発売日：2017年2月24日
ジャンル：Psychedelic Rock / Microtonal Rock / Garage Rock / Anatolian Rock
概要
Flying Microtonal Bananaは、King Gizzard & the Lizard Wizardが2017年に発表した9作目のスタジオ・アルバムであり、同年に5枚のアルバムを発表するという異例の連作企画の第一弾にあたる。最大の特徴はタイトル通り、通常の西洋音楽で使われる12平均律だけに依存せず、微分音を積極的に導入したことにある。Stu Mackenzieはフレットを追加したカスタム・ギターを用い、他のメンバーもそれに対応した楽器や音程感を導入することで、バンド全体の語法そのものを作り替えた。
その結果、本作は単に「変わったチューニングのサイケデリック・ロック」には留まらない。トルコや中東の伝統音楽を想起させる旋律、アナトリアン・ロック的な反復、クラウトロックに通じる持続的なリズム、King Gizzard特有のガレージ・ロックの荒さが結びつき、乾燥した大地を高速で移動するような独特の音響を作っている。ギターの微妙にずれた音程は、通常のロックで使われる長調・短調の感覚を曖昧にし、メロディを異国的かつ不穏に響かせる。
歌詞でも、核戦争、環境破壊、放射能、社会崩壊といった終末的なイメージが頻繁に現れる。演奏はしばしば軽快で踊れるが、その下では人類が自らの文明によって破局へ向かうという視点が続く。2016年のNonagon Infinityで完成した連続的・反復的なロックを引き継ぎつつ、音階そのものを変更して新しい世界へ踏み込んだ作品であり、以後のKing Gizzardにとって微分音は一度きりの実験ではなく、継続的な創作言語となっていく。
全曲レビュー
1. Rattlesnake
アルバムは、ほぼ呪文のような反復で進む「Rattlesnake」から始まる。ベース、ドラム、ギターは単純な循環を維持し、その上で微分音の旋律が蛇のようにうねる。構造自体は極めてミニマルだが、細かな音程のずれによって通常のガレージ・ロックにはない緊張が持続する。
ヴォーカルも一つの言葉を執拗に繰り返し、意味より音そのものをリズム化する。蛇の危険性や反復的な動きを、曲の構造にそのまま置き換えたような設計である。約7分を同じモチーフで押し切りながら単調にならないのは、微妙なアレンジ変化と演奏の推進力によるところが大きい。
2. Melting
「溶ける」というタイトル通り、固定された地形や身体が崩れていくような不安を持つ曲。リズムはファンク的で、鍵盤とギターが細かく絡み合い、前曲より複雑なグルーヴを作る。
歌詞は地球温暖化や環境の変質を思わせる終末的な視点を持ち、自然現象と文明の崩壊が重ねられる。演奏が軽快であるほど内容の不穏さが際立ち、King Gizzardらしい「踊れる破局」が成立する。微分音も装飾ではなく、世界がわずかに歪み始めた感覚を作るために使われている。
3. Open Water
海を題材にしながら、爽快な開放感ではなく恐怖を描く。広い水面に取り残され、巨大な存在に脅かされるようなイメージがあり、タイトルの「開かれた水域」は自由よりも逃げ場のなさを感じさせる。
ドラムはモータリックな反復を保ち、ギターとベースがその上で旋回する。曲が進むにつれて音が密集していくが、テンポそのものは大きく変わらず、広い海を延々と漂うような持続感がある。長尺だが、展開より反復の圧力で聴かせるタイプの楽曲である。
4. Sleep Drifter
アルバム中でも特にメロディックで、微分音の持つ柔らかさが前面に出る。タイトルは眠りの中を漂う人物を示し、歌詞も夢と現実の境界が曖昧になるような感覚を持つ。
ギターの旋律は中東音楽を思わせる装飾を含みながら、全体としてはかなり親しみやすい。Stu Mackenzieの歌唱も力を抜き、反復するリズムの上を浮遊する。微分音＝不協和や異物感ではなく、叙情的なメロディを作ることもできると示した点で重要な曲である。
