発売日：2015年3月17日
ジャンル：オルタナティヴ・ロック／エレクトロ・ロック／インディー・エレクトロ／ポップ・ロック
概要
Runは、Aaron BrunoによるプロジェクトAWOLNATIONが2015年に発表した2作目のスタジオ・アルバムである。2011年のデビュー作Megalithic Symphonyと、その収録曲「Sail」の長期的なヒットによって世界的な知名度を獲得した後、AWOLNATIONが単なる一曲型のエレクトロ・ロック・プロジェクトではないことを示そうとした作品として位置づけられる。
前作では、インディー・ロック、エレクトロ、ヒップホップ的ビート、オルタナティヴ・ロック、ポップをかなり自由に混ぜ合わせていた。特に「Sail」は、重いシンセ・ベース、ミニマルなビート、歪んだヴォーカルを組み合わせた異色の楽曲であり、2010年代前半のオルタナティヴ・ポップに大きな影響を与えた。
Runでは、その成功を単純に再現するのではなく、よりダークで、重く、内省的な方向へ進む。
音楽的には、エレクトロニックな低音、巨大なドラム、アンビエントなシンセ、ロック的なギター、加工されたヴォーカルが共存する。曲によってはかなりミニマルで、逆に別の曲ではスタジアム・ロック的なスケールまで拡大する。
Aaron Brunoの歌唱も重要である。
彼は純粋なロック・シンガーでも、エレクトロ系の無機質なヴォーカリストでもない。囁き、叫び、ファルセット、歪ませた声、コーラス処理などを使い分け、声そのものをサウンド・デザインの一部として扱う。
歌詞のテーマは、逃走、恐怖、内面の暴力性、自分自身との闘い、人間関係、孤独、死、生存本能などが中心になる。
アルバム・タイトルのRunは極めて単純だが、その単純さが作品全体をよく表している。
走る。
逃げる。
追われる。
前へ進む。
どこかへ向かう。
何かから離れる。
この“run”という行為には、希望と恐怖の両方が含まれる。
逃げることは弱さでもある。
しかし、生き残るためには必要な場合もある。
この二面性がアルバム全体に流れている。
2015年当時は、Imagine Dragons、Twenty One Pilots、Bastille、X Ambassadorsなど、ロックとエレクトロニック・ポップの境界を越えるバンドが大きな人気を得ていた。
AWOLNATIONも同じ時代の流れに属しているが、Runはその中でもより暗く、音響的に過激で、ポップとノイズの距離が近い。
そのため本作は、2010年代中盤のオルタナティヴ・ロックが、ギター中心主義から完全に離れていく過程を示す重要な作品の一つでもある。
全曲レビュー
1. Run
アルバムはタイトル曲「Run」で始まる。
非常に短く、ほとんどイントロダクションのような楽曲だが、作品全体の空気を決定づける役割を持つ。
低く不穏なサウンドの中で、“run”という言葉が強く印象づけられる。
ここで重要なのは、何から逃げているのかが明確にされないことだ。
敵。
自分自身。
過去。
社会。
恐怖。
そのどれとも解釈できる。
この曖昧さによって、“run”は特定の物語ではなく、より普遍的な生存本能の言葉になる。
音楽も大きな展開を作らず、次に何か危険なものが来るような緊張を残す。
2. Fat Face
「Fat Face」は、アルバム序盤において一気にエネルギーを上げる楽曲。
ビートは重く、シンセとギターが押し寄せるように配置される。
AWOLNATIONの特徴である、ロック的な攻撃性と電子音の巨大さがよく表れている。
タイトルはかなり奇妙で、Aaron Brunoらしい不条理な言語感覚を持つ。
歌詞は完全に具体的な物語を説明するのではなく、断片的なイメージを積み重ねる。
そのため内容は一義的ではないが、人物や社会への嫌悪、自己イメージの歪みといった感覚がある。
サウンドは攻撃的だが、完全にヘヴィ・ロックへ振り切らない。
リズムの反復と電子的な処理によって、ダンス・ミュージックにも近い身体性を持つ。
3. Hollow Moon (Bad Wolf)
本作を代表する楽曲の一つで、AWOLNATIONのキャリアでも重要なシングル。
タイトルの“Hollow Moon”は「空洞の月」という奇妙なイメージを持ち、“Bad Wolf”という副題がさらに寓話的な雰囲気を加える。
