発売日: 2006年9月12日
ジャンル: クロスオーバー・クラシック、インストゥルメンタル、フォーク・ポップ、ワールド・ミュージック
概要
『Interlude』は、アメリカのヴァイオリニスト、ルチア・ミカレリによる2作目のスタジオ・アルバムであり、デビュー作『Music from a Farther Room』で確立された“ジャンルを超えた表現”をさらに深く掘り下げ、よりパーソナルで詩的な世界観を描き出した作品である。
本作でルチアは、クラシック、フォーク、ジャズ、東欧音楽、シネマティックなオリジナル曲などを自在に行き来しながら、言葉のない“音による物語”を紡いでいく。
アルバム・タイトルの“Interlude（間奏／幕間）”が象徴するように、この作品はクラシックとポップ、西洋と東洋、過去と現在をつなぐ“間の音楽”であり、喧騒から距離を置いて聴く者の内面に静かに語りかけてくる。
プロデュースには、再び名匠デヴィッド・フォスターの手が加わり、録音にはロンドン交響楽団やLAの一流ミュージシャンたちが参加。
壮麗でありながらも繊細、技巧に溺れず情感に寄り添った演奏が全編にわたり展開され、ルチア・ミカレリという“ストーリーテラーとしてのヴァイオリニスト”像が完成された1枚である。
全曲レビュー
1. She is Like the Swallow
カナダの伝承歌を基にした繊細なオープニング・ナンバー。
ピアノと弦のやわらかなレイヤーに包まれたヴァイオリンが、まるで遠い記憶をたどるかのように旋律を紡いでいく。
2. Interlude
タイトル曲にして、本作の精神的中心。
ピアノとヴァイオリンの対話が静かに進行し、まるで“心の隙間時間”に流れる音楽のような、内省的で詩的な一曲。
3. Sunrise
光が差し込むようなメロディ展開をもつ、希望に満ちたオリジナル曲。
ルチアのボウイングがまるで風に乗るようで、曲全体に柔らかな解放感が広がる。
4. To Be Alone With You（スフィアン・スティーヴンスのカバー）
インディー・フォークの名曲を、まったく別の視点で再解釈。
歌詞の代わりに旋律が語り、原曲の持つ切なさと静けさが深く引き出されている。
5. Heartstrings
クラシカルな旋律美と現代的アレンジが融合した楽曲。
「心の弦を直接かき鳴らすような音楽」というタイトル通り、感情の微細な震えを音で再現している。
6. Interlude (Reprise)
2曲目の再解釈版で、より簡素かつ幽玄な響きを持つ。
“間奏”というより“余韻”と呼びたい一曲で、アルバム全体に統一感と哲学的深度をもたらす。
7. Oblivion（ピアソラ）
前作にも収録された名曲を、今回はより情念を込めたアプローチで再録音。
タンゴの官能性というよりは、“過去に囚われた魂の沈黙”としての解釈が見事。
8. Meditation from Thaïs（マスネ）
フランス・ロマン派の名アリアをインストゥルメンタルで演奏。
クラシックの名曲ながら、ミカレリの手にかかると一つの“現代的な祈り”として聴こえてくる。
9. Lady Grinning Soul（デヴィッド・ボウイのカバー）
非常にユニークな選曲で、ボウイの耽美的なバラードをヴァイオリンで再解釈。
耽美と官能のバランスを保ちつつ、原曲のミステリアスな空気を美しく翻訳している。
10. Love Song for a Vampire（アニー・レノックス）
1992年映画『ドラキュラ』の挿入歌を、ルチアが繊細かつ劇的に演奏。
原曲の持つゴシックな雰囲気と、彼女独自のリリシズムが溶け合った終盤のハイライト。
11. Interlude (Postlude)
タイトル曲のポストスクリプトとして、アルバムを静かに締めくくる1分間の小品。
その余白こそが、本作の核心かもしれない。
総評
『Interlude』は、ルチア・ミカレリが“クラシックの技術”を超えて“感情の言語”としての音楽を提示した作品であり、その佇まいはまるで一冊の詩集のようである。
アルバムを通して漂うのは、“喧騒の外側で、耳を澄ませる時間”というテーマ。
それは日々の中で無意識にこぼれ落ちる感情、誰にも言えない記憶、静かな祈り――そうした“間（あわい）”をすくい取って音にしたものだ。
カバー曲のセレクションも実にユニークで、スフィアン・スティーヴンスやデヴィッド・ボウイといった現代の詩人たちの楽曲を、ヴァイオリン一本で物語に変える彼女の感性は、ジャンルを越えた共感力を持っている。
技巧を見せつけるのではなく、感情を丁寧に共有する姿勢――そこにこそ、ルチア・ミカレリというアーティストの真骨頂がある。
『Interlude』は、クラシックとポップ、内省と希望、そのすべての“間（インタールード）”に生きる音楽なのだ。
おすすめアルバム（5枚）
- Hilary Hahn『Silfra』
即興性と静謐な美しさを併せ持つヴァイオリン・アルバム。『Interlude』と通じる“余白の表現”。 - Max Richter『Memoryhouse』
クラシックとミニマル・ミュージックの融合による叙情的傑作。ルチアの詩的世界と近い空気を持つ。 - Yo-Yo Ma『Songs of Joy and Peace』
ジャンルを越えたコラボレーションによる音楽的対話。ルチアの精神性と響き合う。 - Anoushka Shankar『Land of Gold』
世界の痛みと祈りを、インストゥルメンタルで描いた作品。感情と社会性の接点において共鳴。 - Ólafur Arnalds『Re:member』
現代クラシックと電子音楽の融合。間（ま）と空気感を大切にする作風がミカレリと響き合う。
歌詞の深読みと文化的背景（器楽的文脈において）
『Interlude』は歌詞を持たないインストゥルメンタル作品であるが、音の選択や楽曲構成そのものが“語り”になっている。
たとえば“Interlude”というテーマ曲は、まさに“言葉にならない時間”の音響化であり、日常の合間にふと訪れる感情の揺れを形にしたものだ。
また、選ばれたカバー曲の背景――宗教、死、孤独、記憶――は、2000年代半ばの“静かなポップ回帰”や、インディー・フォークの精神性とも接続しており、クラシックという語法を使いながら、非常に現代的な文脈を帯びている。
『Interlude』は、言葉を排してなお、語る。
沈黙と音のあわいに宿る“感情の残響”――それこそが、このアルバムの核心なのである。
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