発売日：2001年3月19日
ジャンル：シューゲイズ、ドリーム・ポップ、インディー・ロック、ブリットポップ、ノイズ・ポップ、オルタナティヴ・ロック
概要
Lushの『Ciao! Best of Lush』は、1980年代末から1990年代半ばにかけて英国インディー・シーンで重要な位置を占めたバンドの歩みを総括するベスト・アルバムである。Lushは、Miki BerenyiとEmma Andersonのツイン・ヴォーカル／ツイン・ギターを中心に、Chris Aclandのドラム、Steve Ripponのベース、のちにPhil Kingのベースによって形成されたロンドンのバンドであり、シューゲイズ、ドリーム・ポップ、ノイズ・ポップ、インディー・ギター・ロック、そしてブリットポップへとまたがる独自の軌跡を残した。
Lushの音楽を理解するうえで重要なのは、彼らが単に「シューゲイズ・バンド」として固定できない存在だったという点である。初期の『Scar』や『Spooky』では、深いリヴァーブ、重層的なギター、浮遊するヴォーカルが前面に出ており、Cocteau Twins、The Jesus and Mary Chain、My Bloody Valentine、AR Kane以降の英国ギター・ミュージックの流れと強く結びついていた。しかし、1994年の『Split』では、より内省的で暗いソングライティングが強まり、1996年の『Lovelife』では、ブリットポップ期の鋭く明快なギター・ポップへ接近した。『Ciao! Best of Lush』は、その変化を一枚で辿ることができる構成になっている。
タイトルの「Ciao!」は、イタリア語の挨拶であり、出会いにも別れにも使われる言葉である。このベスト盤にふさわしいタイトルである。Lushは1996年にドラマーChris Aclandを失い、その後バンドは終焉へ向かった。本作は、単なるヒット曲集というより、バンドが残した光、ノイズ、ポップ、悲しみ、喪失を振り返る別れの挨拶としても聴こえる。明るく軽い言葉である「Ciao!」の背後に、Lushのキャリア終盤の痛みが静かににじんでいる。
本作に収録された楽曲群を通して分かるのは、Lushが常に美しいメロディと不穏な感情の間で音楽を作っていたことだ。初期曲では、ギターの轟音とリヴァーブの中にヴォーカルが溶け込み、言葉は音の一部として響く。中期には、より明確な歌詞と構成の中で、孤独、関係の破綻、自己嫌悪、死、記憶が描かれる。後期には、ブリットポップ的な軽快さや皮肉が加わり、性、恋愛、メディア的な女性像、都会的な関係性をより鋭く扱うようになる。
Lushの大きな魅力は、Miki BerenyiとEmma Andersonの声とギターの関係にある。二人のヴォーカルは、甘く透明でありながら、単なる幻想的な美しさに留まらない。そこには怒り、冷笑、疲労、痛み、孤独が含まれている。また、ギターは美しい音の壁を作るだけでなく、曲によっては鋭く攻撃的に鳴る。Lushの音楽には、夢のような浮遊感と、現実の関係性が持つ苦さが常に同居している。
1980年代末から1990年代前半の英国インディーにおいて、Lushはシューゲイズ・シーンの中心的存在のひとつだった。Ride、Slowdive、Chapterhouse、Pale Saints、My Bloody Valentineなどと同時代に活動し、4ADというレーベルの美学とも深く関わった。しかし、彼らはシューゲイズ特有の匿名的な音響に完全に埋もれることはなかった。メロディの強さ、ポップ・ソングとしての輪郭、女性視点の鋭い歌詞によって、独自の存在感を持っていた。
『Ciao! Best of Lush』は、そうしたLushの多面性を理解するうえで非常に有効な作品である。初期の「De-Luxe」「Sweetness and Light」「Thoughtforms」から、中期の「For Love」「Nothing Natural」「Desire Lines」「Hypocrite」、後期の「Single Girl」「Ladykillers」「500」まで、バンドの変化が明確に並んでいる。シューゲイズの幻想性から、ブリットポップ期の辛辣なギター・ポップへ向かう流れは、1990年代英国音楽の変化そのものとも重なる。
