上げるような開放感がありながら、その空は完全に澄み切ったものではなく、薬によってぼかされたような曖昧さを持つ。この曲は、『Forth』の中でも特に成熟したメランコリーを感じさせる。
9. Columbo
「Columbo」は、アルバムの中でもファンキーで、リズムの存在感が強い楽曲である。タイトルは刑事ドラマ『刑事コロンボ』を思わせるが、楽曲自体は物語的な引用よりも、探ること、追跡すること、疑いを持つことといったニュアンスをまとっている。The Verveとしては異色のグルーヴ感を持ち、再結成後のバンドが単なる過去の再現ではなく、新しいリズムの可能性を試していることが分かる。
ベースラインは曲を大きく牽引し、ドラムもタイトで粘りがある。その上でギターがサイケデリックな装飾を加え、曲全体をロックとファンクの間に置いている。The Verveの音楽において低音は常に重要だが、この曲では特にSimon Jonesのベースが前面に出ており、グルーヴの核となっている。
歌詞では、観察、疑念、人間関係の駆け引き、真実を探る姿勢が感じられる。Ashcroftの歌唱はやや皮肉を含み、曲のリズムに乗って言葉を投げかける。アルバム全体の重厚なサイケデリアの中で、「Columbo」は身体的なアクセントとして機能している。
10. Appalachian Springs
アルバムの最後を飾る「Appalachian Springs」は、『Forth』の締めくくりとして穏やかで広大な余韻を残す楽曲である。タイトルにある「Appalachian」はアメリカ東部のアパラチア山脈を想起させ、自然、遠景、旅、精神的な場所といったイメージを呼び起こす。英国のバンドであるThe Verveがこのようなアメリカ的な風景をタイトルに用いることで、曲は具体的な土地というより、心の中の遠い場所として響く。
サウンドはゆったりとしており、アルバム全体のサイケデリックな流れを静かに受け止める。ギターは大きく鳴り響くというより、空間に溶け込むように配置されている。Ashcroftの歌声も、力強く歌い上げるというより、長い旅の終わりに語りかけるような響きを持つ。
歌詞のテーマは、自然への回帰、精神的な安息、人生の旅、解放への希求である。The Verveの音楽には、都市的な現実から離れ、より大きな自然や宇宙へ接続しようとする感覚が常にある。この曲は、その感覚をアルバムの最後に穏やかな形で提示している。
終曲としての「Appalachian Springs」は、大きなカタルシスで作品を閉じるのではなく、余白と風景を残して終わる。『Forth』というアルバムが、過去への帰還であると同時に、どこか新しい場所へ向かう旅でもあったことを示すエンディングである。
総評
『Forth』は、The Verveのディスコグラフィの中で独特の位置を占める作品である。『A Storm in Heaven』のサイケデリックな拡張性、『A Northern Soul』の荒々しい緊張感、『Urban Hymns』のメロディアスな大衆性。そのすべてが部分的に含まれているが、どれか一つの方向に完全には収束しない。そのため本作は、過去作のような明確なイメージを持ちにくい一方で、The Verveというバンドの複雑な本質を改めて示す作品でもある。
最も評価すべき点は、再結成作でありながら、単なる懐古に終わっていないことである。多くのリスナーが期待したのは、『Urban Hymns』のような大きなバラードやストリングスを用いたアンセムだったかもしれない。しかし『Forth』は、むしろバンドのより深い根にあるサイケデリック・ロック、長尺のジャム、音響的な実験を前面に出している。これは商業的な安全策ではなく、The Verveが自分たちの本質を再確認するための選択だったと言える。
Nick McCabeの存在は、本作において極めて重要である。彼のギターがあることで、The Verveの音楽はRichard Ashcroftのソロ作品とは明確に異なるものになる。Ashcroftのメロディと歌詞だけでなく、McCabeのギターが作る不安定で巨大な空間、Simon Jonesのベースが生むうねり、Peter Salisburyのドラムが支える大きなリズム感が組み合わさることで、The Verve特有の音が成立する。『Forth』は、そのバンドとしての化学反応が完全ではないにせよ、確かに戻ってきたことを示している。
