発売日：2018年1月19日
ジャンル：Pop Rock / Folk Rock / Singer-Songwriter / Alternative Pop
概要
Collateralは、アメリカのシンガー・ソングライターPhillip Phillipsが2018年に発表した3作目のスタジオ・アルバムである。2012年に『American Idol』シーズン11で優勝し、「Home」の大ヒットによって一躍メインストリームへ進出した彼が、デビュー後の成功と音楽業界との複雑な関係を経たうえで、自身のソングライターとしての方向性を改めて打ち出した作品として重要な位置を占める。
Phillipsの初期キャリアを象徴するのは、やはり「Home」である。
アコースティック・ギター、フォーク・ロック的なリズム、大人数で歌えるコーラスを持つ同曲は、2010年代前半に広がった「フォークをポップのスケールへ拡大する」潮流と強く結びついていた。Mumford & Sons、The Lumineers、Of Monsters and Menなどがメインストリームで成功していた時期でもあり、「Home」はその文脈の中で非常に大きな役割を果たした。
しかしPhillips自身の音楽的ルーツは、それだけでは説明できない。
Dave Matthews Bandを思わせる複雑なギター・リズム。
John Mayer以降のシンガー・ソングライター的なポップ感覚。
ブルースやサザン・ロックの影響。
さらにアリーナ・ロック的な大きなコーラス。
こうした複数の要素を持っていた。
2012年のデビュー作The World from the Side of the Moonでは「Home」の成功を軸にしたフォーク／ポップ・ロックが前面に出たが、2014年のBehind the Lightではより自作曲中心の方向へ進み、ギター・プレイヤーとしての個性やロック的なダイナミズムを強めていった。
Collateralはその延長線上にありながら、さらに重要な転換点となった。
アルバム・タイトルの「Collateral」には、「付随するもの」「巻き添え」「担保」といった複数の意味がある。
本作が制作された時期、Phillipsはレコード契約やキャリア上の主導権をめぐる問題を経験しており、音楽活動が単に「曲を書くこと」だけでは成り立たない現実と向き合っていた。
そのため本作には、恋愛だけでなく、自分の人生を誰が決めるのか、過去からどう自由になるのか、何を残して何を手放すのか、といったテーマが頻繁に現れる。
音楽的にも、その変化は明確である。
「Magnetic」「Miles」のようにエレクトロニックな処理を加えたポップ・ロックがある。
「Part of My Plan」や「Dance with Me」にはPhillipsらしいアコースティックな温かさがある。
「Love Junkie」はよりブルース／ファンク寄り。
「My Name」や「I Dare You」ではロックの力強さが前面に出る。
つまり本作は、「Home」のイメージだけに縛られたアーティストではなく、複数の音楽言語を扱うシンガー・ソングライターとして自分を再定義するアルバムである。
また、Phillipsのヴォーカルも重要だ。
彼の声には乾いたざらつきがあり、滑らかに音程を処理するポップ歌手とは異なる。少し喉を押し込むような発声と、言葉をリズムの中へ食い込ませる歌唱は、Dave Matthewsやブルース系シンガーからの影響を思わせる。
Collateralでは、その声を巨大なフォーク・コーラスだけに使わず、より小さなバラードやグルーヴ中心の曲にも配置している。
そのためアルバム全体から見えてくるのは、「American Idol優勝者」という出発点から離れ、自分の作曲、演奏、歌唱の特徴を一枚のアルバムとして整理し直したPhillip Phillipsの姿である。
全曲レビュー
1. Magnetic
アルバムは「Magnetic」から始まる。
タイトルは「磁力を持つ」「引き寄せる」という意味で、誰かへ理屈では抗えないほど惹かれていく感覚を扱う。
恋愛における引力を「magnetic」という物理的な言葉へ置き換えることで、感情を身体的な現象として表現している。
音楽的には、従来のPhillipsにあったアコースティック・フォーク色よりも、現代的なポップ・ロックの質感が強い。
リズムはタイトで、エレクトロニックな処理も感じられる。
