アルバムレビュー：Fear Inoculum by Tool

発売日：2019年8月30日

ジャンル：プログレッシブメタル、オルタナティブメタル、アートロック、ポストメタル、プログレッシブロック

概要

Toolの『Fear Inoculum』は、2019年に発表された5作目のスタジオ・アルバムであり、前作『10,000 Days』から約13年ぶりとなる作品である。1990年代から2000年代にかけて、Toolはオルタナティブメタル、プログレッシブロック、ポストハードコア、アートロックを横断する独自の音楽性によって、現代ヘヴィミュージックの中でも特異な位置を築いてきた。『Undertow』では暗く肉体的なオルタナティブメタルを、『Ænima』では心理的・哲学的な主題と複雑な構成を、『Lateralus』では数学的なリズム感覚、精神的な上昇、プログレッシブなスケールを、『10,000 Days』ではより重く陰影のある感情表現を提示した。そして『Fear Inoculum』は、それらの蓄積を踏まえながら、Toolの音楽をさらに長尺化、抽象化、瞑想化したアルバムである。

本作のタイトル「Fear Inoculum」は、「恐怖への接種」「恐怖に対する免疫」といった意味を持つ。ここでの恐怖は、単なる外部からの脅威ではない。老い、停滞、疑念、病、社会的不安、精神的な硬直、自分自身の内側にある毒のようなものを含んでいる。Toolはこのアルバムで、恐怖を排除すべきものとしてではなく、向き合い、体内に少量取り込み、免疫化するべきものとして扱う。つまり本作は、恐怖から逃げるアルバムではなく、恐怖を通過し、それを変質させるアルバムである。

『Fear Inoculum』は、Toolのアルバムの中でも特に長大で、余白の多い作品である。通常盤の主要楽曲だけでも一曲一曲が10分前後の尺を持ち、曲は急激な展開よりも、反復、漸進、緊張の蓄積によって進む。聴き手は一般的なロックソングのような即時的なサビやカタルシスを期待するより、長い儀式や瞑想の中に入っていくような聴き方を求められる。これは『Lateralus』の延長線上にあるが、『Fear Inoculum』ではさらに円熟し、激しさよりも持続、爆発よりも集中が重視されている。

音楽的な中心にあるのは、Adam Jonesのギター、Justin Chancellorのベース、Danny Careyのドラム、そしてMaynard James Keenanのヴォーカルによる緊密な構造である。Adam Jonesのギターは、派手な速弾きやメタル的な技巧誇示よりも、リフの反復、音の重さ、倍音、空間の作り方に重点を置く。Justin Chancellorのベースは、単なる低音の支えではなく、しばしば曲のメロディ的・リズム的な核になる。Danny Careyのドラムは本作でも圧倒的で、変拍子、ポリリズム、タブラ的なニュアンス、メタルの打撃感を統合し、曲の時間感覚そのものを支配している。Maynard James Keenanのヴォーカルは、過去作のような怒りの爆発を控えめにし、より内省的で、距離を置いた語りへ変化している。

このヴォーカルの変化は、本作の重要な特徴である。『Ænima』や『Lateralus』でのMaynardの声は、怒り、皮肉、祈り、覚醒への欲望を鋭く表現していた。しかし『Fear Inoculum』では、彼の声は前面で楽曲を支配するというより、巨大な演奏の構造の中に溶け込み、時に儀式の案内人のように機能する。これは弱体化ではなく、バンド全体の成熟を反映した配置である。Toolはここで、ヴォーカル中心のロックから、四人の音が一つの有機的な構造を作る音楽へとさらに進んでいる。

歌詞の主題は、精神的な浄化、老いと戦士性、欺瞞への抵抗、自己超克、時間、生命力の維持、内的な毒からの解放などである。表題曲「Fear Inoculum」では、毒を吐き出し、恐怖から自分を切り離すような儀式的言葉が並ぶ。「Pneuma」では、肉体を越えた呼吸、魂、意識のつながりが歌われる。「Invincible」では、老いた戦士がなおも戦い続けようとする姿が描かれる。「Descending」では、人類や社会が沈みゆく中で目覚めることを促すような壮大な警告が響く。「Culling Voices」では、内面の声や被害妄想、言葉による分断が扱われる。「7empest」では、嵐、偽装、怒り、暴露が長大な構造の中で展開される。