全曲レビュー
1. Ladykillers
「Ladykillers」は、Lush後期を代表する楽曲であり、『Lovelife』期の鋭いブリットポップ的感覚を最も分かりやすく示す一曲である。初期のリヴァーブに包まれたシューゲイズ的サウンドとは異なり、この曲ではギターの輪郭が明確で、ビートも軽快で、歌詞の皮肉が前面に出ている。
タイトルの「Ladykillers」は、女性を魅了する男、女たらしを意味するが、曲はそのような男性像を称賛するものではない。むしろ、自信過剰で、女性を所有物や征服対象のように扱う男性への痛烈な批判として機能している。Miki Berenyiのヴォーカルは明るく弾むが、その裏には冷笑がある。
サウンドはポップで親しみやすい。ギターは軽快に刻まれ、メロディもキャッチーで、ブリットポップ期のラジオ向きなエネルギーを持つ。しかし、歌詞の内容はかなり攻撃的で、男性的なナルシシズムを容赦なく切り捨てる。Lushが後期に獲得した、甘いポップ・メロディと辛辣な視点の組み合わせがここにある。
「Ladykillers」は、Lushが単に幻想的な音を鳴らすバンドではなく、現実の性政治や人間関係の不快さを鋭く歌えるバンドであることを示している。ベスト盤の冒頭に置かれることで、Lushのキャリアを現在形のポップな切れ味から振り返る構成になっている。
2. Single Girl
「Single Girl」は、『Lovelife』からの代表曲であり、Lushの後期ポップ化を象徴する楽曲である。タイトルは「独身の女の子」を意味し、恋愛や社会的な役割、女性が周囲から受ける期待を軽快なギター・ポップとして描く。
音楽的には、非常に明快で、ギターの音も初期より乾いている。リズムは弾み、コーラスは覚えやすく、シングルとしての即効性が高い。シューゲイズ的な音の壁よりも、曲そのものの構造とフックが前面に出ている。
歌詞では、独身であること、恋愛の中で自分をどう位置づけるか、周囲から見られる女性像が扱われる。表面的には軽いポップ・ソングのようだが、そこには「女性は恋愛や結婚によって評価される」という社会的な圧力への皮肉が含まれている。Lushの後期作品では、このように日常的な題材を使いながら、女性の自己認識や社会的視線を描く楽曲が増えている。
「Single Girl」は、Lushが1990年代半ばのブリットポップ文脈に接近しながらも、単なる流行のギター・ポップにはならなかったことを示す曲である。軽快さの中に、自立と孤独、自由と不安が同居している。
3. Ciao!
「Ciao!」は、PulpのJarvis Cockerをゲストに迎えた楽曲であり、Lush後期の演劇的で皮肉なポップ感覚が強く表れた一曲である。タイトルは挨拶であり別れの言葉でもあるが、曲の内容は恋愛関係の終わり、すれ違い、未練、そして互いへの冷ややかな視線を含んでいる。
Jarvis Cockerの参加は非常に効果的である。彼の声には、Pulpでおなじみの皮肉、演劇性、都会的な観察眼があり、Miki Berenyiのヴォーカルと対話することで、男女の関係の滑稽さと不快さが浮かび上がる。これは単なるデュエットではなく、恋愛の崩壊を二人の語り手によって描く小さな劇のような曲である。
サウンドはポップでありながら、どこか冷めている。ギターは明快に鳴り、メロディも親しみやすいが、曲全体には終わった関係をからかうような空気がある。Lushの後期作品に特徴的な、軽い音と鋭い歌詞の対比がここでも機能している。
「Ciao!」は、本ベスト盤のタイトルにも使われているため、バンドの別れの挨拶としても響く。恋愛の終わりを歌いながら、Lushというバンドの終幕にも重なって聴こえる点で、象徴的な楽曲である。
4. 500 (Shake Baby Shake)
「500 (Shake Baby Shake)」は、『Lovelife』期のLushが持っていた疾走感とポップな攻撃性をよく示す楽曲である。タイトルにある「Shake Baby Shake」は、ロックンロール的な身体性やダンスの感覚を連想させるが、Lushの手にかかると、それはどこか皮肉で、都会的なノイズ・ポップとして響く。