それでもギターと生演奏的なグルーヴは残っており、完全なエレクトロポップにはならない。
この曲を冒頭に置くことは重要である。
Collateralが「Home」の成功を再現するアルバムではないことを最初に示しているからだ。
大合唱型フォーク・ポップではなく、よりリズムと音色を重視する。
そして、その上にPhillips特有のざらついた声を置く。
過去を否定せず、しかし同じ場所には留まらないという本作の姿勢を象徴するオープニングである。
2. Part of My Plan
より穏やかで、シンガー・ソングライターとしてのPhillipsらしさが前面に出る楽曲。
タイトルの「Part of My Plan」は、「自分の計画の一部」という意味である。
人生には予測できないことが多い。
恋愛もキャリアも、自分が想定した通りには進まない。
しかし、誰かとの出会いや経験を後から振り返ると、それが自分の人生に必要だったように思える。
この曲にはそのような受容がある。
歌詞では相手との関係を「偶然」だけとして扱わず、自分の人生の中に組み込まれたものとして認識する。
ただし運命論を大げさに歌うわけではない。
Phillipsの作詞は、抽象的な哲学より日常的な言葉で感情を表すことが多い。
音楽もその性格に合っている。
アコースティックな温かさと、広がりのあるコーラス。
「Home」以来の彼の長所を思い出させるが、より落ち着いた成熟したラブソングとなっている。
3. My Name
「My Name」は、自己認識を前面に出した力強い楽曲。
タイトルは単純に「自分の名前」だが、本作の文脈では「自分が誰なのかを自分で決める」という意味が強くなる。
Phillipsはデビュー時から巨大なテレビ番組の優勝者として知られ、その直後には「Home」という非常に大きなヒット曲を与えられた。
その成功はキャリアを作った一方、「Phillip Phillipsとはこういう音楽をする人物だ」という外部からのイメージも固定した。
「My Name」は、そうした状況と重ねて聴くことができる。
名前は他人が呼ぶものだ。
しかし、その名前にどのような意味を与えるかは本人が決める。
音楽はロック色が強く、ヴォーカルにも力がある。
コーラスでは自己主張が明確になり、本作の中でも「自分の声を取り戻す」というテーマが表面化する。
個人名をタイトルにしながら、実際にはアイデンティティ全体を扱う楽曲である。
4. I Dare You
タイトルは「やれるものならやってみろ」「挑戦してみろ」という挑発的な表現。
アルバム序盤の自己主張をさらに押し進める。
歌詞では、誰かに対して自分の本質を見てみろ、自分を試してみろと迫るような感覚がある。
恋愛関係にも、より広い人生上の対立にも読める。
Phillipsの歌詞は具体的な固有名詞や長い物語を使うより、短いフレーズに強い感情を乗せるタイプである。
「I Dare You」という言葉は、その特性に非常に合っている。
音楽もタイトルに対応して力強い。
ギターとドラムが前へ出て、Phillipsの声が少し荒くなる。
彼の歌唱には、完全に整えられたポップ歌唱とは異なる「引っかかり」がある。
この粗さが、挑発的な歌詞に説得力を与える。
5. Sand Castles
「砂の城」という比喩を使った楽曲。
砂の城は美しい。
しかし波が来れば簡単に崩れる。
そのため、恋愛、人間関係、夢、人生計画など、脆いものを象徴する比喩として非常に適している。
歌詞では、何かを築くことと、それが永続するとは限らないことの両方が意識されている。
重要なのは、「壊れるから無意味」とはしないことだ。
砂の城は壊れる。
しかし作っている瞬間には意味がある。
人間関係も同じように、永遠ではなくても価値を持つ。
音楽は比較的穏やかで、アコースティックな質感を活かしている。
Phillipsの声のざらつきが、曲の繊細なテーマと対比される。
強い声で弱いものを歌う。
この組み合わせが「Sand Castles」の魅力である。
6. Don’t Tell Me
タイトルは「言わないでくれ」。
拒絶の言葉である。
人間関係の中で、相手から何かを説明されたり、決めつけられたりすることへの反発が歌われる。
Collateralでは、外部から自分の人生を規定されることへの抵抗が繰り返し現れる。
「My Name」と同様、「Don’t Tell Me」もそのテーマと結びつく。
誰かに「こうしろ」と言われる。