本作における重要な感覚は「時間」である。13年という長い空白の後に発表された作品であることもあり、『Fear Inoculum』には急ぐ気配がない。曲は必要以上に短くまとめられず、リフは何度も繰り返され、展開はゆっくりと積み上げられる。この時間の使い方は、現代のストリーミング時代の即効性とは対照的である。Toolは、短いイントロで聴き手を掴むのではなく、長い集中を要求する。そこには、アルバムという形式への強いこだわりがある。

また、本作は老いと成熟のアルバムでもある。Toolは若い怒りを爆発させるバンドではなくなった。代わりに、長い年月を経た身体と精神が、なおも複雑な構造を鳴らし、なおも内側の恐怖や外側の混乱と対峙する姿を示している。「Invincible」の老戦士の主題は、バンド自身の姿とも重なる。かつての攻撃性を単純に再現するのではなく、時間を経た者にしか作れない重さを持つ作品として、本作は成立している。

日本のリスナーにとって『Fear Inoculum』は、Toolの作品の中でも特に集中力を必要とするアルバムである。『Schism』や『Sober』のような比較的明確な代表曲から入ると、本作の長大さや展開の遅さに戸惑うかもしれない。しかし、リズムの変化、ベースとギターの絡み、ドラムの幾何学的な構成、Maynardの言葉の配置に耳を向けると、作品全体が巨大な一つの構造物として立ち上がってくる。『Fear Inoculum』は、即座に消費されるアルバムではなく、時間をかけて内部へ入っていくアルバムである。

全曲レビュー

1. Fear Inoculum

表題曲「Fear Inoculum」は、アルバムの入口であり、本作全体の主題を最も明確に提示する楽曲である。冒頭から曲はゆっくりと立ち上がり、静かなパーカッション、ギターの反復、ベースの低い動きが、まるで儀式の始まりのような空気を作る。Toolの過去作にあった即座の攻撃性ではなく、ここでは浄化のための長い準備が重視されている。

タイトルの「Fear Inoculum」は、恐怖に対する免疫を意味する。歌詞では、毒、感染、吐き出すこと、追放すること、免疫化することが中心的なイメージとして現れる。恐怖は外から襲ってくるだけではなく、内側に入り込み、自己を支配する。語り手はその毒を認識し、外へ追い出そうとする。この曲は、精神的な解毒の儀式として機能している。

音楽的には、曲は非常に慎重に展開される。ギターは単純なリフを叩きつけるのではなく、音の空間を作りながら徐々に緊張を増していく。Justin Chancellorのベースは、低音域で曲の蛇行する動きを支え、Danny Careyのドラムは変拍子的なニュアンスを加えながら、曲に複雑な呼吸を与える。Maynardのヴォーカルは、怒鳴るのではなく、祈るように、あるいは呪文のように言葉を置いていく。

この曲の重要な点は、恐怖を力でねじ伏せるのではなく、認識し、分離し、浄化するという姿勢にある。Toolの音楽には以前から心理的・精神的な変容のテーマがあったが、「Fear Inoculum」ではそれがより成熟した形で現れている。

「Fear Inoculum」は、アルバム全体の宣言である。恐怖に感染するのではなく、恐怖を少量取り込み、免疫とする。その過程が、長大で緻密なプログレッシブメタルとして鳴らされている。

2. Pneuma

「Pneuma」は、本作の中でも特に精神性の強い楽曲であり、タイトルはギリシャ語に由来する「息」「霊」「魂」を意味する言葉である。Toolの作品には、身体、意識、精神、宇宙的なつながりを探る楽曲が多いが、「Pneuma」はその系譜にある重要曲である。

音楽的には、曲は穏やかな導入から始まり、複雑なリズムと反復によって徐々に大きくなっていく。Danny Careyのドラムは圧倒的で、単純な4拍子のロック・ビートではなく、複数の周期が重なり合うように曲を動かす。ギターとベースは、その上で反復的なフレーズを展開し、聴き手を一種のトランス状態へ導く。

歌詞では、人間が単なる肉体ではなく、呼吸し、意識し、つながる存在であることが示される。「We are spirit」といった感覚が曲全体を貫き、個人の身体を越えた精神的な広がりが歌われる。ここでの「Pneuma」は、宗教的な魂というより、生命を動かす呼吸、意識の火、存在の根源的な力として響く。