音楽的には、テンポが速く、ギターが鋭く刻まれ、リズムも前のめりである。初期のLushのように音が霞の中へ広がるのではなく、ここでは短く硬いロック・ソングとしての輪郭が強い。ブリットポップの時代に対応した、より直接的なバンド・サウンドである。
歌詞は、欲望、軽薄さ、スピード感、関係の消費をめぐるものとして聴ける。Lushの後期作品では、恋愛や性がロマンティックに理想化されることは少なく、むしろ疲労や滑稽さを伴うものとして描かれる。この曲でも、身体を動かす明るさの背後に、関係性の軽さや空虚さが見える。
「500」は、Lushがシューゲイズからより硬質なギター・ポップへ移行したことを象徴する曲である。短く鋭く、ライブでも映えるタイプの楽曲であり、ベスト盤の流れに勢いを与えている。
5. Light from a Dead Star
「Light from a Dead Star」は、『Split』期のLushの深く内省的な側面を代表する楽曲である。タイトルは「死んだ星からの光」を意味し、すでに存在しないものの光が遅れて届くという、非常に詩的で切ないイメージを持つ。これは、記憶、喪失、過去の関係、消えた感情が現在に残る感覚を美しく表している。
音楽的には、初期シューゲイズの浮遊感と、中期の暗いソングライティングが結びついている。ギターは厚く、しかし過度に荒れず、ヴォーカルは淡く響く。曲全体には、遠い光を眺めるような静かな広がりがある。
歌詞では、失われたものがなおも現在に影響を与える感覚が描かれる。死んだ星の光は、実体を失っても届き続ける。これは、終わった恋愛や過去の痛み、あるいは失われた人への記憶とも結びつく。Lushの中期作品に見られる喪失の感覚が、ここでは非常に美しい比喩に凝縮されている。
「Light from a Dead Star」は、Lushが単にノイズとポップを組み合わせたバンドではなく、深い詩的感覚を持つバンドだったことを示す重要曲である。ベスト盤の中でも、特に静かな余韻を残す楽曲である。
6. Love at First Sight
「Love at First Sight」は、恋愛の始まりを思わせるタイトルを持ちながら、Lushらしい曖昧な感情を含んだ楽曲である。一目惚れという言葉は通常、ロマンティックで甘いイメージを持つが、Lushの音楽では、その甘さの裏に不安や距離感が潜む。
サウンドは、明るさと霞がかったギターの響きが同居している。初期のドリーム・ポップ的な質感を残しながら、曲としての輪郭も比較的明確である。Lushの魅力である、メロディの親しみやすさと音響の柔らかな広がりがよく表れている。
歌詞では、誰かに惹かれる瞬間の高揚と、それが本当に愛なのか分からない不確かさが感じられる。タイトルだけなら単純なラヴ・ソングだが、曲のムードには軽い不安がある。Lushは、恋愛を完全な幸福として描くより、感情が始まる瞬間の不安定さに注目する。
「Love at First Sight」は、ベスト盤の中でLushのポップな甘さを担う曲である。しかし、その甘さは過剰ではなく、どこか冷たい空気を含む。そこにLushらしいバランスがある。
7. Hypocrite
「Hypocrite」は、『Split』期の代表曲であり、Lushの中でも攻撃的で、鋭いギター・ロックとして機能する楽曲である。タイトルは「偽善者」を意味し、歌詞には人間関係における不誠実さ、自己欺瞞、怒りが込められている。
音楽的には、ギターの圧力が強く、リズムも前へ押し出す。シューゲイズ的な音響の美しさよりも、より明確な怒りとロック的な推進力が前面に出ている。Miki Berenyiのヴォーカルも、甘く漂うというより、言葉を鋭く投げるように響く。
歌詞では、相手の偽善を見抜いた語り手の苛立ちが描かれる。ただし、それは単純な外部批判だけではない。偽善は相手の中にあると同時に、人間関係そのものの中にも存在する。Lushの歌詞は、怒りを抱えながらも、その怒りの感情が単純には整理できないことを示す。
「Hypocrite」は、Lushが持つノイズ・ポップ的な攻撃性を代表する曲であり、ベスト盤の中でも強いアクセントになっている。美しいだけではないLushの姿を示す重要曲である。
