発売日：2006年4月4日
ジャンル：ポップ・ロック、ポップ、ダンス・ポップ、R&B、オルタナティヴ・ポップ、シンガーソングライター系ポップ
概要
P!nkの4作目となるスタジオ・アルバム『I’m Not Dead』は、2006年に発表された作品であり、彼女のキャリアにおいて大きな再定義の意味を持つアルバムである。デビュー当初のP!nkは、2000年の『Can’t Take Me Home』でR&B色の強いポップ・シンガーとして登場した。しかし、2001年の『Missundaztood』ではLinda Perryらと組み、ポップ・ロック、オルタナティヴ・ポップ、シンガーソングライター的な内省を大きく取り入れたことで、単なるダンス・ポップ歌手ではない存在として評価を高めた。続く『Try This』ではロック色を強めたものの、商業的には前作ほどの大成功には至らなかった。その後に発表された『I’m Not Dead』は、P!nkが自らのアーティスト像を再び強く打ち出し、ポップ・スターでありながら反抗心、社会意識、脆さ、ユーモアを同時に抱えた表現者としての立場を確立した作品である。
タイトルの『I’m Not Dead』は、「私は死んでいない」という非常に強い宣言である。これは単に活動継続を示す言葉ではなく、音楽業界やメディア、世間の期待に対して、自分はまだ終わっていない、自分の声はまだ生きている、という意思表示として響く。『Try This』後のP!nkは、一時的にポップ・シーンの中心から距離を置いたように見られることもあった。しかし本作では、その状況を逆手に取り、失速したのではなく再び立ち上がる存在として自分を提示している。
本作は、音楽的に非常に幅広い。ポップ・ロックのエネルギーを持つ「Stupid Girls」、内省的なバラード「Who Knew」、社会的メッセージを正面から扱う「Dear Mr. President」、ダンス・ポップ的な軽快さを持つ楽曲、恋愛の痛みを描く曲、自己肯定と反抗を歌う曲が並ぶ。P!nkの魅力は、単一のジャンルに収まらないところにある。彼女はR&B出身の歌唱力を持ちながら、ロック的な荒さ、ポップのフック、パンク的な反骨心、フォーク的な告白性を柔軟に取り込む。本作は、その多面性が非常によく整理されたアルバムである。
歌詞の面では、自己像、女性性、名声、政治、喪失、依存、恋愛、家族、怒り、希望が重要なテーマとして現れる。特に「Stupid Girls」では、2000年代半ばのセレブ文化や女性ポップ・スター像への皮肉が前面に出ている。当時のアメリカのメディアでは、若い女性セレブの外見、消費、スキャンダル、性的イメージが過剰に消費されていた。P!nkはその状況に対し、自分自身を含むポップ・シーンの中から批判を行っている。これは、単なる他者批判ではなく、女性アーティストがどのように商品化されるかへの問題提起でもある。
一方、「Who Knew」や「Nobody Knows」では、P!nkの傷つきやすさが率直に表現されている。彼女は強い女性像、反抗的なキャラクター、ユーモラスなパフォーマンスで知られるが、その裏側には喪失感や孤独がある。本作の優れている点は、強さと弱さを対立させず、同じ人物の中に共存させていることである。P!nkは怒ることもできるし、泣くこともできる。皮肉を言うこともできるし、真剣に社会へ語りかけることもできる。その複雑さが『I’m Not Dead』の核になっている。
また、本作は2000年代中盤のポップ・ロック史においても重要である。この時期、Kelly Clarksonの『Breakaway』、Avril Lavigneの成功、Gwen Stefaniのソロ活動、Christina Aguileraの再定義など、女性ポップ・アーティストたちは、単なるアイドル的な存在から、自分の意見やキャラクターを強く打ち出す表現者へと変化していた。P!nkはその中でも、特に率直で、社会的で、皮肉の効いた立場を取ったアーティストである。『I’m Not Dead』は、その姿勢がアルバム全体に結実した作品といえる。