Maynardの歌唱は、非常に抑制されながらも荘厳である。彼は教義を説くのではなく、思い出させるように歌う。人間は肉体だけではない。思考だけでもない。呼吸し、響き合う存在である。このメッセージは、Toolの過去作にある覚醒のテーマとも結びつく。

「Pneuma」は、『Fear Inoculum』の中でも特に美しく、深い精神的な広がりを持つ楽曲である。複雑なリズムと神秘的な歌詞が結びつき、聴き手に肉体と意識の境界を意識させる。

3. Litanie contre la Peur

「Litanie contre la Peur」は、フランス語で「恐怖に対する連祷」という意味を持つ短いインストゥルメンタルである。タイトルは、SF文学における恐怖への祈りや呪文を連想させるが、本作の文脈では、表題曲で提示された恐怖への免疫化をさらに補強する小品として機能する。

音楽的には、電子的な響きや不穏な音響が中心で、通常のロック・バンド演奏とは異なる。これは曲というより、アルバム内の儀式的な間であり、精神状態を切り替えるための音響空間である。Toolは過去作でもインタールードを用いてアルバム全体の流れを作ってきたが、本作でもその手法は重要である。

この小品は、直接的な歌詞を持たないが、タイトルによって強い意味を与えられている。恐怖に対する連祷とは、恐怖を消すための反復的な祈りである。反復はToolの音楽において非常に重要であり、リフやリズムの反復はしばしば意識を変容させる。このインタールードもまた、聴き手の意識を次の長大な楽曲へ向けて整える役割を持つ。

「Litanie contre la Peur」は、短いながら『Fear Inoculum』の概念的な核に関わる楽曲である。恐怖に対抗するための言葉なき呪文として、アルバム全体の儀式性を高めている。

4. Invincible

「Invincible」は、本作の中でも特に感情的な重みを持つ楽曲であり、老いた戦士、衰え、なおも戦い続けようとする意志をテーマにしている。タイトルは「無敵」を意味するが、曲の内容は単純な強さの讃歌ではない。むしろ、かつて無敵だった者が、時間の経過と身体の衰えに直面しながら、それでも自分の力を証明しようとする姿が描かれる。

音楽的には、Justin Chancellorのベースが非常に重要である。反復されるベースラインは、戦士が一歩ずつ前進するような重みを持つ。ギターとドラムは徐々に厚みを増し、曲は長い時間をかけて巨大な構造へ成長していく。Danny Careyのドラムは、戦闘的でありながら機械的ではなく、複雑な周期を持って曲を前へ進める。

歌詞では、「warrior」「struggling」「to remain relevant」といった感覚が中心になる。老いた戦士は、まだ戦えることを示そうとする。しかし、その姿には誇りだけでなく、痛みや焦りもある。これはTool自身の状況とも重なる。長い沈黙を経て戻ってきたバンドが、かつての力を再び証明しようとする姿とも読める。

Maynardのヴォーカルは、ここで非常に人間的である。怒りを爆発させるのではなく、疲れ、決意、自己確認が混ざった声で歌う。若い頃の攻撃性ではなく、時間を背負った者の重さがある。

「Invincible」は、『Fear Inoculum』の中でも特に象徴的な楽曲である。無敵であることは、傷つかないことではない。傷つき、老い、衰えを感じながらも、なお前進すること。その姿が、長大なリズムの中に刻まれている。

5. Legion Inoculant

「Legion Inoculant」は、短いインストゥルメンタルでありながら、アルバム全体のテーマを音響的に補強する重要な小品である。タイトルにある「Legion」は多数、軍団、集合的な存在を思わせ、「Inoculant」は接種剤を意味する。つまり、個人だけでなく集団的な恐怖や感染、免疫化のイメージがここで広がる。

音楽的には、不穏な電子音、断片的なサウンド、空間的な処理が中心である。これは通常の楽曲というより、長大なアルバムの中で意識を一度分解するための音響装置である。Toolのインタールードは、しばしばユーモアや不気味さ、心理的な違和感を持つが、「Legion Inoculant」は特に本作の冷たく抽象的な側面を担っている。

この曲は、個人の恐怖だけでなく、集団的な不安、社会的な感染、情報や思想の伝播を暗示するようにも聴こえる。『Fear Inoculum』が単に個人の内面を扱うだけでなく、現代社会全体の不安にも触れていることを考えると、この小品は作品のスケールを広げる役割を持つ。

