発売日：1976年11月22日
ジャンル：フォーク・ロック、ジャズ・フォーク、シンガーソングライター、アート・ポップ、ジャズ・フュージョン
概要
Joni MitchellのHejiraは、1976年に発表された通算8作目のスタジオ・アルバムであり、彼女のキャリアの中でも特に詩的完成度、音楽的独自性、内省的な深さが際立つ作品である。一般的には、1971年のBlueが彼女の告白的ソングライティングの頂点として語られ、1974年のCourt and Sparkが商業的成功とジャズ志向の融合を示した代表作として評価されることが多い。しかしHejiraは、それらとは異なる形で、Joni Mitchellという作家の成熟を示すアルバムである。
タイトルのHejiraは、アラビア語由来の言葉で、移住、脱出、旅立ちを意味する。イスラム史における預言者ムハンマドのメッカからメディナへの移住を指す言葉としても知られるが、本作では宗教的な意味に限定されず、「ある場所から別の場所へ移動すること」「精神的な転位」「自分自身からも逃れようとする旅」といった広い意味で用いられている。実際、本作の多くの楽曲には、アメリカ大陸を車で移動する感覚、ホテル、ハイウェイ、寒い町、孤独な会話、恋人との別れ、過去の自分との距離が描かれている。旅は目的地へ向かうものではなく、自分の内面を掘り下げるための状態として機能している。
本作が制作された時期、Joni Mitchellはすでにフォーク・シンガーという枠を大きく越えていた。初期の彼女は、アコースティック・ギターと繊細な旋律によるフォーク系シンガーソングライターとして注目されたが、1970年代中盤にかけて、ジャズ、ポップ、ロック、フュージョンの要素を積極的に取り込んでいく。Court and SparkやThe Hissing of Summer Lawnsでは、リズム、ホーン、複雑なコード、スタジオ・アレンジが拡張されていた。Hejiraはその流れを受けながらも、過度な装飾を削ぎ落とし、ギター、ベース、声、空間の関係を極めて独自の形で磨き上げている。
本作の音楽的な核心にあるのは、Joni Mitchellの変則チューニングによるギターと、Jaco Pastoriusのフレットレス・ベースである。Jacoのベースは単に低音を支えるものではなく、もうひとつの旋律楽器として歌と並走する。滑るような音程、柔らかなグリッサンド、予測しにくいフレーズは、ハイウェイを流れていく風景や、考えがまとまりきらない内面の動きと響き合う。この組み合わせによって、Hejiraは通常のフォーク・ロックとも、一般的なジャズ・フュージョンとも異なる音楽になっている。
歌詞面では、HejiraはJoni Mitchellの作品の中でも特に散文的で、観察的で、哲学的である。Blueが恋愛や孤独を剥き出しの感情として提示した作品だとすれば、Hejiraは感情を旅の思考として再構成した作品である。ここでのJoniは、恋に傷ついた人物であると同時に、観察者であり、旅人であり、自己分析者でもある。愛を求めながら自由も求める矛盾、親密さを望みながら束縛を嫌う心、女性として社会に見られることへの違和感、芸術家として移動し続ける宿命が、長いフレーズの中で複雑に語られる。
キャリア上の位置づけとして、HejiraはJoni Mitchellの1970年代中盤の探求が最も均衡した形で結晶した作品といえる。The Hissing of Summer Lawnsでは実験性が強く、都市生活や上流階級への批評が多層的に描かれたが、Hejiraでは再び個人の視点に戻りながら、初期のフォーク的な簡素さには戻らない。むしろ、フォーク、ジャズ、詩、ロード・ムービー的感覚が高度に融合している。その意味で本作は、初期の告白性と後期の実験性をつなぐ、非常に重要な中間地点である。