日本のリスナーにとって本作は、P!nkの代表曲だけでなく、彼女の表現者としての全体像を理解するうえで非常に重要なアルバムである。メロディは分かりやすく、ポップ・アルバムとしての聴きやすさがある一方で、歌詞には鋭い批評性と個人的な痛みが込められている。洋楽ポップにおける「強い女性アーティスト」というイメージを、単なる自信や派手さではなく、傷、怒り、社会意識、ユーモアを含むものとして提示した点で、本作は大きな意義を持つ。
全曲レビュー
1. Stupid Girls
「Stupid Girls」は、『I’m Not Dead』を象徴するシングル曲であり、P!nkの批評性とポップ・センスが鋭く結びついた楽曲である。曲は軽快でキャッチーなポップ・ロック／ダンス・ポップとして機能するが、その歌詞は2000年代半ばのセレブ文化、女性像の消費、外見至上主義への強い皮肉を含んでいる。タイトルは挑発的だが、単に特定の女性たちを嘲笑するためのものではない。むしろ、社会やメディアが女性に「愚かで、セクシーで、従順で、消費されやすい存在」であることを求める構造への批判として読むべき曲である。
音楽的には、リズムの軽さとサビの分かりやすさが強く、ポップ・ソングとして非常に即効性がある。P!nkのヴォーカルは、怒りをむき出しにするというより、皮肉と演劇性を交えて歌われる。彼女はこの曲で、説教するのではなく、風刺の形でメッセージを届けている。そこにP!nkらしいバランスがある。
歌詞では、知性や個性よりも外見や性的イメージが称賛される状況が描かれる。P!nkはその流れに対し、別のロールモデルの必要性を示している。女性は見られるためだけの存在ではなく、自分の頭で考え、行動し、発言する存在であるべきだという姿勢が曲全体にある。
「Stupid Girls」は、2000年代ポップにおける重要なフェミニズム的ポップ・ソングのひとつとして位置づけられる。完璧に理論化された政治的楽曲ではないが、メインストリーム・ポップの中からメディア文化へ疑問を投げかけた点で大きな意味を持つ。
2. Who Knew
「Who Knew」は、本作を代表するバラード寄りのポップ・ロック曲であり、P!nkの感情表現の深さを示す名曲である。タイトルは「誰が知っていただろう」という意味で、予想していなかった喪失、別れ、死、関係の終わりを振り返る言葉として響く。明るく開けたメロディを持ちながら、歌詞の核には深い悲しみがある。
音楽的には、ギターを中心にしたポップ・ロックのアレンジで、サビでは大きく感情が解放される。P!nkのヴォーカルは、悲しみに沈みすぎず、しかし痛みを隠さない。声の力強さによって、曲は単なる失恋バラードではなく、失った人への追悼や後悔を含む普遍的な喪失の歌になっている。
歌詞では、かつて永遠だと思っていた関係が、突然失われてしまったことへの驚きと悲しみが描かれる。「ずっと続くと思っていた」「あんな終わり方をするとは思わなかった」という感情は、恋愛にも友情にも家族にも当てはまる。P!nkは具体的な説明をしすぎないことで、聴き手が自分自身の喪失を重ねられる余地を残している。
「Who Knew」は、P!nkがただ反抗的でユーモラスなポップ・スターではなく、深い感情を持つソングライターであることを示す重要曲である。本作の中でも特に長く聴き継がれる楽曲といえる。
3. Long Way to Happy
「Long Way to Happy」は、幸福へたどり着くまでの長い道のりをテーマにした楽曲である。タイトルが示すように、ここでの幸福は簡単に手に入るものではない。過去の傷、失望、自己防衛、恋愛の痛みを通過した先に、ようやく少し見えてくるものとして描かれている。
音楽的には、力強いポップ・ロックの構成を持ち、ギターとドラムが曲に推進力を与える。メロディはキャッチーだが、歌詞の内容は重い。P!nkの声は、痛みを抱えながらも前へ進もうとする人物の声として響く。ここには、彼女の代表的なテーマである「壊れたままでも立ち上がる」という姿勢がある。