歌詞では、恐怖や不安を抱えながら、それに立ち向かおうとする人物が描かれる。
“bad wolf”は外部の敵であると同時に、自分の内部にある暴力性や恐怖の象徴としても解釈できる。
サウンドは非常にダイナミック。
静かなヴァースから、巨大なサビへ一気に拡大する。
ドラム。
シンセ。
ギター。
コーラス。
すべてが一体となり、スタジアム・ロック的なスケールを作る。
この曲では、AWOLNATIONが「Sail」のミニマリズムだけではなく、大きなアンセムも作れることが示される。
4. Jailbreak
「Jailbreak」は、タイトル通り脱獄、拘束からの解放をテーマにする。
“run”というアルバム全体のモチーフとも強くつながる。
閉じ込められている。
そこから出る。
逃げる。
しかし自由になった後、どこへ行くのかは分からない。
この不確実さが重要である。
音楽は比較的ポップで、サビも覚えやすい。
しかし低音には緊張感が残り、完全に明るい解放ソングにはならない。
自由は安心ではない。
むしろ未知の場所へ飛び出すことでもある。
この感覚がAWOLNATIONらしい。
5. KOOKSEVERYWHERE!!!
タイトルからして極端で、ほとんど落書きのような視覚的インパクトを持つ。
“kooks”は変人、奇人、風変わりな人々を意味する。
「どこにでも変人がいる」というタイトルは、社会全体への違和感や、自分自身もその一部であるという感覚を示す。
AWOLNATIONの作品には、社会の“正常さ”から少し外れた人物の視点が多い。
ここでも、周囲の人々を奇妙に感じる一方、自分もまた正常ではない。
その相互的な違和感がユーモアとして表現される。
サウンドは短く、騒々しく、パンク的な衝動を持つ。
アルバムの重い空気を一度崩す役割もある。
6. I Am
「I Am」は、本作の中でも特に内省的な楽曲。
タイトルは「私は〜である」という最も基本的な自己定義の言葉だ。
しかし歌詞では、その自己定義が簡単には成立しない。
自分は何者なのか。
他人からどう見られているのか。
自分自身をどう理解しているのか。
その問いが曲の中心にある。
音楽は比較的ゆったりとしており、ヴォーカルの感情が前面に出る。
AWOLNATIONは巨大なサウンドで知られるが、「I Am」では余白を多く使う。
そのため、Aaron Brunoの声の脆さがよく聞こえる。
この曲は、アルバム全体にある「逃げる」テーマを、外部からではなく自己認識の問題へ向ける。
7. Headrest for My Soul
「Headrest for My Soul」は、本作の中でも特に独特なタイトルを持つ。
“headrest”は頭を休める場所。
そこへ“for my soul”を加えることで、魂を休ませる場所という詩的な比喩になる。
疲れている。
精神的に消耗している。
休みたい。
しかし、どこで休めばいいのか分からない。
この感覚が曲の中心にある。
サウンドは非常に穏やかで、アンビエントな質感が強い。
ギターも控えめで、ヴォーカルが空間の中に浮かぶ。
アルバム中盤の休息地点のような役割を持つ。
しかしその休息も完全な安心ではない。
あくまで「少し頭を置ける場所」を探しているにすぎない。
8. Dreamers
「Dreamers」は、夢を見る人々をテーマにした楽曲。
しかし単純な希望賛歌ではない。
夢を見ることには美しさがある。
同時に、現実との距離が広がる危険もある。
AWOLNATIONはこの両面を描く。
サウンドは比較的明るく、アルバムの中でも開放感がある。
コーラスも大きく、ライブでの一体感を意識した構成。
歌詞には、現実の制約を超えようとする人物たちへの共感がある。
しかし夢が現実になる保証はない。
その不確実さを残すことで、単純なポジティヴ・ソングにならない。
9. Windows
「Windows」は、窓という日常的な物をタイトルにしている。
窓は、内側と外側を分ける。
外を見ることができる。
しかし、自分はまだ内側にいる。
この構造は、AWOLNATIONの歌詞世界に非常によく合う。
社会を見る。
他人を見る。
自由を見る。
しかし、自分自身はそこへ完全には入れない。