「Legion Inoculant」は、次に続く「Descending」への準備としても機能する。個人の内面から、より大きな集団や文明の危機へ。アルバムはこのインタールードを通じて、視点を拡大していく。

6. Descending

「Descending」は、『Fear Inoculum』の中でも最も壮大な楽曲の一つであり、沈降、衰退、警告、覚醒をテーマにしている。タイトルは「下降する」「沈んでいく」という意味であり、個人だけでなく社会や文明全体が沈んでいくような感覚を持つ。

音楽的には、曲は非常に長い時間をかけて展開される。静かな波のような導入から始まり、ギター、ベース、ドラムが少しずつ層を重ねていく。Adam Jonesのギターは、広大な空間を作りながら、終盤に向けて重く強くなる。Danny Careyのドラムは、曲の中盤以降で圧倒的な緊張を作り、まるで巨大な機械が起動するような感覚を与える。

歌詞では、眠り、沈下、目覚め、警告のイメージが中心になる。人々が眠ったまま沈んでいく中で、目を覚ませ、声を上げろ、という切迫した呼びかけがある。これは環境危機、社会的停滞、精神的な麻痺、人類全体の惰性など、さまざまな意味に読める。Toolの歌詞は直接的な政治的メッセージにはしないが、ここには明らかに集団的な危機感がある。

Maynardのヴォーカルは、前半で重要な警告を発し、その後は長いインストゥルメンタル展開に場を譲る。この構成も興味深い。言葉は警告を与えるが、その後に続くのは演奏そのものによる巨大な下降と抵抗のドラマである。つまり曲の後半では、歌詞ではなくバンドの演奏が物語を語る。

「Descending」は、本作の中心的な楽曲の一つである。沈みゆく世界の中で、なお意識を保ち、目覚めようとする意志が、長大で重厚な音楽として表現されている。

7. Culling Voices

「Culling Voices」は、内面の声、疑念、被害妄想、言葉による分断をテーマにした楽曲である。タイトルの「Culling」は選別や間引きを意味し、「Voices」は声を意味する。つまり、自分の中や周囲にある声を選別し、どの声を信じ、どの声を退けるのかという問題が中心にある。

音楽的には、静かなギターから始まり、Toolの楽曲としてはかなり抑制された導入を持つ。曲はすぐに爆発せず、長い時間をかけて緊張を積み上げる。Maynardのヴォーカルは非常に近く、内面の独白のように響く。後半に入るとギターとドラムが重くなり、抑えられていた感情が表面化する。

歌詞では、他者が自分を攻撃しているのではないかという疑念、言葉が頭の中で増殖する状態、声によって自分が分裂していく感覚が描かれる。「Don’t you dare point that at me」というフレーズには、防衛的な怒りと恐怖がある。ここでの敵は外部にいるのか、それとも自分の内側にいるのかが曖昧である。

この曲は、現代的な情報環境やSNS時代の心理にも通じる。無数の声が飛び交い、人は何を信じるべきか分からなくなる。外部の声と内面の声が混ざり、疑念が増幅される。Toolはそれを直接的に説明するのではなく、曲の構造そのもので表現する。

「Culling Voices」は、『Fear Inoculum』の中で、精神的な分裂と声の選別を扱う重要曲である。静けさから重さへ向かう展開が、内面の不安の増幅を見事に表している。

8. Chocolate Chip Trip

「Chocolate Chip Trip」は、Danny Careyのドラムと電子音を中心にしたインストゥルメンタルであり、本作の中でも特に異色の楽曲である。タイトルは一見ユーモラスで、Toolらしい奇妙な軽さを持つが、音楽的には非常に高度なリズム実験として機能している。

曲は電子音の反復とシンセサイザー的な音響から始まり、次第にDanny Careyのドラム・ソロへ移行する。彼の演奏は単なる技巧披露ではなく、複雑な周期、打撃の配置、音色の変化によって、一つのリズム的な旅を作る。Toolにおけるドラムが、楽曲の土台を越えて、精神的・数学的な構造を生み出す楽器であることがよく分かる。

この曲は、アルバム全体の緊張を一度別の形へ変換する役割を持つ。重いギターリフや歌詞の深刻さから離れ、リズムと音響そのものへ集中させる。だが、それは息抜きではない。むしろ、Toolの音楽の根底にある複雑な時間感覚を露出させる曲である。