歌詞では、傷ついた経験によって簡単には幸福を信じられなくなった人物が描かれる。幸福とは、ただポジティブな気分になることではなく、自分の過去や痛みと向き合ったうえで少しずつ築くものだ。この曲は、自己回復の難しさを正面から扱っている。
「Long Way to Happy」は、アルバム全体のタイトル『I’m Not Dead』とも深く結びついている。生きているとは、ただ存在していることではなく、傷を抱えながらも幸福へ向かう道を歩き続けることなのだと示す曲である。
4. Nobody Knows
「Nobody Knows」は、P!nkの脆さが最も静かに表れた楽曲のひとつである。タイトルは「誰も知らない」という意味で、自分の内面にある孤独、悲しみ、不安が他人には見えていないという感覚を示している。P!nkはしばしば強いイメージで語られるが、この曲ではその強さの裏にある孤独が前面に出る。
音楽的には、ピアノや穏やかなアレンジを中心にしたバラードで、彼女の声が非常に近い距離で聴こえる。派手なプロダクションではなく、歌そのものの感情を重視している。P!nkのヴォーカルは抑制されながらも、細かな震えや息づかいによって深い痛みを伝える。
歌詞では、人前では平気なふりをしていても、実際には泣いている、傷ついている、助けを求めているという状況が描かれる。誰も知らないという言葉には、孤独だけでなく、理解されたいという願望も含まれている。自分の痛みを知られたくない一方で、誰かに気づいてほしい。その矛盾が曲の核心である。
「Nobody Knows」は、本作の中で最も静かで内省的な曲のひとつであり、P!nkの表現力を深く感じられる楽曲である。
5. Dear Mr. President
「Dear Mr. President」は、『I’m Not Dead』の中でも特に政治的な意味を持つ楽曲である。Indigo Girlsをフィーチャーしたこの曲は、当時のアメリカ大統領に向けた公開書簡のような形式を取り、戦争、貧困、ホームレス、LGBTQ+の権利、家族観、社会的弱者への視線を問う内容になっている。P!nkのキャリアにおいても、非常に重要なプロテスト・ソングである。
音楽的には、アコースティック・ギターを中心にしたシンプルな構成で、派手なポップ・プロダクションは抑えられている。そのため、言葉が前面に出る。P!nkの声は、怒りだけでなく、悲しみ、疑問、失望を含んでいる。Indigo Girlsのハーモニーは、フォーク的なプロテスト・ソングの伝統を感じさせ、曲に重みを加えている。
歌詞では、大統領という権力者に対し、「あなたは本当に国民の痛みを知っているのか」と問いかける。ここで重要なのは、P!nkが抽象的な政治批判ではなく、具体的な人々の生活や痛みに焦点を当てている点である。権力者が安全な場所から語る価値観と、現実に苦しむ人々の生活との距離が曲の中心になっている。
「Dear Mr. President」は、ポップ・アルバムの中に置かれた政治的楽曲として大きな意味を持つ。P!nkが社会的発言を恐れないアーティストであることを強く示した一曲である。
6. I’m Not Dead
表題曲「I’m Not Dead」は、アルバム全体のテーマを最も直接的に示す楽曲である。タイトルは、自分はまだ終わっていない、まだ感じている、まだ戦っているという宣言である。P!nkのキャリアにおいて、この言葉は非常に象徴的である。彼女はメディアや業界から一面的に扱われることに抵抗し、自分の複雑さを音楽として提示してきた。この曲は、その姿勢を明確に言葉にしている。
音楽的には、ポップ・ロックの力強いアレンジで、ギターとドラムが曲を支える。サビでは、P!nkのヴォーカルが大きく広がり、生きていることを証明するようなエネルギーが生まれる。曲は暗いところから始まりながらも、最終的には再生の感覚へ向かう。