「こういう人間だ」と決められる。
それに対して、Phillipsは「自分で決める」と返す。
音楽はポップ・ロックとして非常に明快で、コーラスに強いフックがある。
メッセージは反抗的だが、サウンドは過度に攻撃的ではない。
このバランスによって、個人的な対立を幅広いリスナーが自分の経験へ置き換えられる曲になっている。
7. Miles
タイトルは「何マイルも」という距離を示す。
物理的な距離と心理的な距離を重ねた楽曲である。
ツアー生活を続けるミュージシャンにとって、「距離」は非常に現実的なテーマでもある。
都市から都市へ移動する。
家族や恋人から離れる。
成功するほど移動が増える。
しかし身体的に遠くなっても、感情的な結びつきが消えるわけではない。
「Miles」にはその感覚がある。
音楽は現代的なポップ・プロダクションと有機的な楽器を組み合わせている。
空間的なシンセサイザーやリズム処理が、タイトルの「遠さ」を表現するように響く。
一方で、コーラスでは声が大きく広がり、距離を越えようとする。
本作の中でも、フォーク・ロックと2010年代型ポップの融合が特に分かりやすい曲である。
8. Dance with Me
非常に直接的なラブソング。
タイトルは「僕と踊って」。
ダンスという行為を、単なるクラブ的な快楽ではなく、二人の親密さを確認する行為として描く。
Phillipsの音楽における「身体性」は、電子ダンス・ミュージックのようなビート中心のものではない。
ギターのストローク。
足で刻むリズム。
誰かと一緒に動くこと。
そうした有機的な身体感覚がある。
「Dance with Me」はその特徴を柔らかな形で表す。
歌詞も複雑な比喩を避け、誰かと一緒に同じ時間を過ごすこと自体を価値としている。
アルバム中盤までには自己主張や対立を扱う曲が多いため、本曲の穏やかな親密さは重要な変化となる。
「成功」や「自由」ではなく、「誰かと踊る」という小さな行為へ戻る。
この日常性がPhillipsのシンガー・ソングライターとしての魅力である。
9. Love Junkie
本作の中でも特にブルース／ファンク的な色彩を持つ楽曲。
タイトルの「Love Junkie」は「愛の中毒者」。
恋愛を理性的な選択ではなく、中毒性のある欲望として描く。
「junkie」という言葉を使うことで、愛情のロマンティックな面より、必要以上に求めてしまう危険性が強調される。
音楽もそのテーマに合っている。
グルーヴが強く、ギターはアコースティックなフォークというよりブルースやファンクに近い。
Phillipsのざらついたヴォーカルも非常に生きる。
彼はこうしたブルージーな曲では、声の粗さを意図的に前へ出すことができる。
「Home」で知られるシンガーというイメージから離れ、より広いルーツ・ミュージックの素養を示す一曲である。
10. Her Mystery
タイトルは「彼女の謎」。
相手を理解したいと思いながら、完全には理解できないという恋愛の基本的な距離を描く。
人間は親密になるほど、相手を知ったつもりになる。
しかし他者の内面を完全に把握することはできない。
その「分からなさ」自体が魅力になることもある。
「Her Mystery」は、その感覚をロマンティックに扱う。
歌詞では、相手のすべてを解明しようとするのではなく、謎が残っていることを受け入れる。
音楽は比較的柔らかく、メロディを重視している。
本作の前半にあった自己主張から離れ、後半では他者との距離をより穏やかに考えるようになる。
アルバムの感情的な流れにおいても重要な一曲である。
11. What Will Become of Us
タイトルは「僕たちはどうなるのだろう」。
未来への不安をそのまま言葉にした楽曲。
恋愛関係についての問いとしても、人生やキャリアについての問いとしても読める。
Collateral全体に流れているのは、「自分の人生を自分で選びたい」という意志である。
しかし、自分で選べるからといって未来が分かるわけではない。
自由には不確実性が伴う。
「What Will Become of Us」は、その不安を受け入れる曲である。
未来を完全に計画できない。
今の関係がどうなるかも分からない。
それでも進む。
音楽はドラマティックだが過度には盛り上げず、問いを問いのまま残す。
この「答えを出さない」という姿勢がアルバム終盤に深みを与える。
12. Into the Wild
アルバムを締めくくる「Into the Wild」。