後の音楽シーンへの影響も大きい。Joni Mitchellはシンガーソングライターの歌詞表現を、単なる日記や告白から、文学的な自己分析へと押し広げたアーティストである。Hejiraの長い旋律、会話のような歌詞、ジャズ的な和声、個人の移動と内面を重ねる手法は、後の女性シンガーソングライターだけでなく、インディー・フォーク、アート・ポップ、ジャズ寄りのソングライティングにも大きな示唆を与えた。Tori Amos、Suzanne Vega、Rickie Lee Jones、Aimee Mann、Laura Marling、Joanna Newsom、さらには現代のPhoebe BridgersやAdrianne Lenkerのような作家たちにも、Joni Mitchell的な「自分を語ることの複雑さ」は間接的に受け継がれている。
日本のリスナーにとって、Hejiraは一聴して分かりやすいポップ・アルバムではない。明快なサビ、短いフック、即効性のあるメロディを期待すると、やや掴みにくく感じられる可能性がある。しかし、言葉が流れる速度、ギターとベースが作る空間、声の中にある疲労と透明感、旅の孤独に耳を澄ませると、本作は非常に深く響く。Hejiraは、移動しながら考え続ける人間のためのアルバムであり、Joni Mitchellの作品の中でも最も孤高で、美しく、静かに革新的な一枚である。
全曲レビュー
1. Coyote
「Coyote」は、Hejiraの冒頭を飾る楽曲であり、アルバム全体のテーマである移動、欲望、孤独、自由への執着を鮮やかに提示する。タイトルの「コヨーテ」は、北米の野生動物であり、荒野、狡猾さ、夜の移動、捕まえにくさを象徴する存在である。歌詞の中の人物もまた、自由で魅力的だが、定住せず、責任を完全には引き受けない男性像として描かれている。
サウンド面では、Joni MitchellのギターとJaco Pastoriusのフレットレス・ベースが非常に重要である。ギターは通常のフォーク的な伴奏というより、開放弦と変則チューニングによって浮遊する和声空間を作り出す。そこにJacoのベースが滑り込むことで、曲は地面に固定されず、常に横へ流れていく。リズムは明確なロック・ビートに頼らず、言葉の流れに合わせてしなやかに進む。
歌詞では、旅の途中で出会った相手との一時的な関係が描かれる。相手は魅力的だが、同時に危うい。Joniはその人物に惹かれながらも、自分が相手の世界に完全には属せないことを理解している。ここには、恋愛の熱よりも、相手を観察する冷静さがある。愛情と距離、欲望と分析が同時に存在している点が、Joni Mitchellらしい。
「Coyote」は、1970年代のロックやフォークがしばしば描いた自由な男の旅を、女性の視点から捉え直した曲でもある。自由に移動する男性は魅力的に見えるが、その自由は他者を置き去りにすることもある。Joniはその矛盾を見抜きながら、自分自身もまた自由を求める旅人であることを認めている。その二重性が、この曲を単なる恋愛歌ではなく、アルバム全体の思想的な入口にしている。
2. Amelia
「Amelia」は、Hejiraの中でも特に象徴性が高く、美しい楽曲である。タイトルは、女性飛行士Amelia Earhartを指している。大西洋単独横断飛行などで知られ、最終的には飛行中に消息を絶ったAmelia Earhartは、冒険、孤独、女性の自立、そして消失の象徴として機能している。Joni Mitchellはこの人物像を、自身の旅と重ね合わせる。
音楽的には、ギターの反復が空の広がりを思わせる。コードは明確な解決へ向かわず、浮遊し続ける。メロディも大きなサビへ到達するのではなく、語りのように進む。この構造は、飛行や移動の感覚と強く結びついている。地上にしっかり着地するのではなく、空中で思考が続いているような曲である。
歌詞では、Joniが車で砂漠やハイウェイを移動しながら、Amelia Earhartに自分を重ねる。ここで重要なのは、旅が英雄的な冒険としてではなく、孤独と不安を伴う行為として描かれている点である。Ameliaは空を飛び、Joniは地上を走る。しかし、どちらも既存の枠から外へ出ようとする女性であり、同時にその自由の代償を背負っている。