歌詞では、自分が傷つき、揺らぎ、時に壊れそうになっても、完全には消えていないことが語られる。ここでの「死んでいない」は、身体的な意味だけではなく、感情、精神、創造性、自己表現がまだ生きているという意味を持つ。P!nkは、傷ついたことを隠さず、それでも存在し続けることを誇りとして歌う。
「I’m Not Dead」は、アルバムの精神的中心であり、P!nkのアーティスト像を凝縮した楽曲である。
7. Cuz I Can
「Cuz I Can」は、P!nkらしい挑発的で遊び心のある楽曲である。タイトルは「だってできるから」という意味で、理由を説明する必要すらない自己主張として響く。ここには、他人の期待や規範に従わず、自分がやりたいことをやるという反抗的な態度がある。
音楽的には、ダンス・ポップとロックの要素が混ざり、ビートは軽快で、曲全体にパーティー的な勢いがある。P!nkのヴォーカルは、強気で、少し悪戯っぽく、聴き手を挑発する。深刻な内省曲が多い本作の中で、この曲は軽やかな自己解放の役割を果たしている。
歌詞では、ルールを破ること、贅沢を楽しむこと、自分の力を誇示することが描かれる。しかし、それは単なる虚栄ではなく、女性アーティストが自分の欲望や自信を遠慮なく表明する行為としても読める。P!nkはここで、優等生的な女性像を拒否し、少し乱暴で自由な自己像を提示している。
「Cuz I Can」は、重いテーマの中にあるP!nkのユーモアと豪快さを示す楽曲であり、アルバムにリズムと明るさを与えている。
8. Leave Me Alone (I’m Lonely)
「Leave Me Alone (I’m Lonely)」は、P!nkの歌詞感覚の巧さがよく表れた曲である。タイトルは「放っておいて、私は寂しいの」という矛盾した言葉であり、人間関係における複雑な心理を見事に表している。誰かに近くにいてほしいが、同時に放っておいてほしい。孤独だが干渉されたくない。この感情は非常に現実的である。
音楽的には、軽快なポップ・ロックで、リズムも明るく、サビもキャッチーである。しかし、歌詞には関係の摩擦や自己矛盾がある。この明るい曲調と不安定な心理の組み合わせが、P!nkらしい魅力になっている。
歌詞では、恋人や他者との距離感に悩む語り手が描かれる。寂しさはあるが、相手にすべてを委ねたいわけではない。愛されたいが、支配されたくない。自立したいが、孤独は苦しい。このような相反する感情を、P!nkはユーモアを交えて歌っている。
「Leave Me Alone (I’m Lonely)」は、恋愛における面倒くささや人間的な矛盾を、非常にポップな形で表現した楽曲である。
9. U + Ur Hand
「U + Ur Hand」は、本作の中でも特にP!nkの強い自己主張が表れた楽曲である。タイトルは挑発的で、クラブやバーのような場面で男性から一方的に性的対象として見られることへの拒絶を示している。P!nkはここで、女性が男性の視線や欲望に従う必要はないというメッセージを、非常にキャッチーなポップ・ロックとして提示している。
音楽的には、力強いギター、はっきりしたビート、覚えやすいサビがあり、ライブ映えするエネルギーを持つ。P!nkのヴォーカルは非常に自信に満ちており、相手を突き放す言葉に説得力がある。曲全体が、拒絶のアンセムとして機能している。
歌詞では、相手の期待に応えるつもりはない、自分の身体や時間は自分のものだという姿勢が明確に示される。これは、2000年代ポップにおける重要な女性主体のメッセージである。P!nkはここで、性的な自由を否定しているのではなく、一方的な視線や押しつけを拒否している。
「U + Ur Hand」は、P!nkの反骨精神とポップ・アンセムとしての強さが見事に融合した曲であり、本作の代表的なハイライトである。
10. Runaway
「Runaway」は、逃避と自己解放をテーマにした楽曲である。タイトルは「逃げ出す人」を意味し、家庭、恋愛、社会、過去の自分から離れたいという衝動が込められている。P!nkの音楽には、しばしば逃げたいという感情と、逃げても自分自身からは逃れられないという感覚が同時に存在する。