8. Desire Lines
「Desire Lines」は、Lushの中でも特に長く、夢幻的で、シューゲイズ的な広がりを持つ代表曲である。タイトルの「Desire Lines」は、人々が自然に歩いてできる非公式な道を指す言葉であり、欲望が作る道、予定されたルートから外れる動きを象徴している。
音楽的には、ゆったりとしたテンポ、深いリヴァーブ、重層的なギター、浮遊するヴォーカルが中心である。曲は急がず、少しずつ広がり、聴き手を音の中へ沈めていく。Lushのシューゲイズ／ドリーム・ポップ的な側面が最も美しく表れた楽曲のひとつである。
歌詞では、欲望、距離、記憶、関係の曖昧さが描かれる。予定された道ではなく、人が無意識に選ぶ道。これは恋愛や人生にも通じる。合理的に選んだわけではなく、いつの間にか惹かれ、歩いてしまった道。そこに曲の切なさがある。
「Desire Lines」は、Lushの楽曲の中でも特に音響と歌詞のイメージが深く結びついた曲である。ギターの層は、まるで道が幾重にも重なるように響く。ベスト盤の中でも、バンドの芸術的な到達点のひとつとして重要である。
9. Lovelife
「Lovelife」は、『Lovelife』のタイトル曲であり、後期Lushのポップで皮肉な世界観を象徴する楽曲である。タイトルは「恋愛生活」や「愛の人生」を意味するが、曲はそれを理想化するのではなく、恋愛をめぐる日常的な混乱や疲労を軽快に描いている。
音楽的には、ブリットポップ期らしい明るいギター・ポップである。メロディはキャッチーで、リズムも軽やかだが、歌詞の裏にはシニカルな視線がある。Lushはこの時期、恋愛や性を甘い幻想としてではなく、現実的な駆け引き、失望、社会的な演技として扱うようになっていた。
歌詞では、恋愛生活という言葉に含まれる期待と現実のズレが描かれる。愛は人生を豊かにするものとして語られがちだが、実際には面倒で、傷つきやすく、時に滑稽である。Lushはそのズレを、明るいポップの形で提示する。
「Lovelife」は、後期Lushの軽快な表面と辛辣な中身をよく示している。初期の幻想的な音からここまで変化したことを感じさせる一曲である。
10. When I Die
「When I Die」は、タイトルからして死を正面から扱う楽曲であり、Lushの中でも特に重い感情を持つ曲である。死への意識、残される記憶、自己の消滅への不安が静かに響く。
音楽的には、穏やかでありながら深い陰影がある。ギターは柔らかく、ヴォーカルは近く、曲全体には静かな諦念が漂う。派手なクライマックスを作るのではなく、死について淡々と歌うことで、かえって深い余韻を生む。
歌詞では、自分が死んだ後に何が残るのか、他者が自分をどう記憶するのかという問いが感じられる。Lushのキャリアを後から振り返ると、Chris Aclandの死によるバンドの終焉と重なり、さらに重く響く曲でもある。
「When I Die」は、ベスト盤の中でLushの暗い内省性を示す重要曲である。明るい後期シングル群だけでは見えない、バンドの深い悲しみと死生観がここにある。
11. Nothing Natural
「Nothing Natural」は、Lushの初期から中期にかけての重要曲であり、シューゲイズ的なギターの広がりと、強いメロディを兼ね備えた楽曲である。タイトルは「自然なものなど何もない」という意味を持ち、関係や感情、自己像の人工性を示すように響く。
音楽的には、ギターが大きく広がり、リヴァーブの中でヴォーカルが浮遊する。初期Lushの美学が非常に完成度高く表れた曲であり、音の壁の中にもメロディの輪郭がしっかりある。4ADらしい幻想性と、バンドのポップ感覚がよく結びついている。
歌詞では、自然であることへの疑いが中心にある。人間関係や感情は自然に生まれるもののように見えて、実際には演技、期待、社会的な型によって作られているのかもしれない。Lushはこのような不安を、幻想的な音の中に溶かし込む。
「Nothing Natural」は、Lushのシューゲイズ期を代表する名曲のひとつである。音響の美しさと歌詞の不穏さが見事に結びついており、バンドの魅力を凝縮している。
12. Untogether