「Amelia」は、女性アーティストの自己像を考えるうえでも重要である。Joni Mitchellは、恋愛や家庭に収まる女性像から距離を取り、芸術家として移動し続ける人生を選んだ。しかし、その選択は孤独を伴う。自由は解放であると同時に、帰る場所のなさでもある。この曲は、その矛盾をきわめて美しく描いている。
また、「Amelia」における言葉の質感は、詩としても非常に高い完成度を持つ。風景描写、歴史的人物への言及、個人的な感情が自然に重なり合い、ひとつの長い思考として流れていく。Hejiraというアルバムの文学的な核心を示す、代表的な楽曲である。
3. Furry Sings the Blues
「Furry Sings the Blues」は、ブルース・ミュージシャンFurry Lewisとの出会いをもとにした楽曲であり、Joni Mitchellがアメリカ音楽の歴史とどのように向き合っていたかを示す重要な曲である。Furry Lewisはメンフィスのブルースマンであり、古いブルースの伝統を体現する存在である。Joniは彼を訪ね、その姿を歌にするが、そこには尊敬だけでなく、観察する側の複雑な違和感も含まれている。
サウンドは、ブルースの直接的な模倣ではない。むしろ、Joni Mitchellらしい変則チューニングのギター、緩やかなリズム、語りに近い旋律によって、ブルースの記憶を遠くから見つめるような音楽になっている。ここで彼女は、ブルースを自分のものとして容易に消費するのではなく、その歴史的重みと距離を意識している。
歌詞では、老いたFurry Lewisの姿、メンフィスの風景、観光化された音楽史、そして過去の偉大な文化が現在の中でどのように扱われるかが描かれる。Joniはブルースへの敬意を持ちながらも、そこにある貧困、老い、忘却、商業化の問題を見逃さない。音楽が神話化される一方で、その音楽を生み出した人間が取り残されている現実が見える。
この曲は、単なるトリビュートではない。むしろ、白人カナダ人女性アーティストであるJoni Mitchellが、アメリカ黒人音楽の歴史に触れることの複雑さを示している。彼女はブルースをロマンティックな過去として美化するのではなく、そこにある痛みや時間の経過を見つめる。その視点が、本曲に深い批評性を与えている。
「Furry Sings the Blues」は、Hejiraの中で旅の地理的広がりを示すだけでなく、音楽史への旅としても機能する。Joniは自分の孤独だけを歌っているのではなく、自分が通過する土地や人々の記憶も拾い上げている。本曲は、彼女のソングライティングが個人的な感情と文化的観察を同時に扱えることを示す重要な楽曲である。
4. A Strange Boy
「A Strange Boy」は、恋愛関係における年齢差、成熟と未熟、自由と依存の緊張を描いた楽曲である。タイトルの「奇妙な少年」は、魅力的でありながら未成熟な相手を指している。Joni Mitchellの恋愛歌は、単に相手への愛情や別れを描くだけではなく、関係の中にある心理的な力学を精密に観察する。この曲もその代表例である。
音楽的には、ギターの柔らかな響きと、ゆったりしたリズムが中心となる。曲は大きく盛り上がるのではなく、会話のように流れていく。旋律は自然に言葉へ寄り添い、感情の変化を細かく追っていく。Joniの歌唱は、相手を責めるようでもあり、慈しむようでもあり、自分自身を分析するようでもある。
歌詞では、相手の若さや不安定さが描かれる。彼は魅力的だが、まだ自分自身を十分に理解していない。Joniはその未熟さに苛立ちながらも、そこに惹かれている。この矛盾が曲の中心にある。彼女は年上の視点から相手を見ているが、完全に優位に立っているわけではない。むしろ、相手の未熟さに触れることで、自分自身の不安定さも露わになる。