音楽的には、ポップ・ロックの疾走感があり、ギターとドラムが曲に前進する力を与える。メロディは明快で、サビでは解放感がある。だが、その解放感には切実さもある。単に自由を楽しむ曲ではなく、追い詰められた結果として走り出す曲である。
歌詞では、自分の居場所に違和感を覚え、どこかへ行きたいと願う人物が描かれる。逃げることは弱さではなく、自分を守るための選択でもある。P!nkはその感情を、若者的な衝動だけでなく、大人になっても残る生存本能として歌っている。
「Runaway」は、アルバムの中で動的なエネルギーを担う楽曲であり、P!nkのロック寄りの魅力をよく示している。
11. The One That Got Away
「The One That Got Away」は、失われた相手、逃してしまった恋、あるいは人生の中で取り戻せない存在をテーマにした楽曲である。タイトルは英語圏のポップ・ソングでよく使われる表現だが、P!nkの歌唱によって、単なるロマンティックな後悔に留まらない重みを持つ。
音楽的には、やや落ち着いたポップ・ロックで、メロディには哀愁がある。ギターやリズムは控えめながら、曲の感情をしっかり支えている。P!nkのヴォーカルは、過去を振り返るように歌い、後悔と受容の間を揺れる。
歌詞では、かつて大切だった相手を手放してしまったことへの思いが描かれる。重要なのは、相手を失った理由が明確に語られすぎない点である。そのため、聴き手は自分自身の過去の関係を重ねやすい。逃してしまった人は、恋人だけでなく、友人、家族、かつての自分自身である可能性もある。
「The One That Got Away」は、本作の中で静かな後悔を担う楽曲であり、P!nkのソングライターとしての感情表現の幅を示している。
12. I Got Money Now
「I Got Money Now」は、成功、富、自己価値、家族や過去との関係をテーマにした楽曲である。タイトルは「今はお金がある」という一見強気な言葉だが、曲の中では単純な成功自慢ではなく、成功した後に残る空虚さや複雑な感情が描かれている。
音楽的には、やや抑えたグルーヴを持つポップ・ソングで、派手なアンセムというより、語りの要素が強い。P!nkの声には皮肉と疲れが混じり、成功の裏側にある感情がにじむ。
歌詞では、かつて満たされなかったものを、お金や名声によって補おうとする感覚が描かれる。しかし、お金ができても、過去の傷や人間関係の欠落が完全に癒えるわけではない。むしろ、成功によって新たな孤独や疑問が生まれることもある。P!nkはその矛盾を、率直かつ少し皮肉っぽく歌っている。
「I Got Money Now」は、ポップ・スターとして成功した人物だからこそ歌える曲であり、本作に自己批評的な視点を加えている。
13. Conversations with My 13 Year Old Self
「Conversations with My 13 Year Old Self」は、本作の中でも最も個人的で、深い内省を持つ楽曲のひとつである。タイトルは「13歳の自分との会話」という意味で、過去の自分、特に傷つきやすく孤独だった思春期の自分に語りかける形式を取っている。P!nkのキャリア全体の中でも、重要な自己対話の曲といえる。
音楽的には、静かで感情的なバラードとして構成されている。アレンジは控えめで、P!nkの声が中心に置かれる。彼女のヴォーカルは、過去の自分を責めるのではなく、抱きしめるような温かさを持っている。同時に、その温かさには深い悲しみもある。
歌詞では、若い頃の自分に対して「大丈夫になる」「あなたは生き延びる」と語りかけるような感情が描かれる。思春期の痛み、孤独、自己嫌悪、家庭や社会との摩擦を経験した人にとって、この曲は非常に強く響く。P!nkは、自分の過去を否定するのではなく、その過去が今の自分を作ったことを認めている。
「Conversations with My 13 Year Old Self」は、『I’m Not Dead』というタイトルの意味を深く補強する曲である。彼女が生きているということは、過去の傷ついた自分もまた生き延びたということなのだ。