「Untogether」は、関係の断絶や、二人でいながら一つになれない感覚を扱った楽曲である。タイトルの造語的な響きが印象的で、「together」の否定形として、関係の崩れを一語で表現している。
サウンドは比較的穏やかで、メロディには深い哀愁がある。ギターは大きく前に出すぎず、ヴォーカルと曲の余白を支える。Lushの静かな側面がよく表れた楽曲であり、音の美しさよりも感情の繊細さが中心にある。
歌詞では、かつて近かった関係が、いつの間にか離れてしまった状態が描かれる。完全に別れたわけではないが、もはや一緒でもない。その中間的な感覚が「Untogether」という言葉に集約されている。Lushは、こうした曖昧な関係性を描くのが非常に上手い。
「Untogether」は、ベスト盤の中で静かな痛みを担う曲である。華やかなシングルではないが、Lushのソングライティングの深さを示す重要な楽曲である。
13. For Love
「For Love」は、Lushのポップな魅力が強く表れた初期の重要曲である。タイトルは非常にシンプルだが、曲には恋愛の高揚だけでなく、自己犠牲や感情の危うさも含まれている。
音楽的には、ドリーム・ポップとギター・ポップの中間に位置する。ギターは明るく鳴り、メロディは親しみやすいが、音の質感には初期Lushらしい霞がある。シューゲイズ的な音響を保ちながら、よりポップな方向へ開かれた曲である。
歌詞では、愛のために行動することの美しさと危うさが感じられる。愛は人を動かすが、同時に人を盲目にし、傷つけることもある。Lushは、その両義性を軽やかなメロディの中に隠している。
「For Love」は、Lushが初期から強いポップ・センスを持っていたことを示す楽曲である。ベスト盤の中でも、シューゲイズとインディー・ポップの橋渡しとして重要な位置を占める。
14. Monochrome
「Monochrome」は、色彩を失った世界、感情の平板化、記憶の白黒化を連想させるタイトルを持つ楽曲である。Lushの中期に見られる暗く内省的な側面をよく示している。
音楽的には、派手なノイズよりも、抑制された雰囲気が中心である。ギターは陰影を作り、ヴォーカルは静かに響く。タイトル通り、曲全体に色を抑えたような感触がある。明るさや華やかさを避けることで、感情の鈍い痛みが浮かび上がる。
歌詞では、世界が単色に見えるような心理状態が描かれる。感情が麻痺し、何を見ても鮮やかに感じられない。これは喪失や抑うつと結びつく感覚でもある。Lushは、こうした内面的な暗さを、過剰にドラマ化せずに表現する。
「Monochrome」は、ベスト盤の中でLushの陰影を深める楽曲である。ポップな代表曲だけでは見えない、彼らの静かな暗さがここにある。
15. De-Luxe
「De-Luxe」は、Lushの初期を代表する楽曲であり、彼らがシューゲイズ／ドリーム・ポップ・シーンで注目されるきっかけとなった重要曲である。ギターの重層性、浮遊するヴォーカル、甘く歪んだ音像が、初期Lushの美学を鮮やかに示している。
音楽的には、My Bloody Valentine以降のノイズ・ポップ的な影響を感じさせながら、Lush独自のメロディの明るさがある。ギターは厚く、音は霞んでいるが、曲の輪郭は意外に明快である。これはLushの大きな特徴であり、彼らが純粋な音響実験だけでなく、ポップ・ソングとしての強さを持っていたことを示す。
ヴォーカルは音の中に溶け込み、歌詞は明瞭に前へ出るというより、ギターの一部のように響く。初期シューゲイズの魅力である、声と楽器の境界が曖昧になる感覚がここにある。
「De-Luxe」は、Lushの出発点として欠かせない曲である。後期の明快なポップ・ソングと比べると、音はより夢幻的だが、すでにメロディの強さははっきりしている。
16. Sweetness and Light
「Sweetness and Light」は、Lush初期の代表曲であり、彼らのドリーム・ポップ的な美しさを象徴する楽曲である。タイトルは「甘さと光」を意味し、曲のサウンドもまさにその言葉通り、輝きと浮遊感に満ちている。