「A Strange Boy」は、Joni Mitchellが恋愛を固定的な役割ではなく、互いの欠落が交差する場として描いている点で重要である。相手が未熟だから関係が失敗する、という単純な話ではない。未熟な相手に惹かれる自分、自由を求めながら親密さも求める自分が、同時に問われている。
この曲は、Hejira全体のテーマである「移動」とも関係している。旅は地理的な移動だけでなく、関係から関係へ、自己像から別の自己像へ移ることでもある。「A Strange Boy」は、恋愛を通して自分の位置が揺らぐ瞬間を描いた、繊細な心理的ロード・ソングである。
5. Hejira
表題曲「Hejira」は、アルバム全体の思想を最も直接的に示す中心曲である。タイトルが意味する移住、旅立ち、逃避、精神的な移動は、この曲において個人的な経験として語られる。Joni Mitchellはここで、自分がなぜ移動し続けるのか、なぜ愛に安住できないのか、なぜ孤独を選ぶのかを問い続ける。
サウンドは、非常に静かで広がりがある。ギターの和声は開放的でありながら、どこか寒々しい。Jaco Pastoriusのベースは、曲の底を支えるというより、Joniの声の周囲を漂う。音楽は固定された拍子感よりも、思考の流れに従って進む。まるで車の中で延々と考え続けているような感覚がある。
歌詞は、Joni Mitchellの全キャリアの中でも特に哲学的である。愛の中に入れば自由を失い、自由を選べば孤独になる。この矛盾は、多くのJoni作品に通底するテーマだが、「Hejira」ではそれが非常に成熟した形で語られる。彼女は自分の選択を美化しない。自由な旅人であることは魅力的だが、それは同時に、安定した関係や帰属を手放すことでもある。
この曲におけるJoniの視点は、単なる逃避ではない。むしろ、自分が逃げていることを自覚し、その逃避にも意味を見出そうとしている。移動することでしか見えないものがあり、孤独になることでしか保てない自己がある。タイトルのHejiraは、そうした矛盾した旅を象徴している。
表題曲としての「Hejira」は、アルバムの感情的・思想的な核である。この曲を通して、本作が単なるロード・アルバムではないことが明確になる。ここでの旅は、外の風景を移動することではなく、自分自身の内部を移動することである。Joni Mitchellの詩的な自己分析が最も深く結晶した一曲といえる。
6. Song for Sharon
「Song for Sharon」は、Hejiraの中でも特に長く、物語性の強い楽曲である。タイトルにあるSharonは、Joni Mitchellの幼なじみのような存在として語られ、結婚や家庭を選んだ女性の人生と、芸術家として旅を続けるJoni自身の人生が対比される。この曲は、女性の生き方、結婚、自由、孤独、欲望をめぐる深い考察になっている。
音楽的には、ギターの反復が長い独白を支える。曲は大きなサビに向かうのではなく、手紙のように言葉が連なっていく。旋律は語りに近く、Joniの声は親密でありながら、どこか遠くを見ているようでもある。この形式によって、曲はポップ・ソングというより、音楽化されたエッセイのような印象を持つ。
歌詞では、Joniがニューヨークの街を歩き、ウェディングドレスを眺め、自分の人生とSharonの人生を比較する。結婚を選んだ友人に対して、Joniは羨望、疑問、距離、親しみを同時に抱いている。彼女は家庭的な安定を完全に否定しているわけではない。むしろ、それを望む気持ちもある。しかし、同時に彼女は芸術家としての自由を手放せない。
この曲が重要なのは、女性の選択を単純な二項対立にしない点である。結婚か自由か、家庭か芸術か、安定か冒険か。Joniはどちらか一方を正解として提示しない。どちらの人生にも代償がある。Sharonの人生には安定があるかもしれないが、別の制約もある。Joniの人生には自由があるが、孤独もある。