「Chocolate Chip Trip」は、Danny Careyというドラマーの存在感を強く示す楽曲である。Toolの音楽が、ギターリフやヴォーカルだけでなく、リズムの建築によって成立していることを明確にする。

9. 7empest

「7empest」は、本作の終盤に置かれた長大な楽曲であり、アルバムの中で最も攻撃的で、ギター主導の色が強い曲である。タイトルは「Tempest」を数字の7で置き換えた表記であり、嵐、混乱、怒り、暴露を連想させる。Toolの過去の攻撃性を思い出させると同時に、本作の成熟した構築力も備えた大曲である。

音楽的には、Adam Jonesのギターが圧倒的に前面に出る。リフは鋭く、複雑で、曲は何度も形を変えながら進む。Toolの長尺曲らしく、単純なヴァース／コーラス構造ではなく、複数のセクションが連なり、嵐のように緊張を増減させる。Danny CareyのドラムとJustin Chancellorのベースも、ギターの動きに緻密に絡み、曲全体を巨大な構造物にしている。

歌詞では、穏やかさを装う者、嵐を隠そうとする者、欺瞞や偽装が暴かれる感覚が描かれる。「A tempest must be just that」という考え方は、嵐は嵐でしかあり得ない、隠しても本質は変わらないという認識を示す。これは人間の怒りや欺瞞、社会的な偽装にも当てはまる。

Maynardのヴォーカルは、ここでは本作の中でも比較的攻撃的である。とはいえ、過去作のように全編で叫び続けるわけではなく、言葉を鋭く配置しながら曲の巨大な演奏に呼応する。演奏面では、Toolのバンドとしての力が最も明確に現れる曲である。

「7empest」は、『Fear Inoculum』のクライマックスとして非常に重要である。長いアルバムの中で抑えられてきた怒りや嵐の力が、ここで大きく解放される。Toolの複雑性、重さ、攻撃性が凝縮された大曲である。

10. Mockingbeat

「Mockingbeat」は、アルバムの最後に置かれた短い音響作品である。鳥の声のような電子音、自然音と人工音の境界が曖昧なサウンドが中心となり、通常の楽曲というより、奇妙な後味を残すエピローグとして機能する。

タイトルは「Mockingbird」と「beat」を連想させる。鳥の模倣、リズム、人工的な自然音といったイメージが重なる。『Fear Inoculum』の長大で重厚な楽曲群の後に、このような不思議な音響が置かれることで、アルバムは明確な勝利や結論ではなく、曖昧な余韻の中で終わる。

この曲は、Toolらしいユーモアと不気味さを持っている。長い精神的・音楽的旅の最後に、聴き手は壮大な終幕ではなく、奇妙な鳥の声のような音に放り出される。これは、Toolが常にシリアス一辺倒ではなく、どこか不可解で、皮肉な感覚を残すバンドであることを示している。

「Mockingbeat」は、『Fear Inoculum』のエピローグとして、アルバム全体を現実から少しずらした場所へ着地させる。恐怖、魂、老い、沈降、嵐を経た後に残るのは、自然とも機械ともつかない奇妙な響きである。

総評

『Fear Inoculum』は、Toolが13年の沈黙を経て発表した、極めて重厚で、長大で、瞑想的なアルバムである。本作は、過去のToolを単純に再現する作品ではない。『Ænima』の怒り、『Lateralus』の精神的上昇、『10,000 Days』の重い感情表現を受け継ぎながら、それらをより遅く、より長く、より熟成した形へ変えている。

本作の最大の特徴は、時間の扱いである。曲は短くまとめられず、リフは何度も反復され、展開は非常にゆっくり進む。この遅さは、単なる冗長さではなく、Toolが意図的に作り出す集中の場である。聴き手は、曲の展開を追うだけでなく、リズムの周期、音の変化、緊張の積み上げに意識を向ける必要がある。その意味で『Fear Inoculum』は、消費される音楽というより、体験される音楽である。

演奏面では、四人のメンバーがそれぞれ成熟した役割を果たしている。Adam Jonesのギターは、鋭さと重さを保ちながら、空間を支配する。Justin Chancellorのベースは、曲の骨格を作るだけでなく、しばしば旋律的な動きを担う。Danny Careyのドラムは本作の最も圧倒的な要素の一つであり、変拍子やポリリズムを技巧としてではなく、曲の生命活動として機能させている。Maynard James Keenanのヴォーカルは、過去作より控えめだが、その配置は非常に重要である。彼はバンドの上に立つのではなく、巨大な構造の中に声を差し込む。