5. Billabong Valley
Ambrose Kenny-Smithが主にヴォーカルを担当し、本作の中で明確に声の色を変える。タイトルにある“billabong”はオーストラリアの河跡湖を指し、歌詞はアウトローや暴力の物語を思わせる西部劇的な雰囲気を持つ。
ハーモニカと微分音ギターが組み合わさることで、アメリカ西部劇とアナトリアン・ロックが奇妙に接続される。Ambroseの粗い歌唱も物語性を強め、アルバムのSF／環境的な抽象性から一度離れ、具体的な人物劇へ焦点を移す役割を果たす。
6. Anoxia
“anoxia”は酸素欠乏を意味し、タイトルからして生命維持が困難になる状況を示す。歌詞でも環境破壊や窒息する世界を思わせるイメージがあり、本作の終末的テーマが再び前面へ戻る。
演奏は比較的ミッドテンポで、ギターの微分音フレーズがじわじわと不安を増幅する。劇的な展開を使わず、一定のグルーヴの中で空気が薄くなっていくような圧迫感を作る。派手な代表曲ではないが、アルバムの不穏な統一感を支える重要な中盤曲である。
7. Doom City
タイトル通り、破滅した都市を描くような曲で、本作中でも特に重い。ギター・リフは低く、リズムも鈍重で、前半の高速な反復とは異なるドゥーム的な圧力がある。
しかし途中ではテンポ感が変化し、重さ一辺倒にはならない。微分音リフの異様な響きが、崩壊した都市の景観をさらに歪ませる。King Gizzardがサイケデリック・ロックだけでなく、ヘヴィ・ロックやメタル的な重量感へも自然に踏み込めることを示す曲である。
8. Nuclear Fusion
本作を代表する一曲で、タイトル通り核融合を題材にしながら、サウンドは極めてファンキーでキャッチー。低く加工された導入の声から、ベースとギターが絡み合うダンス可能なグルーヴへ入る。
核という題材はエネルギー、破壊、融合の両義性を持ち、曲の構造も複数のフレーズが一つに噛み合うように作られている。微分音の旋律は耳に残りやすく、実験性とポップ性のバランスが特に優れている。King Gizzardの「複雑な発想を身体的なロックへ変える」能力が最も明快に現れた曲である。
9. Flying Microtonal Banana
終曲はインストゥルメンタルを中心とした短いタイトル曲。アルバム全体で使われてきた微分音の語法を、歌詞ではなく純粋な旋律と音色として提示する。
ズルナを思わせる強烈な管楽器の音色が前面に出て、中東・アナトリア方面の響きが最も直接的に現れる。ここでは「微分音を使ったロック」という実験の説明をする必要はなく、バンドがそれを完全に自分たちの語彙として扱っている。長い物語的フィナーレではなく、アルバムの音階そのものを最後に見せて終わる構成が巧い。
総評
Flying Microtonal Bananaの最大の成果は、微分音という理論的には専門的な要素を、難解な実験音楽へ閉じ込めなかったことにある。King Gizzard & the Lizard Wizardは、微分音を「普通ではない音程」として見せびらかすのではなく、リフ、グルーヴ、反復、サイケデリックな色彩を拡張するための実用的な道具として使っている。そのため音楽理論を意識しなくても、まず奇妙で中毒性のあるロックとして成立する。
通常の12平均律では、ロックのリフは一定の予測可能性を持つ。どの音へ進むか、どこに解決するかを耳がある程度予測できる。しかし本作では、その「半音」の間にある音を使うことで、旋律が少しだけ予想から外れる。完全な不協和ではなく、むしろ「知っているようで知らない」感覚が生まれる。この違和感が、アルバム全体のSF的・終末的な世界観と非常によく合っている。
リズム面では、むしろ徹底して反復的である。「Rattlesnake」「Open Water」「Nuclear Fusion」などでは、一つのグルーヴを長時間維持し、その上で楽器の組み合わせを少しずつ変える。複雑なハーモニーを使う一方、リズムは身体的に理解しやすい。この「音程は異質、リズムは直接的」という設計が、作品を実験性と即効性の両方へ開いている。