14. Fingers
「Fingers」は、アルバムの中でも官能性とユーモアが混ざった楽曲である。P!nkは性的なテーマを扱うときにも、受け身ではなく、自分の欲望や身体性を自分の言葉で表現する。ここでも、彼女は女性の欲望を恥ずかしがるものとしてではなく、率直で少し挑発的なものとして扱っている。
音楽的には、リズムが強く、ダンス・ポップ的な質感もある。サウンドは少し暗く、夜の雰囲気を持ち、歌詞の内容と合っている。P!nkのヴォーカルは、遊び心と挑発性を併せ持っている。
歌詞では、身体的な欲望や自己充足のテーマが暗示される。重要なのは、P!nkが性的な存在として見られることを受け入れるのではなく、自分自身の視点から欲望を語っている点である。これは「U + Ur Hand」とも対になる。あちらが不要な男性の視線を拒絶する曲だとすれば、「Fingers」は自分自身の欲望を自分で所有する曲である。
「Fingers」は、本作の中でP!nkの大胆さとユーモアを示す楽曲であり、アルバムの多面的な人物像を補強している。
15. Centerfold
「Centerfold」は、雑誌の中央見開きグラビアを意味するタイトルを持つ楽曲であり、身体、視線、性的イメージ、自己演出をテーマにしている。P!nkは本作全体で、女性がメディアにどう消費されるかを繰り返し扱っているが、この曲もその文脈で聴くことができる。
音楽的には、ポップ・ロックとダンス的なリズムが混ざり、軽快ながらも少し皮肉な響きを持つ。P!nkの歌唱は、魅せることとそれを批評することの間を行き来する。つまり、彼女はポップ・スターとしてのセクシュアルな表現を使いながら、それがどのように消費されるかも理解している。
歌詞では、見られる存在になること、イメージとして切り取られること、そしてその中で自分を失わないことがテーマになる。P!nkは、単にセクシーなイメージを拒否するのではなく、それを自分のコントロール下に置こうとする。ここに彼女の表現の強さがある。
「Centerfold」は、『I’m Not Dead』におけるメディア批評と自己演出のテーマを締めくくる楽曲として機能している。
総評
『I’m Not Dead』は、P!nkのキャリアにおいて非常に重要な転換点であり、彼女が単なるポップ・スターではなく、強い自己意識を持つ表現者であることを明確に示したアルバムである。『Missundaztood』で確立したポップ・ロック路線をさらに発展させながら、本作では社会批評、政治的メッセージ、個人的な喪失、自己回復、性的主体性、ユーモアがよりはっきりと結びついている。
本作の最大の特徴は、強さと脆さの両立である。「Stupid Girls」や「U + Ur Hand」では、P!nkは鋭く、挑発的で、他者の視線や社会の期待を拒否する。一方で、「Who Knew」「Nobody Knows」「Conversations with My 13 Year Old Self」では、深い喪失や孤独を隠さずに歌う。この両方があるからこそ、P!nkの人物像は説得力を持つ。強いだけのポップ・スターではなく、傷つきながらも立ち上がる人間として響くのである。
音楽的にも、本作は非常にバランスが良い。ポップ・ロックの力強さ、ダンス・ポップの軽快さ、アコースティック・バラードの親密さ、R&B由来の歌唱力が自然に共存している。P!nkの声は、どの曲調でも中心に立つ力を持っており、アルバム全体をひとつの人格としてまとめている。声の表情が豊かで、怒り、皮肉、悲しみ、優しさ、欲望を自在に行き来する。
歌詞の面では、2000年代半ばのポップ・カルチャーへの反応が強く刻まれている。「Stupid Girls」はセレブ文化と女性像の消費を批判し、「Dear Mr. President」は政治権力に対して直接問いかける。「U + Ur Hand」は女性の身体的自律を主張し、「Centerfold」は見られることと自己演出の関係を扱う。これらの曲は、P!nkがメインストリームの内側から発言するアーティストであることを示している。