「Song for Sharon」は、1970年代の女性シンガーソングライターによる自己表現として非常に重要な曲である。女性がどのような人生を選ぶべきかという社会的圧力に対し、Joniは答えではなく複雑な問いを提示する。この長い曲は、個人的な手紙であると同時に、女性の人生の分岐をめぐる普遍的な考察でもある。
7. Black Crow
「Black Crow」は、Hejiraの中でも比較的リズムの推進力が強い楽曲である。タイトルの「黒いカラス」は、不吉さ、自由、孤独、空を飛ぶ存在としての象徴性を持つ。Joni Mitchellはこのイメージを、自分自身の移動性や落ち着かなさと重ねる。
サウンドは、ジャズ・ロック的な動きがあり、Jaco Pastoriusのベースが特に印象的である。フレットレス・ベースのしなやかなラインが曲に躍動感を与え、ギターの開放的な響きと絡み合う。リズムは軽快だが、曲全体には明るさだけではなく、どこか追い立てられるような感覚がある。
歌詞では、空を飛ぶ黒い鳥のイメージを通して、旅人としての自己像が描かれる。カラスは美しい鳥としてではなく、したたかで、孤独で、生き延びる力を持つ存在として現れる。Joniは自分を華麗な白鳥や自由の象徴としての鷲ではなく、黒いカラスに重ねる。そこには自己美化を避ける彼女らしい視点がある。
この曲は、Hejiraの中で重要な運動感を生み出している。前後の楽曲が思索的で長い独白のように進む中、「Black Crow」は移動そのもののエネルギーを音楽化している。車が走る、鳥が飛ぶ、心が定まらない。その身体的な感覚が、曲のリズムに反映されている。
「Black Crow」は、Joni Mitchellの自己像を理解するうえでも重要である。彼女は自由を求めるが、その自由は優雅なものではない。むしろ、不安定で、影を帯び、孤独な自由である。黒いカラスという象徴は、その現実的な自由の姿を鋭く表している。
8. Blue Motel Room
「Blue Motel Room」は、ジャズ色の強い楽曲であり、アルバムの中で異なる質感を持つ一曲である。タイトルが示すように、舞台は青いモーテルの部屋である。旅の途中にある一時的な場所、誰かを待つ空間、孤独と欲望が入り混じる部屋が、この曲の中心となる。
音楽的には、ジャズ・スタンダードに近い雰囲気がある。ゆったりとしたテンポ、ブルージーな和声、夜のクラブを思わせるムードが特徴である。Joni Mitchellはここで、フォーク・シンガーというより、ジャズ・ヴォーカリストとしての表現に近づいている。声の置き方も余裕があり、メロディの揺らし方に成熟したニュアンスがある。
歌詞では、離れた恋人への思い、関係の不安、嫉妬、再会への期待が描かれる。モーテルの部屋は、家ではない。そこは通過点であり、仮の空間である。その場所から相手に呼びかけることで、歌詞には切なさと不安定さが生まれる。愛を求めているが、その愛は安定した場所に根を下ろしていない。
「Blue Motel Room」は、Hejiraの中で最も直接的にジャズの語法へ接近した曲のひとつである。だが、それは単なるスタイルの借用ではない。旅の孤独、夜の時間、恋愛の曖昧さを表現するために、ジャズの和声とムードが必要とされている。曲の青さは、ブルースの青であり、モーテルの照明の青であり、心の憂鬱の青でもある。
この曲は、Joni Mitchellがジャンルを表面的に横断するのではなく、歌詞の情景と音楽形式を深く結びつける作家であることを示している。旅の中の一室を、ジャズ・バラードとして描く。その自然さが、本曲の大きな魅力である。
9. Refuge of the Roads
アルバムの最後を飾る「Refuge of the Roads」は、Hejira全体の旅を締めくくる楽曲である。タイトルは「道路の避難所」「道に見出す refuge」といった意味を持つ。ここでの道路は、単なる移動手段ではなく、Joni Mitchellにとっての逃げ場であり、自己を保つ場所であり、孤独と自由が交差する空間である。