音楽はやや抑制され、視線の距離感を意識したサウンドになっている。
シンセとヴォーカルのレイヤーが、ガラス越しのような少しぼやけた印象を作る。
10. Holy Roller
“Holy Roller”は、熱狂的な宗教者を指すことのある表現。
この曲では、信仰、熱狂、集団心理、自己陶酔といったテーマが連想される。
AWOLNATIONの作品では、何かを強く信じることと、その信念によって視野が狭くなることの両方が描かれる。
音楽は激しく、リズムも攻撃的。
宗教的な恍惚とロック・コンサートの集団的興奮を重ねるような感覚がある。
タイトル自体にも少し皮肉があり、信仰そのものを否定するというより、人間が熱狂する状態を観察している。
11. Woman Woman
「Woman Woman」は、タイトル通り女性に向けた楽曲。
本作の中では比較的ストレートな感情を持つ。
歌詞には愛情、欲望、依存が混ざり合う。
相手を理想化しすぎる危険も感じられる。
AWOLNATIONの恋愛曲は、甘いだけではない。
相手に救いを求める。
同時に、その依存が自分を不安定にする。
音楽はメロディックで、ヴォーカルも比較的柔らかい。
アルバムの中で、人間関係の親密さを最も直接的に扱う曲の一つである。
12. Lie Love Live Love
タイトルは“lie”“love”“live”という似た響きの言葉を組み合わせた言葉遊び。
嘘。
愛。
生きること。
この三つが互いに絡み合う。
人間関係では、愛情があっても嘘をつく。
嘘をつきながら関係を続ける。
その関係の中で生きる。
単純に善悪へ分けられない。
この曲では、その複雑さが短い言葉の組み合わせによって表現される。
音楽も反復を重視し、言葉が呪文のように聞こえる。
AWOLNATIONのポップ性と実験性がうまく混ざった曲である。
13. Like People, Like Plastic
タイトルは「人間もプラスチックのようだ」といったニュアンスを持つ。
非常に批評的な言葉である。
プラスチック。
人工物。
量産。
表面は滑らか。
しかし自然ではない。
ここでは現代社会における人間関係や自己演出の人工性が示唆される。
他人に合わせる。
同じように振る舞う。
本当の感情を隠す。
その結果、人間が大量生産された物のようになる。
サウンドは電子的で、タイトルの人工性とよく一致している。
AWOLNATIONがロック・バンドでありながら、エレクトロニックな音を積極的に使う理由がテーマと結びつく曲でもある。
14. Drinking Lightning
「Drinking Lightning」は、稲妻を飲むという非常に強烈なイメージを持つ。
危険。
エネルギー。
自己破壊。
超人的な力。
それらが同時に連想される。
この曲では、危険だと分かっているものを自ら取り込む衝動が感じられる。
恋愛。
ドラッグ。
成功。
怒り。
そうしたものを“lightning”として読むこともできる。
音楽は本作後半でも特にドラマティック。
静かな部分と大きなサビの対比が強い。
タイトル通り、エネルギーを身体の中へ無理やり取り込むような迫力がある。
15. Personal
「Personal」は、アルバムの中でも最も内側へ向いたタイトルの一つ。
ここでは外部世界から距離を取り、自分自身の感情へ焦点を戻す。
AWOLNATIONの歌詞は抽象的なことが多いが、この曲では「これは自分にとって個人的な問題だ」という感覚が強い。
怒り。
失望。
関係。
傷。
それらを一般論ではなく、自分自身のものとして受け止める。
サウンドも比較的抑えられ、終盤に向けてアルバムの熱量を少しずつ下げる。
16. Jailbreak (Live to Live)
アルバム終盤では「Jailbreak」が別の形で再登場する。
同じ曲を再提示することで、「逃げる」というテーマが循環する。
一度逃げても終わらない。
別の場所でもまた何かに閉じ込められる。
自由は一度手に入れれば永久に続くものではない。
この構造によって、“run”というアルバム全体のテーマがさらに強調される。
再演という形式自体も、同じ感情を何度も経験する人間の心理と重なる。
17. Run (Beautiful Things)