音楽的には、きらめくギター、柔らかなヴォーカル、軽やかなリズムが一体となり、非常に幻想的なポップ・ソングを作っている。Cocteau Twinsの影響を感じさせる美しさがある一方で、Lushらしいギター・バンドとしての推進力もある。
歌詞は音の中に溶け込むように響き、具体的な意味よりも感覚が優先される。甘さ、光、夢のような距離感。初期Lushの魅力は、言葉を完全に説明的に聴かせるのではなく、音響の一部として扱う点にあった。この曲はその代表例である。
「Sweetness and Light」は、シューゲイズ／ドリーム・ポップの名曲としても重要であり、Lushの美しい側面を最も分かりやすく伝える楽曲のひとつである。
17. Thoughtforms
「Thoughtforms」は、Lush初期のサイケデリックで霞がかった感覚をよく示す楽曲である。タイトルは「思考形態」「思念体」とも訳せる言葉で、抽象的で精神的なイメージを持つ。初期Lushの幻想性に非常によく合ったタイトルである。
音楽的には、ギターの反復とリヴァーブが曲全体を包み、ヴォーカルは遠くから聞こえるように響く。曲はポップな構造を持ちながらも、サウンドはかなり夢幻的で、意識の中を漂うような感覚がある。
歌詞は明確な物語よりも、感覚やイメージを重視している。思考が形を持ち、音の中で漂うような雰囲気がある。これは、シューゲイズ初期の精神性とも結びつく。音が意味を超えて、意識の状態を作るのである。
「Thoughtforms」は、Lushの初期EP群の魅力を象徴する曲であり、バンドが最初から独自の音響的世界を持っていたことを示す。ベスト盤の後半で初期へ戻る流れの中で、重要な位置を占めている。
18. Etheriel
「Etheriel」は、Lush初期の楽曲の中でも特に幻想的で、タイトル通りエーテル的な浮遊感を持つ曲である。スペルは通常の「Ethereal」とは異なるが、その響きは空気、霊性、透明な音の広がりを連想させる。
音楽的には、リヴァーブをまとったギターと淡いヴォーカルが中心で、曲全体が現実から少し離れた場所にあるように響く。初期Lushが持っていた4AD的な夢幻性が強く出ている楽曲であり、のちの明快なギター・ポップとは異なる世界である。
歌詞は音の中に溶け込み、具体的な意味よりも、声の質感とギターの響きが重要になる。Lushの初期作品では、ヴォーカルは歌詞を伝えるだけでなく、音響の一部として機能していた。「Etheriel」は、その美学をよく示している。
ベスト盤の終盤にこの曲が置かれることで、Lushの始まりにあった霞んだ美しさが再確認される。後期の鋭いポップ・ソングから振り返ると、この曲の柔らかな音像は、バンドの原点として静かに輝いている。
総評
『Ciao! Best of Lush』は、Lushのキャリアを一枚で俯瞰できる非常に優れたベスト・アルバムである。初期のシューゲイズ／ドリーム・ポップ、中期の内省的で重いギター・ロック、後期のブリットポップ的な明快さと皮肉が、ほぼ年代を逆行するような構成で並べられ、バンドの変化と幅広さがよく分かる。
本作の最大の魅力は、Lushが常に「美しさ」と「苦さ」を同時に鳴らしていたことを示す点である。初期曲はギターの霞と甘いヴォーカルによって夢のように響くが、その中には不安や距離感がある。中期曲はより暗く、関係の破綻や死、記憶、孤独を描く。後期曲は明るくポップだが、歌詞は男性的な傲慢さ、恋愛の疲労、社会的な女性像への皮肉を含んでいる。Lushの音楽は、どの時期も単純な甘さには留まらない。
Miki BerenyiとEmma Andersonの存在は、Lushの独自性を決定づけている。二人の声は透明で美しいが、同時に鋭い感情を伝えることができる。また、二人のギターは、初期には重層的で夢幻的な音の壁を作り、中期には内省的な陰影を深め、後期には明快なポップ・ロックの輪郭を作った。Lushの変化は、このツイン・ギター／ツイン・ヴォーカルの関係の変化でもある。
シューゲイズ史の中で見ると、LushはMy Bloody ValentineやSlowdiveのように、音響そのものの極限へ向かったバンドとは少し異なる。彼らは常にポップ・ソングとしての強度を保っていた。ギターがどれほど霞んでも、メロディは残る。ヴォーカルが音に溶け込んでも、感情の輪郭は消えない。この点が、Lushをドリーム・ポップとインディー・ポップの両方に接続している。