サウンドは穏やかで、広がりがある。ギターとベースは、アルバム全体を通して築かれてきた浮遊感を最後まで保っている。曲は劇的な結論に向かわず、静かに流れていく。Joniの声には疲れと安堵が同時に含まれており、長い旅の終わりというより、旅がまだ続いていくことを示すような余韻がある。
歌詞では、旅の中で出会った人々、風景、思考が回想される。道は孤独を深める場所であると同時に、社会の役割や人間関係の重さから一時的に逃れる場所でもある。Joniは道路に refuge を見出すが、それは完全な救済ではない。道は帰る場所ではなく、移動し続けるための空間である。そこに安らぎを求めること自体が、彼女の矛盾を示している。
この曲は、アルバム全体の主題を静かにまとめる。Hejiraにおける旅は、目的地へ到達するためのものではなかった。むしろ、どこにも落ち着けない人間が、自分を保つために移動し続ける行為だった。「Refuge of the Roads」は、その移動に一種の救いを見出す曲でありながら、同時にその救いの不完全さも理解している。
締めくくりとしての「Refuge of the Roads」は、非常にJoni Mitchellらしい。大きな解決や幸福な結末を提示せず、道の上にいる自分を受け入れる。孤独は消えないが、孤独と共に進むことはできる。その静かな認識が、アルバムの最後に深い余韻を残す。
総評
Hejiraは、Joni Mitchellのキャリアの中でも最も完成度の高い作品のひとつであり、特に歌詞、音楽的空間、アルバム全体の統一感という点で突出している。Blueが感情の直接性によって聴き手に迫る作品だとすれば、Hejiraは感情を思考へ、旅へ、風景へと変換する作品である。ここでは恋愛や孤独が、単なる個人的な出来事としてではなく、移動し続ける人間の存在条件として描かれている。
本作の最大の特徴は、旅のアルバムでありながら、外向的な冒険の音楽ではない点にある。アメリカのロード・ミュージックには、自由、広大な大地、男性的な放浪の神話が強く存在する。しかしHejiraは、その神話を女性の視点、芸術家の視点、孤独な観察者の視点から再構成している。道は解放であると同時に、定住できないことの証でもある。車で移動することは自由であると同時に、親密さから逃げることでもある。この二重性が、本作全体を深くしている。
音楽的には、Joni Mitchellの変則チューニングによるギターと、Jaco Pastoriusのフレットレス・ベースの組み合わせが決定的である。このアルバムでは、ドラムや派手なアレンジに頼らず、ギターとベースと声が広い空間を作り出す。Jacoのベースは、通常のポップ・ソングの低音とはまったく異なり、歌に対するもうひとつの声として機能している。彼の音は、ハイウェイの曲線、思考の揺れ、感情の未解決な動きを表現しているように聞こえる。
歌詞の面では、HejiraはJoni Mitchellの詩人としての成熟を示す作品である。各曲は明確な物語を持ちながらも、単純な結論に収束しない。「Coyote」では魅力的だが不安定な男性との関係が描かれ、「Amelia」では女性飛行士の孤独と自分自身の旅が重ねられる。「Song for Sharon」では結婚と自由をめぐる女性の人生の分岐が問われ、「Hejira」では愛と自由の矛盾が哲学的に語られる。どの曲も、個人的な経験を超えて、普遍的な問いへと広がっている。
本作は、ポップ・アルバムとしては決して分かりやすい構造を持たない。明快なヒット曲が並ぶ作品ではなく、曲は長く、歌詞も密度が高く、旋律は会話のように流れる。そのため、初めて聴いたときには地味に感じられるかもしれない。しかし、聴き込むほどに、各曲の風景や言葉の奥行き、ベースの動き、声の微妙な表情が浮かび上がる。即効性ではなく、長く付き合うことで価値が増していくタイプのアルバムである。