アルバムの最後に、冒頭の「Run」と呼応するような形で置かれるエンディング。
ここでは“beautiful things”という言葉が加わり、逃走だけではない視点が生まれる。
走る。
逃げる。
それでも途中で美しいものを見ることはできる。
この変化が重要である。
アルバム冒頭の“run”は、ほとんど恐怖の命令だった。
しかし最後には、走ることが生きることそのものへ少し近づく。
逃げるためだけではない。
前へ進むためでもある。
完全な救済ではない。
しかし、アルバムの終わりとしてわずかな光が残る。
総評
Runは、AWOLNATIONが「Sail」という巨大な一曲の成功から離れ、自分たちの音楽的アイデンティティをより深く掘り下げた作品である。
これは非常に重要だ。
「Sail」は特殊なヒットだった。
一般的なポップソングのような明るいサビ。
大きなコード進行。
派手なギター。
それらをほとんど使わず、重いシンセ・ベースと奇妙なヴォーカルだけで広く受け入れられた。
その成功はAWOLNATIONにとって幸運である一方、危険でもあった。
次も「Sail」のような曲を求められる。
しかし同じことをすればコピーになる。
別のことをすれば期待を裏切る。
Runは、その状況に対する回答である。
Aaron Brunoは「Sail 2」を作らなかった。
代わりに、AWOLNATIONの中にあった複数の要素を拡大した。
ロック。
エレクトロニック。
アンビエント。
ポップ。
ノイズ。
ファンク。
スタジアム・ロック。
それらを一枚の中で混ぜる。
この多様性は、アルバムを散漫にする危険もある。
しかしRunでは、「逃走」と「自己との闘い」というテーマが全体をつないでいる。
タイトル曲「Run」。
「Jailbreak」。
「Hollow Moon」。
「Headrest for My Soul」。
「Dreamers」。
それぞれ方向は違うが、共通するのは「現在の場所に留まれない」という感覚だ。
どこかへ行かなければならない。
しかし、どこへ行けばいいかは分からない。
この不確実さが2010年代半ばの若者文化とも共鳴する。
経済的不安。
オンライン社会。
自己イメージの揺れ。
政治的不信。
未来への不確実さ。
AWOLNATIONはそれらを直接的な社会批判として歌わない。
代わりに、「追われている」「逃げたい」「どこかへ行きたい」という身体的な感覚へ変換する。
ここが本作の強みである。
歌詞を完全に理解しなくても、音楽の圧力で感情が伝わる。
巨大な低音。
歪んだ声。
急に静かになる瞬間。
爆発するドラム。
それらが、恐怖や解放を身体的に表現する。
Aaron Brunoのプロダクション感覚も非常に重要だ。
彼はロックのエネルギーを、必ずしもギターだけで作らない。
シンセ・ベース。
サブベース。
電子ドラム。
ノイズ。
ヴォーカル処理。
これらをギターと同じくらい重要な「ロックの力」として使う。
これは2010年代のオルタナティヴ・ロック全体の変化とも一致している。
Imagine Dragons。
Twenty One Pilots。
Bastille。
X Ambassadors。
こうしたアーティストも、ロックを楽器編成ではなく「エネルギーの形式」として捉えていた。
AWOLNATIONはその中でも、よりノイズと実験性が強い。
彼らの音楽は完全なポップにはならない。
サビが大きくても、どこか奇妙。
ビートが踊れても、音色が不穏。
この違和感が個性になっている。
Runでは特に、「美しさ」と「暴力性」が近い。
「Headrest for My Soul」のような静かな曲がある。
その一方で「Hollow Moon」や「Drinking Lightning」のような巨大な曲もある。
この落差がアルバムにドラマを与える。
静かな曲があるから、爆発が大きく聞こえる。
爆発があるから、静けさが不安に聞こえる。
このダイナミクスは、AWOLNATIONが単なる電子ロックではなく、アルバム単位で空気を設計するプロジェクトであることを示している。
ヴォーカルも同様。
Aaron Brunoは、上手さを誇示する歌手ではない。
むしろ声を壊す。
歪ませる。
囁く。
叫ぶ。
重ねる。
声を「人間の感情そのもの」として使う。