一方で、本作は説教臭いアルバムではない。むしろ、P!nkのユーモアとポップ・ソングとしての強度があるため、重いテーマも聴きやすく届く。彼女は怒りをただぶつけるだけではなく、風刺、冗談、キャッチーなサビ、身体的なビートに変換することができる。この能力が、P!nkを単なるメッセージ・シンガーではなく、優れたポップ・アーティストにしている。
『I’m Not Dead』というタイトルは、アルバム全体を聴くとより深く響く。ここでの「生きている」とは、成功している、元気である、目立っているという意味だけではない。傷ついても、批判されても、誤解されても、過去に苦しんでも、それでも自分の声を失わないことを意味している。P!nkは本作で、自分の怒りも弱さも、政治的な意見も個人的な痛みも、すべてを生きている証として提示している。
日本のリスナーにとって本作は、P!nkを代表曲単位ではなく、アルバム・アーティストとして理解するための重要作である。「Stupid Girls」や「U + Ur Hand」のような強い曲だけでなく、「Who Knew」や「Dear Mr. President」、そして「Conversations with My 13 Year Old Self」のような曲まで聴くことで、P!nkの表現の広さが見えてくる。ポップでありながら、ただ明るく消費されることを拒むアルバムである。
総合的に見ると、『I’m Not Dead』は、2000年代ポップ・ロックの中でも特に強い自己主張を持つ作品である。キャッチーであり、鋭く、傷つきやすく、政治的で、ユーモラスで、深く個人的である。P!nkというアーティストがなぜ長く支持されるのか、その理由がこのアルバムには明確に刻まれている。
おすすめアルバム
1. P!nk『Missundaztood』
2001年発表の2作目で、P!nkがR&B寄りのデビュー路線からポップ・ロック／シンガーソングライター的な方向へ大きく転換した重要作である。「Get the Party Started」「Don’t Let Me Get Me」「Just Like a Pill」などを収録し、『I’m Not Dead』の表現の原点を理解するうえで欠かせない作品である。
2. P!nk『Funhouse』
2008年発表のアルバムで、『I’m Not Dead』以降のP!nkが、さらに感情的でロック色の強いポップ表現へ進んだ作品である。「So What」「Sober」などを収録し、別れ、自己破壊、再生をよりドラマティックに描いている。『I’m Not Dead』の延長線上にある重要作である。
3. Kelly Clarkson『Breakaway』
2004年発表のアルバムで、2000年代女性ポップ・ロックの代表作のひとつである。強いメロディ、ロック寄りのアレンジ、自己解放のテーマが特徴で、『I’m Not Dead』と同時代の女性ポップ・ロックを理解するうえで非常に関連性が高い。
4. Avril Lavigne『Under My Skin』
2004年発表の2作目で、ポップ・パンク／オルタナティヴ・ポップの要素を持ちながら、より暗く内省的な方向へ進んだ作品である。P!nkほど社会批評的ではないが、若い女性アーティストが自分の怒りや孤独をポップ・ロックの形で表現した点で共通する。
5. Christina Aguilera『Stripped』
2002年発表のアルバムで、女性ポップ・スターが自分のイメージを再構築し、性的主体性、傷、自己肯定、社会的メッセージを扱った重要作である。音楽性はR&Bやソウル寄りだが、P!nkの『I’m Not Dead』と同じく、メインストリーム・ポップの中で女性アーティストが自分の声を取り戻す作品として関連性が高い。
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