タイトルは「未知の世界へ」「荒野の中へ」といった意味を持つ。
本作の最後にこれを置くことは非常に象徴的である。
アルバム前半では自分の名前を取り戻し、他者から決めつけられることを拒否する。
中盤では恋愛や距離を考える。
終盤では未来がどうなるか分からないと認める。
そして最後に、「それでも未知へ進む」。
この流れによってCollateralは、単なる恋愛曲集ではなく、人生の主導権を取り戻して新しい場所へ進む作品としてまとまる。
「wild」は危険である。
管理されていない。
予定通りには進まない。
しかし、自由でもある。
Phillipsのキャリアを考えると、この言葉には特に重みがある。
テレビ番組から登場し、大手レーベルのシステムの中で成功した人物が、自分の音楽をより自分自身の意志で作ろうとする。
その先は保証されていない。
しかし保証がないからこそ「wild」なのである。
音楽もクロージングらしい広がりを持ち、アルバムを未来へ向かって開いたまま終わらせる。
総評
Collateralは、Phillip Phillipsが「American Idolの優勝者」「Homeを歌った人」というイメージを越え、自分自身のキャリアを再定義しようとしたアルバムである。
彼にとって最大の成功である「Home」は、同時に非常に大きな影でもあった。
アーティストがデビュー直後に巨大なヒットを持つと、その曲が本人の基準になる。
次の作品も同じものを求められる。
似たコーラス。
似たアコースティック・サウンド。
似た高揚感。
しかし同じことを続ければ、アーティストは一曲の成功に閉じ込められる。
Collateralが重要なのは、その状況から少しずつ離れていることである。
もちろん、Phillipsは自分の基本的な魅力を捨ててはいない。
アコースティック・ギター。
ルーツ・ロック。
大きなコーラス。
ざらついた声。
人間関係を扱った分かりやすい歌詞。
これらはすべて残っている。
しかし、その周囲に別の要素が加わる。
エレクトロニックなポップ。
ブルース。
ファンク。
より重いロック。
ミニマルなバラード。
そのため本作は、初期作品よりもジャンルの振幅が大きい。
特に「Magnetic」と「Love Junkie」を同じアルバムに入れていることが象徴的である。
前者は現代的なポップ・ロック。
後者はルーツ志向のブルージーなグルーヴ。
両方をPhillipsの声が統一する。
この「声」が本作の最大の一貫性である。
Phillipsは、非常に特徴的な声を持つ。
滑らかではない。
少し擦れている。
フレーズの最後を丸く収めるより、リズムへ食い込ませる。
そのためポップなプロダクションでも完全に匿名的にならない。
現代的なサウンドを使っても、本人の身体性が残る。
また、ギター・プレイヤーとしての側面も見逃せない。
彼の音楽はシンガー・ソングライターという言葉でまとめられることが多いが、実際にはリズム・ギターへの意識が強い。
コードを単純に鳴らすだけではなく、ストロークやシンコペーションによって曲を前へ進める。
この感覚はDave Matthews Bandからの影響を指摘できる部分でもあり、彼の曲が通常のフォーク・ポップよりグルーヴを持つ理由のひとつとなっている。
歌詞面で本作を貫くテーマは「自己決定」である。
「My Name」。
「Don’t Tell Me」。
「I Dare You」。
これらには、外部から自分を規定されることへの抵抗がある。
一方、「Part of My Plan」「Miles」「Dance with Me」「Her Mystery」では、自分だけで完結しない人生も描かれる。
つまり「自由になりたい」と言いながら、他者との関係を切り捨てるわけではない。
ここが重要だ。
完全な独立ではなく、「誰かを愛しながら自分でいること」が本作の大きなテーマとなる。
その最終地点が「What Will Become of Us」と「Into the Wild」である。
未来は分からない。
そのことを不安に思う。
しかし、分からないからといって元の安全な場所へ戻る必要はない。
未知へ進む。
この構造によって、Collateralというタイトルもより深い意味を持つ。
人生で何かを選ぶと、必ず副作用がある。
誰かが傷つくかもしれない。
何かを失うかもしれない。
成功には代償がある。
自由にも代償がある。
「Collateral」は、その「主目的の周囲で生じるもの」まで含めて人生を捉える言葉として機能する。