また、1990年代英国音楽の変化を理解するうえでも、本作は興味深い。初期のLushは、1980年代末から1990年代初頭の4AD的美学、シューゲイズの音響実験、インディー・ギター・ポップの延長にあった。しかし後期には、ブリットポップの明快なリズム、皮肉な歌詞、ポップな即効性を取り入れた。『Ciao!』は、その変化を通じて、英国インディーが夢幻的な内省から、より社交的でメディア的なポップへ移っていく流れも示している。
ただし、Lushの後期作品は単なるブリットポップ迎合ではない。「Ladykillers」「Single Girl」「Ciao!」には、女性視点から見た恋愛、性、男性的な自己演出への鋭い批評がある。ブリットポップの多くが男性中心の物語として語られる中で、Lushはその場にいながら、異なる視点を持ち込んでいた。これは、彼女たちの重要な功績である。
『Ciao! Best of Lush』には、明るいポップ・ソングとして聴ける曲も多いが、全体を通すと、喪失の感覚が強く残る。Chris Aclandの死とバンドの終焉を知ったうえで聴くと、「When I Die」「Light from a Dead Star」「Ciao!」などは、より深い意味を帯びる。タイトルの「Ciao!」は軽い別れの言葉でありながら、このベスト盤全体には長い余韻がある。
日本のリスナーにとって本作は、Lush入門として最適な作品である。シューゲイズやドリーム・ポップに関心があるなら「Sweetness and Light」「De-Luxe」「Desire Lines」から、ブリットポップ的なギター・ポップが好きなら「Ladykillers」「Single Girl」「Ciao!」から入りやすい。さらに聴き進めることで、Lushが単なるジャンルの代表ではなく、時期ごとに異なる表情を持つバンドだったことが分かる。
総じて『Ciao! Best of Lush』は、Lushの美しさ、鋭さ、変化、そして終わりを凝縮した優れたコンピレーションである。夢のようなギター、甘い声、冷たい皮肉、深い喪失感が一枚の中で交差し、1990年代英国インディーの重要な記録となっている。Lushというバンドに別れを告げるタイトルでありながら、その音楽は今なお新鮮に響き続けている。
おすすめアルバム
1. Lush『Spooky』（1992年）
Lushの初期シューゲイズ／ドリーム・ポップ美学を代表するアルバム。Robin Guthrieのプロデュースにより、深いリヴァーブと重層的なギターが美しく響く。「For Love」「Nothing Natural」などを収録し、初期Lushの幻想性を理解するうえで重要である。
2. Lush『Split』（1994年）
Lushの中期を代表する、暗く内省的な作品。「Desire Lines」「Hypocrite」「Light from a Dead Star」などを含み、シューゲイズ的な音響と、より重い感情表現が結びついている。バンドの最も深い側面を知るための重要作である。
3. Lush『Lovelife』（1996年）
後期Lushのブリットポップ的な明快さを示すアルバム。「Ladykillers」「Single Girl」「Ciao!」などを収録し、鋭い歌詞とキャッチーなギター・ポップが前面に出ている。初期との変化を確認するうえで欠かせない。
4. Cocteau Twins『Heaven or Las Vegas』（1990年）
4ADのドリーム・ポップ美学を代表する名盤。Lushの初期サウンドに影響を与えた幻想的なギター、浮遊するヴォーカル、美しい音響を理解するために重要な作品である。
5. Ride『Nowhere』（1990年）
英国シューゲイズを代表する作品。Lushよりも男性的でギター・ロック寄りの推進力を持つが、重層的なギター、メロディ、音響の霞という点で関連性が高い。1990年代初頭のシューゲイズ・シーンを理解するうえで欠かせない。
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