歌詞の面では、恐怖への免疫化、魂、老い、戦士性、沈降、内面の声、嵐といったテーマが並ぶ。これらはすべて、成熟したToolの関心を示している。若い怒りや反抗ではなく、時間を経た者が直面する恐怖、衰え、社会的な危機、精神的な混乱が中心にある。特に「Invincible」は、バンド自身の年齢やキャリアとも重なり、本作の感情的な核心になっている。

『Fear Inoculum』は、非常に完成度の高い作品である一方で、聴き手を選ぶアルバムでもある。即効性のあるフックや短い楽曲を求める場合、本作は長く、遅く、似たトーンが続くように感じられる可能性がある。また、Maynardのヴォーカルが過去作よりも後景にあるため、『Ænima』や『Lateralus』のような直接的なカタルシスを期待すると、物足りなさを感じるかもしれない。

しかし、その抑制こそが本作の本質である。Toolはここで、若い頃の激しさを再現するのではなく、現在の自分たちにしか作れない音楽を作っている。激しさはあるが、それは瞬間的な爆発ではなく、長い時間をかけて蓄積される圧力として現れる。怒りは叫びではなく、構造になる。恐怖はパニックではなく、免疫化の対象になる。老いは敗北ではなく、なお戦い続けるための重みになる。

本作は、現代のプログレッシブメタルにおいても重要である。複雑な演奏や長尺曲は珍しくないが、Toolの特異性は、それを技術の誇示ではなく、精神的・身体的な体験へ変える点にある。変拍子は難解さのためではなく、身体の感覚をずらし、意識を別の状態へ導くために使われる。『Fear Inoculum』は、ヘヴィミュージックが瞑想的であり得ることを示す作品である。

日本のリスナーにとって本作は、アルバム全体を一度に集中して聴くことで最も魅力が伝わる。曲単位で切り取るよりも、表題曲から「7empest」までの流れを、長い儀式として受け止めると、構造の美しさが見えてくる。特に「Pneuma」「Invincible」「Descending」「7empest」は、Toolの円熟した作曲能力と演奏力を象徴する楽曲である。

総じて『Fear Inoculum』は、Toolが長い沈黙の後に、自らの音楽をより大きな時間感覚の中で再定義したアルバムである。恐怖に対する免疫、魂の呼吸、老いた戦士の意志、沈みゆく世界への警告、内面の声の選別、嵐の暴露。これらの主題が、長大で精密な音の構造として結晶化している。本作は、Toolのキャリア後期における到達点であり、現代プログレッシブメタルの中でも特別な重みを持つ作品である。

おすすめアルバム

1. Tool – Lateralus（2001）

Toolの代表作であり、数学的なリズム構造、精神的な上昇、複雑な楽曲展開が最も高い完成度で結びついたアルバムである。『Fear Inoculum』の長尺性や精神性を理解するうえで、最も重要な前段階となる作品である。

2. Tool – Ænima（1996）

Toolの攻撃性、皮肉、心理的な暗さ、プログレッシブな構成が大きく開花した作品である。『Fear Inoculum』よりも荒く、怒りが前面に出ているが、バンドの思想的・音楽的な基盤を知るうえで欠かせない。

3. Tool – 10,000 Days（2006）

『Fear Inoculum』の前作であり、重い感情表現、長尺曲、複雑なリズムがさらに発展した作品である。「Wings for Marie」「10,000 Days」のような深い喪失の表現は、本作の成熟した暗さへつながっている。

4. King Crimson – Red（1974）

プログレッシブロックの重さ、複雑なリズム、緊張感のあるギター・サウンドという点で、Toolの重要な先行作品として聴ける名盤である。メタル以前のプログレッシブな重音楽が、Toolの構築的なヘヴィネスにどうつながるかを理解できる。

5. Meshuggah – Nothing（2002）

複雑なポリリズム、重いギター、身体感覚をずらすリズム構造という点で、Toolと並行して聴く価値の高い作品である。Toolよりも機械的で極端なメタル寄りだが、現代ヘヴィミュージックにおけるリズムの拡張を理解するうえで重要である。