また、本作ではトルコや中東の音楽からの影響がはっきり聞こえるが、それを単なる異国趣味の装飾として扱っていない。微分音楽器をバンド全体へ導入し、作曲そのものを変えることで、影響源を表面的なフレーズ引用以上のレベルで取り込んでいる。一方で、アナトリアン・ロックや中東伝統音楽そのものを再現しているわけでもなく、最終的にはKing Gizzard特有のガレージ／サイケデリック・ロックとして鳴っている。
歌詞には環境破壊、核、酸素欠乏、崩壊する都市などが並ぶ。2010年代のKing Gizzard作品では、人類が自ら作ったシステムによって破局へ近づくというテーマが繰り返されるが、本作はその傾向が特に明確である。ただし政治的メッセージを直接語るのではなく、蛇、海、都市、核といった強いイメージへ変換するため、コンセプトが説教臭くならない。
演奏面では、二人のドラマーを含む当時の大編成が生む厚みも大きい。ドラムが完全にユニゾンするだけでなく、細かなアクセントの違いによってリズムに立体感が生まれ、その上を複数のギター、ベース、鍵盤、ハーモニカ、管楽器が横切る。情報量は多いが、音の中心には常に反復するグルーヴがあるため、混沌が崩壊へ向かわない。
弱点を挙げるなら、アルバム全体が同じ微分音語法と反復を徹底しているため、曲ごとの音色差はありつつも、連続して聴くと均質に感じる場面がある。また、「Rattlesnake」や「Open Water」の長い反復は、展開の多いロックを求めるリスナーには冗長に映る可能性もある。しかし、その持続こそが本作の催眠性を作っている。
King Gizzardは2017年だけでも本作以外に大きく異なる作品を次々に発表したが、Flying Microtonal Bananaはその中でも特に後続作品への影響が大きい。微分音は後に再び彼らの作品へ戻り、単発のコンセプトではなく長期的な作曲語法となった。楽器そのものを改造し、音階を変え、それでもなおキャッチーなロックを作る。本作は、バンドの旺盛な実験精神が最も分かりやすく成功した例の一つである。
おすすめアルバム
Nonagon Infinity by King Gizzard & the Lizard Wizard
2016年発表の前作。9曲が切れ目なく循環する構成を採用し、反復、高速リフ、サイケデリック・ロックを極限まで押し進めた。Flying Microtonal Bananaの持続的なグルーヴと連続感は、この作品から直接つながっている。
K.G. by King Gizzard & the Lizard Wizard
2020年発表。再び微分音を大きく取り上げ、アナトリアン的旋律だけでなく、ファンク、エレクトロニカ、ヘヴィ・ロックへ範囲を拡張した。Flying Microtonal Bananaで作られた語法が、その後どこまで発展したかを確認できる。
L.W. by King Gizzard & the Lizard Wizard
2021年発表。K.G.と連続する微分音作品で、より重く、プログレッシヴで、リズムの複雑な方向へ進む。最初の微分音実験が単なる企画ではなく、バンドの恒常的な作曲言語になったことを示す一枚。
Elektronik Türküler by Erkin Koray
1974年発表。トルコの伝統的旋律とサイケデリック・ロック、電気楽器を大胆に融合したアナトリアン・ロックの重要作。Flying Microtonal Bananaの異国的な旋律感や反復の背景を理解するうえで格好の参照点となる。
Gece by Altın Gün
2019年発表。トルコ民謡やアナトリアン・ロックの語法を、サイケデリア、ファンク、現代的なロック・プロダクションへ再構成した作品。King Gizzardとは出発点が異なるが、伝統的旋律と現代サイケデリック・ロックを接続する点で非常に近い感覚を持つ。
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