Phillipsのキャリアにおいても、この視点は重要だ。
American Idolでの成功は巨大な機会だった。
同時に、その成功によって外部の期待も増えた。
大ヒット曲は名声を与えた。
同時に、音楽的なイメージを固定した。
つまり成功そのものにも「collateral」があった。
本作は、その付随物を整理しながら、自分が何を残したいのかを考えた作品として聴くことができる。
2010年代の男性シンガー・ソングライターという文脈でも、本作は興味深い。
この時代にはEd Sheeran、James Bay、George Ezra、Vance Joyなど、アコースティックな出発点を持ちながらポップ市場へ進む男性歌手が大きな存在感を持っていた。
Phillipsもその大きな流れの中に位置する。
しかし彼の場合、よりロック・バンド的であり、ブルースやジャム・バンド的なグルーヴを残している。
そのため完全なポップ・シンガーにはならない。
一方で純粋なフォーク／ルーツ系アーティストでもない。
この中間性こそが彼の特徴である。
Collateralは、その中間性を最も自然に受け入れた作品と言える。
デビュー作では「Home」という巨大な中心があった。
Behind the Lightでは、そこから自作曲中心のアーティストへ移ろうとする意志が強かった。
Collateralでは、その二つの段階を経て、「ポップであること」と「自分の音楽を作ること」を対立させずにまとめている。
そのため本作は、劇的なジャンル転換ではない。
むしろ、自分の中にあった複数の要素を同じアルバムの中で共存させた作品である。
ポップ。
フォーク。
ロック。
ブルース。
エレクトロニックな音響。
それらをPhillipsの声とギターが結びつける。
そして最後に「Into the Wild」へ進むことで、作品は過去の整理だけに終わらず未来へ向かう。
Collateralは、巨大なデビュー・ヒットの後で「自分は何者なのか」という問題に直面したPhillip Phillipsが、その答えを一つの固定したジャンルではなく、音楽的な幅そのものの中に見つけようとしたアルバムである。
おすすめアルバム
1. Phillip Phillips – The World from the Side of the Moon（2012）
Phillipsのデビュー作。「Home」「Gone, Gone, Gone」などを収録し、フォーク・ロック、ポップ、アコースティックなリズムを大規模なコーラスへ発展させた。Collateralと比較すると、彼がデビュー当初のイメージからどれほど音楽性を広げたかが分かる。
2. Phillip Phillips – Behind the Light（2014）
2作目にして、Phillipsのソングライター／ギタリストとしての個性がより明確になった作品。「Raging Fire」などを収録し、デビュー作のフォーク・ポップから、よりロックとリズムを重視する方向へ進んでいる。Collateralへの直接的な橋渡しとなる一枚。
3. Dave Matthews Band – Crash（1996）
Phillipsのギター・リズム、ざらついたヴォーカル、フォーク、ロック、ファンクを横断する感覚を理解するうえで重要な比較対象。「Crash into Me」「Too Much」などを収録し、アコースティック・ギターを単なる伴奏ではなく複雑なリズム楽器として扱っている。
4. John Mayer – Continuum（2006）
ポップ・シンガーとしての親しみやすさを保ちながら、ブルース、ソウル、ギター・ミュージックへ深く踏み込んだ作品。Phillipsとは歌唱や作曲法が異なるが、「メインストリームのシンガー・ソングライターとギター・プレイヤーの両立」という点でCollateralと関連性が高い。
5. James Bay – Chaos and the Calm（2015）
2010年代型のフォーク／ブルース／ポップ・ロックを代表する作品のひとつ。「Hold Back the River」「Let It Go」などを収録し、アコースティックな出発点を持ちながら大きなロック／ポップ・サウンドへ展開する。Collateralと同時代の男性シンガー・ソングライターが、ルーツ的な音楽と現代ポップをどう接続したかを比較できる一枚である。
コメント