一方で、本作には弱点もある。アルバム全体は長く、楽曲によっては構成が緩やかで、明確な焦点を欠くように感じられる場面もある。『Urban Hymns』のような高い完成度と即効性を求めると、散漫な印象を受ける可能性がある。また、Richard Ashcroftのソングライティングとバンドのサイケデリックな即興性が、常に完全に融合しているわけではない。ポップな曲と長尺の実験曲が共存する一方で、その接続がやや粗い部分もある。
しかし、その粗さこそが『Forth』の魅力でもある。The Verveは本質的に、整然としたポップ・バンドというより、巨大な音のうねりの中で歌と精神性を立ち上げるバンドである。本作では、若い頃の危険な陶酔感は薄れているが、その代わりに、長い時間を経たバンドが再び同じ空間で音を鳴らすことの重みがある。そこには、青春の爆発ではなく、過去と現在がぶつかる鈍い緊張がある。
日本のリスナーにとって『Forth』は、The Verveを『Urban Hymns』から入った場合、やや捉えにくいアルバムかもしれない。明快なヒット曲だけを期待すると、「Love Is Noise」以外の楽曲は長く、暗く、抽象的に感じられる可能性がある。しかし、初期The Verveのサイケデリックな音像や、Spiritualized、The Stone Roses、Pink Floyd、Primal Screamのような拡張的ロックに関心があるリスナーにとっては、本作は重要な再評価の対象となる。
『Forth』は、The Verveの完全復活を高らかに告げる勝利宣言というより、傷跡を抱えたバンドが再び音の中へ戻っていく記録である。過去の名声、メンバー間の緊張、時代の変化、年齢を重ねたことによる感覚の変化。それらすべてが、長いグルーヴと霞んだギター、Ashcroftの祈りに近い歌声の中に刻まれている。完璧なアルバムではないが、The Verveというバンドの本質である、陶酔、孤独、精神的な希求、そして巨大な音の空間を再び提示した意義深い作品である。
おすすめアルバム
1. A Storm in Heaven by The Verve
The Verveのデビュー作であり、『Forth』のサイケデリックな側面を理解するうえで最も重要な作品である。Nick McCabeの空間的なギター、長く伸びる残響、宇宙的な浮遊感が前面に出ており、『Forth』の「Sit and Wonder」や「Noise Epic」に通じる音響的な原点を確認できる。
2. A Northern Soul by The Verve
デビュー作のサイケデリアをより荒々しく、ブルージーで、感情的なロックへと発展させた2作目である。Richard Ashcroftの自己破壊的な歌唱、バンド全体の緊張感、重くうねるグルーヴが特徴で、『Forth』にある暗さや精神的な切迫感と強く結びついている。
3. Urban Hymns by The Verve
The Verve最大の成功作であり、壮大なメロディと人生観を含んだ歌詞によって広く知られる作品である。『Forth』よりも明快でポップだが、「Rather Be」や「Valium Skies」に見られるメロディアスな側面を理解するには欠かせない。The Verveがどのように大衆性を獲得したかを示す重要作である。
4. Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space by Spiritualized
スペース・ロック、ゴスペル、サイケデリア、ドラッグ的な陶酔を融合した1990年代英国ロックの重要作である。『Forth』の長尺曲や、救済と麻痺が隣り合う精神性に関心がある場合、非常に関連性が高い。音楽を意識の拡張装置として扱う姿勢が共通している。
5. XTRMNTR by Primal Scream
ロック、エレクトロニック、ノイズ、政治的な緊張を融合した攻撃的なアルバムである。The Verveとは音楽性が異なる部分も多いが、『Forth』の「Love Is Noise」や「Columbo」に見られる現代的なビート感、ノイズ的な質感、サイケデリックなロックの更新という点で関連性がある。1990年代以降の英国ロックが、過去のロック形式をどのように拡張したかを考えるうえで有効な作品である。
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