歴史的に見ても、Hejiraはシンガーソングライター表現の可能性を大きく広げた作品である。1970年代のシンガーソングライター文化は、個人の内面を歌うことを中心に発展したが、Joni Mitchellはそこにジャズ的な和声、文学的な語り、女性の自立をめぐる複雑な視点を持ち込んだ。本作は、単なる告白ではなく、自己を分析し、風景と歴史と他者の人生を織り込む高度なソングライティングである。
後のアーティストへの影響も極めて大きい。Joni Mitchell以降、多くの女性シンガーソングライターが、自分の人生をただ率直に歌うだけでなく、その矛盾や社会的文脈まで含めて表現するようになった。Hejiraは、そうした流れの重要な先例である。特に、恋愛を単純な幸福や失恋としてではなく、自由、自己実現、女性の人生の選択と結びつけて描く点は、現代の多くの作家にも通じる。
日本のリスナーにとって、Hejiraは静かに向き合うべきアルバムである。通勤や移動中に聴くと、歌詞のすべてを理解しなくても、道路、夜、寒さ、孤独、遠くへ向かう感覚が音から伝わってくる。英語詞を読みながら聴くと、さらに作品の深みが見えてくる。特に、人生の選択、自由と孤独の関係、恋愛と自己実現の矛盾に関心のあるリスナーには強く響く作品である。
総合的に見て、HejiraはJoni Mitchellの代表作であるだけでなく、20世紀のシンガーソングライター・アルバムの中でも特別な位置を占める傑作である。派手なドラマではなく、静かな移動と思考によって人間の複雑さを描いた作品であり、フォーク、ジャズ、詩、ロード・ムービー的感覚が奇跡的な均衡で結びついている。Joni Mitchellはこのアルバムで、道の上にいること、誰にも完全には属さないこと、その寂しさと自由を、これ以上ないほど美しく音楽化した。
おすすめアルバム
1. Joni Mitchell — Blue
Joni Mitchellの告白的ソングライティングを代表する作品。Hejiraが旅と思考のアルバムであるのに対し、Blueは感情の直接性が際立つ。恋愛、孤独、喪失、自己探求を非常に生々しい形で描いており、Joni Mitchellの内面表現の出発点を理解するうえで欠かせない一枚である。
2. Joni Mitchell — The Hissing of Summer Lawns
Hejiraの直前に発表された、より実験的で都市的な作品。ジャズ、アフリカ音楽、ポップ、社会批評が複雑に絡み合い、郊外生活や上流階級の空虚さを描いている。Hejiraに見られるジャズ志向と文学的視点が、より外向きの批評性として表れたアルバムである。
3. Laura Nyro — Eli and the Thirteenth Confession
ソウル、ジャズ、ポップ、ゴスペルを自由に横断した女性シンガーソングライターの重要作。Joni Mitchellとは作風が異なるが、複雑なコード、情緒の急展開、女性の内面を豊かに描く点で関連性が高い。1970年代以降の女性ソングライティングの広がりを理解するうえで重要な作品である。
4. Rickie Lee Jones — Pirates
ジャズ、ポップ、ビート文学的な語りを融合した1981年の名作。都市の孤独、恋愛の複雑さ、自由な旋律感という点で、Hejiraの後継的な感覚を持つ。Joni Mitchellが切り開いたジャズ寄りのシンガーソングライター表現が、次世代でどのように発展したかを知ることができる。
5. Laura Marling — Once I Was an Eagle
現代フォークにおけるJoni Mitchell的な内省と女性の自己分析を受け継ぐ作品。長い楽曲の流れ、恋愛と自由をめぐる葛藤、文学的な歌詞が特徴であり、Hejiraの精神を現代的に響かせるアルバムとして関連性が高い。Joni Mitchellの影響が21世紀のフォークにどう生きているかを理解するうえで適している。
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