この方法によって、歌詞が抽象的でも説得力が生まれる。
「I Am」のような曲では、自分が何者かという問いが声の不安定さによって表現される。
「Hollow Moon」では、恐怖と反抗が声の爆発によって表現される。
つまりヴォーカルが意味を補完する。
また、タイトルのRunはアルバムを理解するうえで非常に優れている。
短い。
単純。
命令形にも見える。
しかし意味は多い。
逃げろ。
走れ。
前へ進め。
生き延びろ。
追いつけ。
離れろ。
一つの言葉に複数の方向がある。
アルバムの各曲も、その異なる“run”を描いている。
「Jailbreak」は拘束からの逃走。
「Dreamers」は現実から夢への移動。
「Headrest for My Soul」は逃げ疲れた後の休息。
「Personal」は外側から内側への移動。
最後の「Run (Beautiful Things)」では、走ること自体に少し肯定的な意味が生まれる。
この構造によって、アルバムは完全なコンセプト作ではないが、一つの心理的な旅として成立する。
歴史的には、Runは2010年代のロックがどのように電子音楽を吸収したかを示す作品でもある。
90年代のオルタナティヴ・ロックでは、ギター、ベース、ドラムが基本だった。
2000年代にはエレクトロニカやニューウェイヴの影響が強まった。
2010年代には、その境界自体がほとんど意味を持たなくなる。
AWOLNATIONはその象徴的な存在の一つだ。
ギターが鳴っているからロックなのではない。
巨大な低音。
衝動。
反抗。
身体性。
それらがあれば、シンセサイザー主体でもロックになり得る。
Runはその考え方を明確に示している。
一方で、アルバムの歌詞は非常に個人的である。
巨大なサウンドに対して、内容は不安。
自分自身。
恋愛。
恐怖。
休息。
その小ささが重要だ。
世界を変えるために走るのではない。
まず自分が生き残るために走る。
この感覚が、AWOLNATIONの音楽を単なるスタジアム・ロックから分けている。
Runは、前作の成功を再現するためのアルバムではない。
むしろ、成功によって固定されかけたイメージから逃げるアルバムでもある。
その意味では、タイトルはバンド自身にも向けられている。
一つのヒット曲から走り去る。
過去の期待から逃げる。
別の音へ向かう。
その結果、本作は完全に均一ではないが、非常にエネルギッシュで、野心的で、心理的な陰影を持った作品になった。
AWOLNATIONのキャリアにおいてRunは、「Sail」の後に何ができるか」という問いに対し、より重く、より暗く、より多彩なエレクトロ・ロックで答えた重要作である。
おすすめアルバム
1. AWOLNATION – Megalithic Symphony（2011）
AWOLNATIONのデビュー作。「Sail」を収録し、エレクトロ、オルタナティヴ・ロック、ヒップホップ的ビート、ポップを大胆に混ぜ合わせた作品。Runとの比較によって、バンドがより暗く、重く、アルバム志向へ進んだことが分かる。
2. Twenty One Pilots – Blurryface（2015）
同じ2015年に発表された、ロック、ヒップホップ、エレクトロニック、ポップを横断する作品。不安、自己認識、恐怖を巨大なフックへ変換する点で、Runと非常に近い時代感覚を持つ。
3. Imagine Dragons – Smoke + Mirrors（2015）
オルタナティヴ・ロックと電子的なプロダクション、巨大なドラムを融合した2010年代型ロックの代表作。Runよりポップ志向は強いが、ロックをギターだけに限定しないという点で共通する。
4. Nine Inch Nails – With Teeth（2005）
インダストリアル・ロック、電子音、歪んだヴォーカル、個人的な内省を融合した作品。AWOLNATIONのよりダークでノイジーな側面を理解するうえで重要な先行例となる。
5. M83 – Hurry Up, We’re Dreaming（2011）
シンセサイザー、アンビエント、ロック、ポップを巨大な音響へまとめた作品。AWOLNATIONとは感情の方向が異なるが、電子音を使いながらスタジアム級のスケールを作るという点でRunとの親和性が高い。
コメント